Syd Matters, découvert en première partie de Yann Tiersen an avril dernier, revient dans le Nord à l’Eden Festival, un petit festival dans la banlieue de Roubaix. Mais qui dit petit festival, dit petit comité, et une ambiance mémorable, dans une salle magnifique: les conditions idéales étaient réunies pour la pop onirique de Syd Matters.

Tout d’abord, un petit mot sur le théâtre de L’Eden: cette salle récente, située à Lys-lez-Lannoy, est magnifique: beaux fauteuils, parquet, jeu de lumières excellent, très bonne acoustique… Une très bonne adresse, je vais surveiller leur programmation de près.
J’avais été moyennement emballé du dernier concert de Syd Matters au Splendid, mais ils passent dans un petit festival, pas loin du travail, pas cher, et j’ai une accréditation photo, alors donnons leur une deuxième chance. Et j’ai bien fait. Même si je ne connais toujours pas leur discographie, j’ai pris plaisir à vivre ce concert. La musique de Syd Matters peut être répétitive: le chant de Jonathan Morali, tout en douceur, nous berce, nous émeut, fait du bien: leur musique devrait être remboursée par la sécu. Leur compositions sont des petits bijoux de pop onirique, reposant sur des claviers omniprésents et des guitares discrètes.
J’ai bien fait de revenir car le titre « Bones », qui m’avait bluffé au Splendid, a été rejoué ce soir, et en le connaissant mieux, j’ai encore plus apprécié, le final se prolongeant dans une frénésie qu’on ne retrouve pas dans d’autres morceaux du groupe. Ca rappelle un peu un final à la Sigur Ros.

Maintenant je sais ce qu’il me reste à faire: écouter les albums, au moment propice : leur musique n’est pas adaptée aux voyages en métro. Mais comme ils repassent en mars prochain au Grand Mix de Tourcoing, cette fois, ce sera un vrai compte rendu… RDV en mars prochain !

Syd Matters est un grand groupe. Leur musique, très calme, mérite d’être écoutée dans de bonnes conditions. C’était le cas dans cette magnifique salle de l’Eden à Lys-lez-Lannoy. Je venais en simple curieux qui aimait bien une chanson, et j’ai été séduit par leur musique. Leur tournée actuelle se termine en mars prochain, ne trainez pas et filez les voir sur scène, dans une petite salle près de chez vous, et laissez vous porter par leur musique.

Share on Facebook

Anoushka Shankar est de retour en France pour présenter son nouvel album « Traveller », fruit du métissage entre la musique hindoustanie et le flamenco gitan. Une seule date en France*, à La Cigale à Paris. La petite salle affiche complet…

Un soir, en pleine semaine, à Paris ? Oui mais c’est Anoushka… la plus belle femme du monde (après la mienne) ! Je pose une demi-journée de congés, je réserve une chambre d’hôtel, des billets de train (ça tombe pendant des grèves, comme,d’hab…) et cerise sur le gâteau: j’ai décroché une accréditation photo !
La Cigale affiche complet, mais le public parisien n’est pas ce qui se fait de plus ponctuel, si bien que lorsque le concert commence, ça se presse, se bouscule, s’invective sans aucun respect pour la musique malgré les efforts des ouvreuses… Et c’est d’autant plus honteux parce qu’Anoushka commence par mon morceau préféré de « Traveller »: il s’agit de « Bhairavi », qui n’a rien d’espagnol pour le coup. D’ailleurs Anoushka commence seule sur scène, accompagnée par Kenji Ota au tanpura et le percussionniste Pirashanna Thevarajah qui joue du Mridanga, une sorte de tabla double face. Bhairavi est un raag court d’une dizaine de minutes, dans une forme de musique indienne à laquelle Anoushka nous a habitué depuis « Rise »: la construction, les formes, les règles de la musique classique hindoustanie, format court. Et les émotions que procurent ce raag témoignent d’une merveille de composition et d’interprétation qui envoûte la salle.
Le reste du groupe entre en scène pour le second morceau: Ramon Porrina, assis sur son cajun, Sanjeev Shankar au Shehnai, une flûte de l’Ouest de l’Inde, Alvaro Antona à la guitare Flamenco et la chanteuse Sandra Carrasco. Un groupe très hétérogène donc, mais l’alchimie est vraiment réussie. Ils jouent « Inside Me », qui n’est pas vraiment le meilleur morceau de « Traveller » avant d’enchainer sur le plus traditionnel « ISHQ ».
Même si Anoushka est la « star », son humilité et ses regards envers ses musiciens leur rendent honneur. Les rythmes flamenco combinés aux rythmes indiens donnent envie de battre la mesure, et Ramon & Pirashanna y mettent du cœur.
Entre chaque morceau, Anoushka ré-accorde son sitar: les dix cordes sympathiques qui résonnent en fonction de la note jouée doivent aussi être ré-accordées si elle change les cordes principales, donc ça prend un peu de temps.
Elle descend dans les graves pour « Si No Puedo Verla », et Sandra reprend admirablement une partie qu’elle ne chante pas sur l’album, c’est ça rend encore mieux que l’original.
On enchaîne avec une composition d’Anoushka : « Dancing In Madness » qui laisse le loisir aux percussionnistes de se lâcher. Sur l’album, on entend les bruits de pas d’un danseur, qui est ici remplacé par le sargam de Pirashanna: c’est une technique qui consiste à chanter le nom des temps en rythme: ici il joue en duo avec lui même en jouant ensuite ces notes, se répondant à l’oral et en mesure. Le public apprécie cette démonstration de force et applaudit avec enthousiasme, devant des musiciens sourires aux lèvres.
Anoushka annonce qu’il vont jouer un dernier morceau avant l’entracte, il s’agit du raag « Kirwani », qu’elle avait enregistré a l’âge de 17 ans sur son premier album.
Après une pause de 20 minutes, les musiciens reviennent sur scène pour une interprétation de « Boy meets Girl » version longue, et encore meilleurs que sur l’album : co-écrit avec Pepe Habichuela, le Jimi Hendrix du flamenco, c’est un morceau sous la forme d’un dialogue entre la guitare flamenco d’Alvaro et le sitar d’Anoushka. Là ou le morceau va plus loin en live c’est que Sanjeev  y apporte son Shehnai, prolongeant l’histoire de la chanson d’une façon qui  fait étrangement penser au fait qu’Anoushka est une jeune maman… Sans compter que les percussionnistes eux aussi apportent leur touche dans un final qui respire le bonheur. Je veux un live de cette tournée tant cette version surpasse la version album…
Le groupe reste dans une ambiance calme avec le très doux « Lola’s Lullaby », petite composition entre le sitar et le shehnai, très aérien, puis ils enchaînent sur « Casi uno », qui marque le retour sur scène de Sandra. Peut-être le meilleur mélange indo-espagnol de « Traveller ». Superbe mélodie, un canevas de sons soigneusement brodé, et le chant typiquement flamenco, très intense. Même si je ne suis pas un fan de ce genre de chant, je ne suis pas resté insensible à la voix de Sandra Carrasco, qui enchaîne sur « Kanya », un morceau plus nerveux, plus rapide, au chant plus orientalisant. L’intensité monte progressivement avant que le sitar ne calme le jeu, la voix le rejoint et on a droit à un magnifique final très coloré.
On reste dans « Traveller » avec cette fois « Buleria Con Ricardo », qui sur l’album un duel entre un sitar et un piano qui se la joue flamenco, arbitré par le Mribani et les clappements de mains de Sandra et Ramon. Ici, la piano est remplacé par la guitare, ce qui rend plutôt bien. C’est un morceau vraiment dans l’esprit flamenco, très sanguin. La virtuosité d’Anoushka rivalise aisément avec celle d’Alvaro.
Ils jouent la chanson titre de l’album « Traveller », ou Ramon étincelle sur son Cajun. Pirashanna délaisse son Mribani pour jouer d’une sorte de guimbarde qui apporte une touche originale à ce morceau. Chaque musicien aura droit à sa présentation et son petit solo. Très bonne ambiance, le public les applaudi à leur juste valeur. Mais à l’issue de ce morceau, Anoushka annonce le dernier morceau, le raag « Jog » au cours duquel chaque musicien aura encore une fois l’occasion de faire montre de leur talents, cette fois en « petit comité indien ». Ce raag a une construction particulière, il commence très rapidement et se termine calmement, alors que d’ordinaire, l’alap débute de morceau. Comme il est de coutume, les percussionniste ont leur moment de gloire: Anoushka et Sanjeev délaissent leurs instruments, se tournent vers les percussionniste, et battent la mesure à la mode indienne – c’est compliqué, je ne rentrerais pas dans les détails – et ceux ci-improvisent, tout en restent dans le cadre du taal (le « tempo »): Ramon s’en tire excessivement bien, surprenant le reste du groupe, Anoushka éclatant même de rire devant ses audaces, et Pirashanna n’est pas en reste avec son mribani qu’il maîtrise du bout des doigts, jouant avec les contretemps, allant jusqu’à bluffer le public et Anoushka…
Standing ovation pour Anoushka Shankar et son groupe, leur enthousiasme transparait derrière le sérieux de la musique hindoustanie, et c’est beau.

Et ils ne se font pas désirer longtemps avant de revenir pour un court raag « Yaman Manj », prolongeant encore quelques minutes ces instants de grâce. Je crois que c’est à ce moment là que j’ai réalisé avoir vécu mon meilleur concert de l’année jusqu’ici, et pourtant les challengers, dans des styles différents, ne manquent pas.
Et histoire d’en remettre une couche, alors que les techniciens avaient déjà entrepris d’investir la scène, Anoushka revient une dernière fois pour un dernier morceau que je n’ai pas pu identifier… La plus belle femme du monde (après la mienne) en plus d’être virtuose, est généreuse !
Et ce n’est pas tout ! Un quart d’heure après, toute de noir vêtue, cheveux attachés, c’est avec un immense sourire et n’hésitant pas à échanger quelques mots avec ses admirateurs qu’elle viendra dédicacer son album… cette femme est parfaite !

Un concert exceptionnel, et les spectateurs présents ce soir ne s’y sont pas trompés. Anoushka Shankar fait honneur à sa légendaire famille avec « Traveller », continuant l’exploration de la musique indienne à la façon de son père, la démocratisant d’une façon différente, mais toujours avec talent. Même si son album précédent et ses égarements pop m’avait fait peur, même si le concept de flamenco indien m’avait laissé sceptique, on ne peut qu’être rassuré à l’écoute de cet album, et conquis après avoir vu ce formidable groupe se produire sur la scène de la Cigale. Merci Anoushka & co !

Un très grand merci à Florent pour cette accréditation photo, sans laquelle je n’aurais pas pu illustrer cet article !

*j’ai appris le lendemain qu’il y avait en fait une autre date en France, à Grande-Synthe, près de Dunkerque… et j’ai loupé ça !

Share on Facebook

Motörhead, un monstre de heavy métal parmi les fondateurs du genre est à Lille pour faire trembler le Zénith avec une formule simple : une guitare, une basse, une batterie, le son à fond, des rythmes Rock’n Roll, une disto métal, et ça fonctionne à merveille.

Si vous n’avez pas vu l’excellent documentaire « Lemmy » consacré au charismatique leader de Motörhead, Lemmy Kilmister, je vous le conseille vivement. Moi qui était plutôt réfractaire à ce genre de musique et l’image qu’elle véhicule, j’ai été agréablement surpris en voyant ce film, qui montre un rockeur à fond dans sa musique, et dans l’esprit du Rock avant tout. Du coup, contre tout attente quand on connait mes goûts, me voilà devant les crash barrières au Zénith pour prendre des photos de Motörhead !
Et ça a été une vraie claque de les voir sur la scène du Zénith: au niveau auditif déjà, bouchons filtrants de rigueur, mais aussi techniquement : on est loin de la parodie de groupe de métal qui se cache derrière des artifices de mise en scène. Ici on a 3 musiciens excellents, chacun dans leur style : le batteur Mikkey Dee, tient plus de la moissonneuse batteuse que de la batterie jazz aux pinceaux, mais il emmène le groupe comme une locomotive à plein régime. Phil Campbell, le guitariste est irréprochable, et Lemmy est un bassiste pas comme les autres: il joue de la basse – une superbe basse sculptée – comme si c’était une guitare avec des cordes plus graves, accompagnant la mélodie dans un vrombissement, un son qui est un peu la marque de fabrique de Motörhead.
Le groupe a joué une sélection de ses titres de leur dernier album « The World Is Yours », sorti il y a un an, et quelques immanquables comme l’hymne interplanétaire « Ace Of Spades ».
La première partie était assurée par No One Is Innocent, qui m’a malheureusement pas vraiment emballé pour le coup, mais qui ont eu le mérite de chauffer le public, venu en masse et motivé, malgré le prix des places qui ne va pas en s’arrangeant…

Un groupe assurément à voir sur scène. Lemmy, 65 ans, Phil , 50 ans et Mikkey, 48 ans, n’ont rien à envier aux petits jeunes, bien au contraires…ils ont encore beaucoup à leur apprendre: peu de groupe savent aussi bien lancer uen machine à plein régime du calibre de celle de Motörhead !

Merci beaucoup à Vérone Productions pour l’accréditation photo !

Share on Facebook

Mark Knopfler revient enfin à Lille, où on avait pas eu la chance de le voir depuis la fantastique tournée « Shangri-La » en 2005. Et cette fois ci, on a non pas une, mais deux légendes pour le prix de… deux.

Knopfler oblige, j’ai craqué pour des places VIP: quitte à payer des places chères, autant être bien placés, on est plus à 20€ près: on est donc dans les gradins, deuxieme rang face à la scène, une vue imprenable sur un Zénith plein à craquer : les gens ne peuvent pas tous rentrer dans la fosse, c’est compact jusqu’aux portes. A 20h précises, les lumières s’éteignent et Mark Knopfler et son groupe entrent en scène, très bien accueillis. Ca fait bizarre de voir « la voix et la guitare de Dire Straits » faire une première partie… mais je ne vais certainement pas m’en plaindre, surtout quand on entend les première notes de « What It Is ». Il ne faut que quelques secondes pour réaliser que ce son, cette guitare, pas de doutes, c’est unique et c’est pour ça qu’on est là.
Le groupe de Knopfler est presque le même que lors de la tournée Get Lucky, qui n’a malheureusement pas fait de détour par Lille cette année, et après le concert de ce soir, je regrette de ne pas avoir fait le déplacement jusque Paris.
Glenn Worf est toujours à la basse et contrebasse, l’inséparable Guy Fletcher est aux claviers, et à l’occasion à la guitare acoustique. Richard Benett est toujours là en seconde guitare, ça fait plaisir à voir et à entendre. A la batterie, c’est Ian Thomas, et je suis particulièrement content de revoir Jim Cox au piano et à l’accordéon, il n’avait pas tourné avec Knopfler depuis 2001 pour cause de problèmes de santé. Et ce n’est pas tout : un duo d’écossais colorent ce groupe d’une teinte très « celtique » avec Michael McGoldrick et John McCusker, respectivement à la cornemuse et au violon… et ils jouent tout deux de la flûte. Ca fait du beau monde sur scène, et la musique de Knopfler se trouve changée, juste un peu mais c »est très réussi.
A noter d’ailleurs, ça doit surement diviser les fans hardcore, mais il n’a quasiment pas joué de Dire Straits – j’y reviendrai – mais uniquement son répertoire solo, et je trouve que c’est une bonne chose. J’aurais pas craché sur un « Telegraph Road » celà dit…
Le groupe ne prend pas de pauses, Mark ne parle quasiment pas entre les morceaux, on a pas l’habitude de le voir comme ça, mais je pense qu’il a préféré privilégier la musique, quitte à jouer le maximum de morceau dans le temps qui lui est imparti. Après un final majestueuse pour « What It Is », ils enchaînent avec « Cleaning My Gun » issu du dernier album, avec de jouer une nouvelle chanson « Corned Beeef City », ambiance assez country, très prometteuse.
« Sailing To Philadelphia » restera pour moi le plus beau moment de ce concert : Mark est en forme, vocalement et guitaristiquement, même si le mot n’existe pas. Là encore, un très beau développement sur le final de la chanson, qui prolonge un peu ce chef d’oeuvre de la carrière solo de Knopfler. Les mauvaises langues diront que c’est assez artificiel comme façon de rallonger le morceau, ça fait déjà deux fois qu’il fait le coup sur quatre chansons…
Vient ensuite « Hills’ Farmer Blues », que je n’avais pas encore eu la chance d’entendre en live. Très belle interprétation, bien que la mandoline répétitive de Benette soit un peu trop présente à mon goût.
Autre nouveau titre avec l’excellent « Privateering » qu’il me tarde de re-entendre quand ca sortira: Mark à la guitare acoustique, là encore une couleur country pour ce morceau entre les campagnes irlandaises et américaines.
Changement d’ambiance – et de guitare… aaah la Gibson ’58 c’est une star à part entière – pour « Song For Sonny Liston » très bluesy, toujours efficace.
Mark prend la parole pour dire qu’ils vont jouer une chanson qu’ils ont du jouer la dernière fois qu’ils étaient venus à Lille, et en effet, il rejouent « Done With Bonaparte », avec son refrain festif, entêtant, joué à la perfection avec cette configuration de groupe très « acoustique ».
Autre grand moment ensuite, avec linédit en live « Marbletown » qui bénéficie lui aussi d’un final magique avec la mise en avant de John McCusker en duel avec Mark. Enorme.
Mark reprend sa Gibson ’58 pour « Speedway at Nazareth »… je n’ai jamais retrouvé la puissance du live entendu en 2005 et 2006, même en ecoutant les bootlegs…et c’est toujours aussi énorme, la montée en puissance, maintenant agrémentée d’un final prolongé, c’est un pur plaisir à entendre en vrai: la force du live, irremplaçable.
Mais…hélas… c’est fini… première partie oblige. Un « faux rappel » – une attente de 15 secondes, sans doute pour des raisons de timing – et ils reviennent pour jouer le seul titre de Dire Straits de la soirée et c’est…. « So Far Away »!
Enfer et damnation ! « So Far Away » !
LA chanson que je déteste de Dire Straits !
Pas de chance, mais ça semble plaire aux fans de Bob Dylan, visiblement peu au courant de la carrière solo de l’ex Dire Straits.
Et c’est fini… entracte pendant que la scène est préparé pour l’américain légendaire. Je ne sais pas à quoi m’attendre, mais c’est assez déstabilisant de voir un concert à l’envers : en général, on découvre la première partie, mais on vient pour la seconde.
Cruelle déception lorsque la partie de Bob Dylan commence : un orchestre de 5 musiciens en veste blanche, musique rockabilly, et Bob Dylan… caché sous un grand Stetson, uns voix…incompréhensible. Ce qui n’est pas un scoop en soit, les caricatures du bonhomme sont connues. Oui, sauf que la, il faut ajouter à ça un son déplorable, et Bob qui ne chante pas du tout, et qui compense sa voix éteinte par un micro sur-saturé.
On patiente jusqu’à la fin, espérant un sursaut de quelque chose de joli. Mais non. Et on part même avant les rappels, et nous n’étions pas les seuls.

On retiendra de cette soirée l’excellente performance de Mark Knopfler, qui nous a une fois de plus enchantés avec son répertoire solo, épaulé par un groupe incroyable, avec une teinte très acoustique. Pour Dylan… eh bien… disons que je ne le découvrirais pas en live, ses albums doivent être mieux !

Merci beaucoup à Elian pour les photos !

Share on Facebook

Luc Arbogast est un chanteur d’exception, aux voix magnifiques – et au pluriel, oui. C’est un contre-ténor, un timbre qui va chercher dans les notes les plus hautes, mais il chante aussi dans un registre plus classique, et descend même parfois dans des notes plus basses de ténor (je ne suis pas spécialiste…) Et quoi de mieux qu’une somptueuse église pour donner un concert dans une ambiance intense…

J’ai découvert Luc Arbogast via des vidéos postées sur youtube, relayées sur facebook. Luc avait pour habitude de chanter dans la rue, à l’ancienne, devant la cathédrale de Strasbourg. En quelques minutes, la magie opère et un attroupement se formait devant lui. J’ai téléchargé ses albums – 3 à ce jour – j’ai été conquis, j’en ai acheté 2 et j’attends impatiemment la réédition du troisième et la sortie du quatrième.
Comment une voix peut-elle captiver autant ?
C’est simple: l’énergie, la conviction, le savoir-faire qu’il transmet avec passion, le charisme du personnage nous fait rêver et nous emmène dans des temps anciens, et nous ramène à des valeurs simples, mais essentielles. Ecoutez Luc Arbogast dans le métro, le matin, en partant au boulot, avec un casque isolant, vous comprendrez ce que je veux dire.

C’est dans une ambiance médiévale que nous arrivons à Condé sur Escaut ou a lieu un festival en ce week end de juillet. Des marchands, des artisans, des saltimbanques ont investi la superbe place Verte, et la chorale Josquin des Près résonne déjà depuis l’Eglise Saint Wascon, ouverte sur la place.
Cette chorale locale assure la première partie du concert de Luc Arbogast. Ils interprètent des textes anciens, d’autres plus récents, en espagnol, italien ou français. Leur voyage musical, très bien orchestré, se termine en Brocéliande, et plus particulièrement sur la Danse des Korrigans, une transition pour enchaîner sur la partie de Luc, qui serait un Korrigan.
On se permet d’en douter quand on voit le bonhomme, d’une stature imposante. Tout de noir vêtu, couverte de tatouages, crâne rasé, bardé de cuir, armé d’un bouzouki, le moins qu’on puisse dire est qu’il en impose, avec un charisme incontestable.
Il s’adresse au public, bien sur sans micro, et avec bonne humeur, s’avance dans la nef pour répéter pour ceux du fond, qui n’ont pas entendu. On le verra par la suite, on ne s’ennuie pas à un concert de Luc Arbogast, même si la musique est sérieuse, le personnage ne l’est pas, et c’est un véritable showman, faute de meilleur terme.
Le premier morceau est « Cancion Sefaradi », un titre en espagnol, et, après une intro au bouzouki, la voix de Luc s’élève, céleste, et emplit l’église. Autour de moi les gens se retournent, agrandissent les yeux en regardants leur voisins. J’ai la chair de poule. Il va chercher les aigus avec une aisance qui force le respect, puis descend sur sa voix « normale » – faute de meilleur terme, et alterne entre ses voix, tout en jouant du bouzouki de façon assez frénétique. Il faut bien ça pour faire entendre l’instrument acoustique avec sa voix.
Ensuite, ses complices du collectif Centaures, une troupe de spectacle de rue, rejoint Luc dans le chœur, ajoutant une touche de mystère. Le lendemain, c’est grimé avec eux que Luc arpentera les rues de Condé sur Escaut…
Luc se lève de son siège et avance dans la nef afin de se faire entendre du plus grand nombre. Le contraste entre sa voix « chantée » et « parlée » est intéressant. Et c’est depuis l’allée qu’il jouera les titres suivants, sans doute plus « tranquilles » vu qu’il ne monte pas dans les aigus. Avec son expérience de la rue, on ressent une aisance avec son public. Il plaisante, taquine, et fait participer. C’est assez inhabituel de voir  les gens dans une église, une partie d’entre eux en train de faire les cigales, d’autre des rossignols, et deux membres choisis au hasard qui agitent des cloches.
Nous aurons droit à une reprise de Daniel Guichard – « La Tendresse » – ainsi qu’une superbe composition personnelle, écrite pour son fils « Aux Quatre Vents ».
Nous avons droit à une intermède avec « La Rosa Enfloreces », morceau qui fait faire le plus d’acrobaties à la voix de Luc, le faisant descendre très bas pour remonter très haut, on est à nouveau subjugués par les échos dans l’église.

Luc reste dans le chœur, et la chef de la chorale Josquin les Près prend la parole, pour dire qu’ils vont interprêter tous ensemble un morceau qui leur tient tout particulièrement à cœur… et à moi aussi : il s’agit de « Maria », un texte en vieux provençal, qui est l’un de mes favoris du répertoire de Luc Arbogast. La version jouée ce soir est magnifique, tout les éléments sont là pour faire de ce moment un instant hors du temps, emprunt de contemplation, de beauté de l’Art et de nostalgie.

Les textes de Luc abordent souvent ce thème, un sentiment de nostalgie, d’enfance perdue, de souvenirs. Le meilleur exemple est sans doute « Les Egaux de Landrais », nom d’un petit hameau ou Luc a grandi. Le texte, en français, pose la question d’où sont passés les enfants… ceux qui jouaient dans la campagne, qui jouaient à la marelle, qui écoutaient les histoires de grand-père… Un texte magnifique qui me fait me sentir vieux et avec mes presque 28 ans, et replonger dans les souvenirs de vacances. N’est-ce pas une des forces de la musique que de suggérer, d’émouvoir, de faire réfléchir ? Luc est un maître en la matière, par ses mots ou ses musiques.
Et, malgrè ses taquineries constantes envers le public – qui n’est pas des plus participatifs, il faut le reconnaître – Luc nous prend presque par la main en invitant le public à faire les choeurs sur le dernier morceau, « Oda et Labora ». Les hommes ont leur ligne, les femmes la leur, et pour les plus téméraires, une ligne plus aigue. Luc nous accompagne au début, puis nous libère pour chanter de sa voix de contre-ténor au dessus de l’ambiance crée par ce lieu et les voix du public. Un moment magique, surtout lorsqu’on suit le conseil que Luc nous a donné précédemment : en fermant les yeux, c’est encore mieux.

Luc Arbogast est un très grand artiste, loin des sentiers battus. Je m’attendais à ses prouesses vocales, ayant déjà écouté maintes fois ses albums, mais en plus de cela il est tout simplement humain, souriant, divertissant. Je n’ai pas vu le temps passé en sa compagnie, et je croise les doigts pour qu’il continue de sillonner la campagne… Et vivement le prochain album aussi !

Un immense merci à Jean-Louis, sans qui je n’aurais pas pu voir ce qui est un challenger sérieux au titre de « meilleur concert 2011″, et avec une pensée pour ma femme qui n’a pas pu venir cette fois, mais qui ne manquera pas la prochaine occasion…

Share on Facebook

Andy McKee est américain, originaire du Kansas, et c’est un guitariste hors pair. Fin 2006 il a fait son buzz sur youtube, une performance filmée de « Drifting » a fait le tour du web, lui apportant une reconnaissance, soudaine, mais méritée. Depuis il s’offre des tournées mondiales, avec plusieurs dates en France. De passage à Lille, il a investit seul la grande scène du Splendid.

20h00 au Splendid, un vendredi soir, veille de mariage d’une amie pour moi. Assurant le rôle du photographe officiel le lendemain, je n’étais pas fâché de voir qu’il n’y aurait pas de première partie, pour une fois. Le concert est censé débuter, mais la salle est très loin d’être remplie. Un quart d’heure plus tard, c’est autre chose, et quand le concert commence vers 20h20, on est pas loin d’un Splendid complet. Andy McKee, tout sourire, arrive sur scène, tout seul, tranquille. Derrière lui, 3 guitares sur leur stands. Ici, pas de pédales d’effets, de gros son, de riffs endiablés. Andy McKee est un guitariste acoustique.
Donc vous vous dites déjà « Bof, un concert avec un gars tout seul avec une guitare, ça doit être chiant. » C’est sans compter les talents d’Andy McKee. Son côté humain, tout d’abord: il est simple, a un sourire communicatif, il blague entre chaque morceau, et il n’est pas peu fier d’être un tout jeune papa, en montrant la photo de son fils sur son portable. Il a un certain charisme, un contact facile. Mais aussi, et surtout, il a un talent incroyable.
En guitare, il y a plusieurs styles de jeu, allant du simple jeu en accords, des solis chers au rock, les power chords du métal… et il y a le picking, une façon de jouer les aigus ponctués par les graves qui donnent un rythme à la mélodie. Encore plus tordu, il y a le tapping: les deux mains jouent sur le manche, produisant les notes par la percussion du doigt sur la corde. Andy McKee cumule ces deux styles de jeu, avec, en plus, une façon de jouer des percussion en tapant sur la caisse de la guitare. Vous l’auriez compris, c’est un homme-orchestre.
Et encore je ne vous ai pas encore parlé de la harp-guitar qu’il utilise sur certain morceaux et que vous pouvez voir en photo à côté : il s’agit d’une guitare normale, à 6 cordes, avec un deuxième manche au dessus, qui possède lui aussi 6 cordes, chacune produisant une note de basse.
Donc en faisant le calcul, avec le style de jeu d’Andy, on réalise que le bonhomme est capable, à lui tout seul d’assurer la guitare, la basse et les percussions dans un même morceau.
Donc non, un concert d’Andy McKee n’est pas rébarbatif, au contraire, je n’ai pas vu les deux parties de son set passer. Il a joué des compositions personnelles, avec des inspirations aussi variables que les membres de sa famille, une sortie à la mer, un parc de jeux pour enfants…
Il a aussi joué quelques reprises, de Tear For Fears ou Toto, pour le plus grand plaisir du public qui est venu en connaisseur et qui a fait un triomphe à l’américain en ballade en France, comme ça a été le cas sur toutes les dates de sa tournée comme on peut le foir sur son facebook.
Le bonhomme est même allé jusqu’au mini stand de merchandising pour signer ses CD, toujours avec un sourire sympathique. Les spectateurs sont unanimes : il revient quand il veut !

Andy McKee nous a donné une leçon de guitare, avec un style propre, alliant une technique irréprochable, sans tomber dans le piège d’une démonstration de technique sans âme. Ses compositions aussi bien que ses reprises ont une âme, une sensibilité palpables. Vivement la prochaine.

Share on Facebook

The Wall. LA tournée mythique de Pink Floyd, suivant la sortie de l’album mythique, et précédant l’adaptation, tout aussi mythique d’Alan Parker au cinéma. Un thème fort, sombre, dérangé, mégalo, un tube interplanétaire, certaines des meilleures compositions du groupe… The Wall ne manque pas de qualités. La tournée, gigantesque de part ses ambitions en 1980, n’était passée que par 4 villes dans le monde. Cette année, à 67 ans, Roger Waters reprend le spectacle dans le même esprit qu’à l’époque, quelques Pink Floyd en moins et des effets visuels en plus.

On arrive aux alentours de Bercy vers 16h15, pour découvrir une file déjà conséquente. T-shirts noirs de rigueur, à l’effigie de Pink Floyd ou de la tournée actuelle. Il fait très chaud, et l’attente est longue jusque 18h15 quand les portes de la fosse s’ouvrent enfin. On entre dans la salle, et on découvre le Mur, pas entièrement construit bien sur, mais ça fait déjà quelque chose. On se place proches du devant de la scène, un peu sur la droite. On jubile, on y est enfin, nous sommes tout près ! Reste encore pas loin de 2 heures d’attente, aux sons de Bob Dylan, des Beatles ou de John Lennon (« Mother » collait particulièrement à l’ambiance du show je trouve, et la fosse qui chantent sur le refrain d’ »Imagine » c’était très beau aussi).
Les gradins se remplissent, lentement mais sûrement, jusqu’à un Bercy comble. A 20h15, ça y est. Les lumières s’éteignent, des hommes en noir, bérets noirs, casquettes noires et brassards rouges investissent la scène. Certains brandissent de grands drapeaux à l’effigie des marteaux. Deux d’entre eux soutiennent la poupée de chiffons à l’effigie de Pink, et l’exécutent sur scène, le ton est donné.
Les lumières nous aveuglent pendant que les guitares nous assourdissent. Des feux d’artifices sont lancés au dessus de la scène, des effets pyrotechniques embrasent le mur, et un Roger Waters tout sourire apparait sur scène. C’est « In The Flesh », et on ramasse notre mâchoire. C’est un spectacle prenant aux tripes, l’histoire de « The Wall » nous habite depuis si longtemps que voir ça, en vrai, à quelques mètres de nous, c’est quelque chose. Waters aussi n’est pas mécontent de l’effet produit. Même si c’est un show mégalo – on ne saurait lui reprocher, c’est le but – son regard est profondément humain. C’est une chose que j’avais déjà remarqué lorsque nous l’avions vu au même endroit mais depuis les gradins pour la tournée « Dark Side » en 2007, il regarde son public. C’est toujours mieux que de cracher dessus.
Ca continue avec « The Thin Ice ». Ron Carin, le clavieriste, assure le chant en lieu et place de Gilmour sur l’original, et, ce n’est plus un scoop, depuis la séparation du groupe et les tournées solo de Waters ou Gilmour, l’un des deux manque toujours et ça s’entend. On fera avec…
Le mur sert d’écran de projection, tout comme l’écran circulaire au fond de la scène. sur « The Thin Ice », Waters ne recule devant rien pour faire passer son message, hélas toujours d’actualité : des images de soldats, d’enfants, puis de soldats portants des enfants morts… pas très réjouissant, et peut être un peu trop larmoyant, mais c’est un parti pris de la part de Waters, qui veut actualiser son message, et se sent plus américain qu’anglais maintenant.
Le groupe est derrière le mur, au fond de la scène, et, même si par la suite, ça sera pire mais c’est la règle du jeu, c’est un peu frustrant de ne pas bien voir les musiciens.
« Another Brick In The Wall » première partie, puis suivi par le tube Pink Floyd « The Happiest Days Of our Lives » et la deuxième partie d’ »Another Brick »: le mur est en gris et rouge, tagué de slogans révolutionnaires, une gigantesque marionnette du professeur dessiné par Gerald Scarfe se déploie sur la droite de la scène, ses yeux comme des projecteurs rouges et blancs. Grandiloquant ? Peut être, pour qui ne s’imprègne pas de l’histoire, mais à nos yeux, il s’agit plus de nostalgie et de mythologiue floydesque. Un hélicoptère passe au dessus de nous, du moins on l’entend clairement grâce à un son quadriphonique exceptionnel. Enfin, une vingtaine d’enfants arrivent sur le devant de la scène pour scander le refrain avec le public et Waters, face au prof. Plein les yeux, plein les oreilles.
Les hommes en noirs, imperturbables, construisent le mur au fur et à mesure…
Roger revient sur le devant de la scène et nous parle, en anglais et en français. Très détendu, très confiant, et il nous explique qu’ils vont jouer « Mother » avec un jeune Roger de 1980, dont ils ont retrouvé les images d’un des concerts originaux donnés en 1980. C’est donc du duo / playback / spatio-temporel.
« Mother » est donc encore un grand moment, avec une autre marionnette géante dans le fond, derrière le mur cette fois ci: c’est la mère de Pink telle qu’on la voit dans le film. C’est énorme.
Pour « Good Bye Blue Sky » le groupe et Waters s’effacent pour mettre en avant les projections sur le mur, réalisées dans le style du film, bien que ce ne soient pas les mêmes… des avions bombardent des symboles chrétiens, juifs, musulmans, capitalistes et même Shell et Mercedes… il fallait oser. Le mur se tâche de sang jusqu’à en être totalement recouvert.
Pour « Empty Spaces », retour aux images issues du film jusque « Back To The Wall » avant d’enchaîner sur « The Young Lust ». Cette fois le mur sert de support à des clips de jeunes femmes fort peu vêtues. Musicalement, disons que ce n’est pas mon titre préféré de Gilmour, mais ça ça rendait plutôt bien en fait.
« One Of My Turns », enchaîné avec « Don’t Leave Me Now », deux titres pas faciles à chanter, mais que Roger a interprété avec brio. Un peu trop parfaitement d’ailleurs pour qu’on ne suspecte pas un artifice du genre playback… Il s’avère que c’est le cas tout le long du concert, et Waters est devenu un maître en la matière, je n’y ai vu que du feu. Discutable, mais là encore, on est plus face à un spectacle qu’à un concert.
Le mur est quasiment fini maintenant, on aperçoit encore un peu le groupe dans des zones volontairement vides, mais tout s’accélère sur la troisième partie d’ »Another Brick In The Wall », dont la mise en scène était géniale, avec un présentateur de télé-achat – en français – qui fait son laius avant qu’on entende la déflagration d’un écran de TV qu’on explose, même chose lors d’un speech d’Obama… et le morceau démarre sur fond d’interférences hertziennes.
Lorsqu’arrive le moment de « Goodbye Cruel World », Roger, éclairé par un spot dans son dos,  chante les quelques lignes depuis le seul espace non comblé par une brique, et lorsque celle ci se met enfin en place, c’est l’entracte.

Sur l’écran défilent des photos et des noms d’hommes et femmes morts au combats, des anonymes qui ne le sont plus, des figures historiques comme Gandhi, Neda Soultani et même un certain Eric Fletcher Waters. Roger avait lancé l’idée via son site internet, et ses fans on répondu en masse. Très bel hommage je trouve.

Une demi heure après le show reprend. On ne voit plus du tout le groupe alors qu’ils jouent le superbe « Hey You », mais il semblerait que le fait de ne pas voir les musiciens trouble nos voisins qui en profitent pour parler. C’est très frustrant, et curieux à la fois.
Sur « Is There Anobody Out There », deux briques sont retirées pour qu’on voie Dave Kilminster et G.E. Smith jouer de la guitare.
Roger Waters est de nouveau devant le mur, tout à gauche de la scène, installé dans son fauteuil, avec sa lampe et sa TV, l’image forte nous rappelle le film, immanquablement. Là encore, vocalement, il interprète « Nobody Home » comme lui seul pourrait le faire, avec une justesse et une émotion qui font de The Wall ce qu’il est: autre chose qu’un simple album de rock. Alors même si c’est de l’overdub, c’est beau, et ça fait partie du spectacle.
Vient ensuite « Vera » avec des images émouvantes d’enfants en classe retrouvant leur père, probablement de retour d’Irak, puis on enchaîne directement sur « Bring the Boys Back Home ».
Roger est seul devant la scène, et, alors qu’on entend quelqu’un frapper à la porte de sa chambre, l’intro caractéristique de « Comfortably Numb » emplit Bercy, et Roger fait maintenant face au mur, qui s’agrandit avec un effet de perspective. C’est terriblement bon d’entendre ce « Hello, is there anobody out there ? » chanté par Roger. Beaucoup la reprennent, avec plus ou moins de succès, mais « Comfortably Numb », c’est la voix de Roger, aussi.
Mais…sur le refrain, on se rend compte que c’est aussi la voix de Gilmour, et on s’en rend compte par défaut justement. Le choriste s’en sort très bien, mais…ce n’est pas pareil… et même chose pour le solo Dave Kilminster est vraiment excellent, et interprète vraiment bien ce passage, mais il manque le toucher « Gilmour » qui est tout aussi inégalable que le timbre « Waters ». Ne boudons pas notre plaisir: nous sommes devant The Wall, Waters à quelques mètres de nous s’appuie dessus, tente de le pousser, et Dave Kilminster est au sommet du mur, à une dizaine de mètre au dessus de la scène en train de faire son solo… Il y a quelques années j’aurais payé cher ne serait-ce que pour avoir l’espoir de voir ce spectacle un jour…
Sur le second solo, Waters pousse sur le mur et les projections le font éclater en morceaux, révélant un coucher de soleil coloré derrière, l’effet produit est magnifique. Mais le mur n’est pas tombé.
Pendant « The Show Must Go On », les hommes en noirs investissent à nouveau la scène, apportent du matériel devant le mur: claviers, batterie, guitares, basse. Deux portes étendards se placent de chaque côté de la scène, et Roger revêt un long manteau de cuir noir, des gants noirs, de grosses lunettes noires. L’arrière plan représente des colonnes, qui sont ornées de drapeaux lorsque commence « In The Flesh ». L’occasion de parler du son d’ailleurs : c’est Bercy, c’est une salle énorme, et on est juste devant la scène: le son est nickel. La spatialisation aussi d’ailleurs, on se surprend parfois à se retourner quelque fois qu’un avion nous tombe sur la tronche. C’est un show réglé au quart de poil, qui laisse certes peu de place à l’improvisation, mais bon, c’est The Wall, et c’est un réel plaisir de se retrouvé immergé de la sorte dans ce spectacle.
Waters dédie le prochain morceau aux paranos du public, c’est « Run Like Hell », ambiance pointage du doigt, projecteur et mitraillette. Roger exécute son public, qu’il soit gay, juif ou qu’il ait des boutons… et on en redemande. Les projections sur le mur son tout simplement géniales. Réminiscence Orwellienne de « Animals » avec des cochons humanoïdes et le slogan « Ilead », des chiens avec des écouteurs blancs dans les oreilles et « Iprotect » et les moutons, pareillement dessinés avec « IFollow ». Terriblement bon, tout comme l’utilisation de la vidéo scandale de l’armée américaine avec le drone qui filme deux journalistes en Irak, et la voix du supérieur qui ordonne de les allumer, ils portent des armes…
Des vers de terre géants enlacent les colonnes et Roger a pris son porte voix sur « Waiting For The Worms ». Derrière lui, les marteaux marchent au pas, nous sommes en plein dans le délire de Pink, ça fait froid dans le dos.
et puis… « Stop », la poupée de chiffons est éclairée, au sommet du mur, avant de chuter. Tout s’arrête pour laisser place au procès de Pink où Roger se met sur le côté, laissant la place aux projections issues du film, mêlées avec d’autres réalisées pour l’occasion. Le son se charge de basses de plus en plus, le sol tremble sous nos pieds, le public scande « Break The Wall », poing levé. On sait ce qui va arriver, on commence à se dire que, oui, quand même, il est haut ce mur… et après un crescendo stressant, le mur tombe enfin, un mouvement des premiers rangs nous pousse vers l’arrière alors que le mur s’écroule dans un fracas assourdissant.
Après quelques instants, le groupe au complet vient au devant de la scène, à la file indienne au milieu des vestiges du mur. Equipés de mandolines, de ukulelés ou d’une trompette pour Roger, ils interprètent « Outside The Wall ». Waters remercie sincèrement le public, puis en guise de sortie, présente ses musiciens un par un, avant de quitter les lieux à son tour, sourire toujours aux lèvres.

Un spectacle à la hauteur de ses ambitions. Même si ça n’est plus la même chose qu’en 1980, et ça ne pourra jamais être le cas, c’est quand même une chance inouïe de pouvoir, nous, la nouvelle génération, découvrir en live ce spectacle intemporel, interprété avec passion par Waters et ses musiciens. Le revers de la médaille bien sur, c’est la part laissée à la musique proprement dite: pas d’improvisation, pas de mise en avant des musiciens, malgré une interprétation irréprochable, et pas mal de playback de la part de Waters. On est plus proche du spectacle que du véritable concert mais cela valait le déplacement, et plutôt deux fois qu’une !

« Can you show me where it hurts ?« 

Merci à ma femme pour ces concerts, ainsi qu’à mes beaux parents…

Share on Facebook

accès directs aux concerts : IlianA |  L’Effet Défée |  Faun

IlianA

Le premier groupe à se produire ce soir est IlianA, un groupe donc je vous ai déjà parlé ici plusieurs fois. Cette fois ci, la grande scène du Lotto Mons Expo est à eux !
Petit changement dans le groupe (mais de taille, le jeu de mot est facile): Fab, le joueur de didgeridoo a quitté le groupe, et a été remplacé par un certain Luka, qu’on a déjà pu voir dans un groupe du nom d’Omnia… oui rien que de ça. Il a rejoint son ancien compère dans ce même groupe, Mich et apporte son slideridoo au sein du groupe belge.
Hormis Mich Rozek à la batterie donc, on retrouve Dominic Marchal à la guitare tout à gauche de la scène, à côté de lui – quand il ne bouge pas trop – Stephan Kesenne et son violon, et enfin, l’envoûtante Lucille au chant, aux flûtes et au bodhran.
Premier constat : ça bouge. Le groupe a incroyablement progressé depuis que je les avais vu en septembre dernier. L’osmose entre eux est visible, même si la tension l’est aussi au début du set. Mais comme le public est au rendez-vous, se prend au jeu, le groupe se détend aussi.
IlianA a joué des titres énergiques, issus de leur EP paru l’année dernière, avec notamment « Vasle » en ouverture, Luka ajoutant son timbre profond aux chœurs.
« Brenn » est l’occasion de bien réveiller la fosse qui clape le rythme des mains, au fond de la salle des couples dansent. C’est bel et bien parti.
Nous aurons droit à plusieurs morceaux inédits à venir sur leur premier album à paraître cet été -vivement ! – avec des ambiance toujours aussi propices à l’évasion. Sur un des morceaux, particulièrement rythmé, Stephan s’assied au cajun, et il crée avec Mich et Lucille une ambiance très tribale; c’est un des nouveaux titres que j’ai hâte de pouvoir ré-ecouter c’était puissant.
Le slidegeridoo de Luka se marie très bien ave cl’ensemble, et même si ce n’est que leur deuxième concert ensemble, l’alchimie est déjà là.
Ils jouent évidemment la chanson emblématique du groupe « IlianA » avec Stephan, l’archet entre les dents sur l’intro pour jouer en pizzicato, la batterie de Mich qui donne envie de taper du pied… un très bon moment en live.
Hélas, leur set est court, festival oblige, ils n’ont qu’une heure. Pour terminer ils nous jouent « Linaun Dance », le rythme s’accélère, l’ambiance se fait festive, et ils laissent un public conquis et qui en redemande lorsqu’ils terminent sur une « Gavotte ».

Le groupe continue sur sa lancée, et confirme le fait que c’est une valeur plus que sûre, et que le meilleur reste à venir
Le son est parfait, et c’est peut être malheureusement le seul groupe pour lequel ce sera le cas ce soir.

L’Effet Défée

Le deuxième groupe, qui a la lourde tâche d’enchaîner après IlianA est l’Effet Défée, un groupe qui vient de Rennes, pour nous laisser entrevoir leur monde pour le moins singulier.
L’Effet Défée est un quator atypique, emmené par Maude Trutet au chant et à l’harmonium, Vincianne Tronson à la harpe, sur laquelle on a branché des pédales d’effets, Kevin Toublanc à la basse et Boris Louvet à la batterie. OUi, une basse et une batterie: changement d’ambiance garanti.
Je m’étais renseigné avant le festival sur ce groupe, ils proposent quelque chose de différents, forcément ça m’intéresse. Ils ont fait une première partie d’un concert de Magma, là ça me fait tilter… Ils se font un petit nom dans la scène du rock progressif expérimental… haha ! L’univers médiéval fantastique torpillé par le prog ?
Mais je n’avais pas trouvé de lien satisfaisant sur youtube pour découvrir comme il se doit, donc j’ai assisté au concert sans trop savoir à quoi m’attendre.
Et j’ai été scotché.
La voix de Maude s’élève aussi facilement qu’elle se casse, tantôt murmurante, tantôt hurlante, tantôt percussive… Je ne ferais pas de comparaison de voix, qui est l’une des plus belles voix entendues récemment. Elle chante avec tout son corps, tendu, en extension, prenant des attitudes de danseuse classique. Le genre de voix qui ne peut se contenter de chantonner une mélodie, elle habite son corps, et par extension leur musique. Il va falloir aller les écouter fissa. C’est juste magnifique.
Elle s’accompagne à l’harmonium, un instrument présent dans les orchestres indiens, donc forcément elle a toute ma sympathie (on peut en entendre dans les groupes de qawwali comme celui du regretté Nusrat Fateh ali Khan).
A côté d’elle, Vincianne joue de la harpe, mais els sons qui en sortent, sont modifié par une pédale d’effet qui donne une couleur particulière au morceau: elle peut aussi bien sonner comme un piano, couplé à la basse, ça fait jazzy,  avec de l’echo ça fait une ambiance éthérée… Un groupe qui ose.
La section rythmique aussi d’ailleurs, et n’hésitent pas à se tourner vers le hardcore, avec des thèmes bruitistes, dérangeants. Détonnants surtout. La beauté d’une mélodie émergeant des nappes sombres des vrombissements dela basse est terrible.
Pour le texte enfin, issu de l’imagination de Maude, c’est du français… mais dit à l’envers. C’est très troublant. Une raison de plus pour acheter leur album, parce que malheureusement en live le son n’était pas parfait, du moins depuis les crash-barrières devant la scène.
Le public semble avoir du mal à accrocher, c’est vrai que la différence avec IllianA et Faun, le groupe suivant, est de taille. Mais au final, les réactions seront  tranchées : soit on a adoré, passant outre le côté « moi je voulais continuer à danser ! », soit on a pas accroché. Pour ma part, je pense que c’est assez flagrant. Le CD tourne en boucle, d’ailleurs au moment ou j’écris c’est « X Imam 1″.

Ecoutez les, découvrez les, laissez leur une chance de vous évader dans leur monde si particulier, achetez leur album « Al Trop », ils le méritent amplement. Et s’il passent près de chez vous, allez découvrir la grâce chaotique de l’Effet Défée.
Merci beaucoup aux organisateurs d’avoir invité ce groupe d’ailleurs.

Faun

Ca y est, enfin, je vais voir « Faun » en live ! Après deux ans d’attente, ce groupe allemand est accessible. Je les avais découvert via Omnia, les deux groupes ayants des accointances proches, les uns enregistrant avec les autres à l’occasion. Et c’est sensiblement le même genre, bien que Faun aille un peu plus loin dans leur recherche musicale dans le sens ou le concept du groupe est de jouer de la musique médiévale, folk, avec des touches d’électro.

Le groupe est emmené par le charismatique Oliver Sa tyr, sa grande silhouette et ses cheveux blonds m’empêchent de ne pas évoquer la ressemblance avec un elfe tout droit sorti de la Lothlorien. Il joue du bouzouki, de la nyckelharpa et chante.
A sa droite, la sublime Fiona Ruggerberg, qui n’aurait rien à envier à Galadriel au passage, est multi-instrumentiste. Elle joue des flûtes, de la flûte harmonique, de la cornemuse, et une sorte de croisement entre un basson et une flûte harmonique dont le nom m’échappe. Ah, et elle chante aussi.
Derrière elle, dreadlocks-man Niel Mitra, planqué derrière deux macs: ils s’occupe des programmations et autres boucles d’effets.
De l’autre côté de la scène, le désarmant Rüdiger Maul, percussionniste de génie, qui joue d’instruments aux noms étranges comme darbouka, davul, bendir,  tamborello ou riq. Il est incroyable, j’y reviendrai.
Et enfin, à la harpe, à la vielle à roue et au chant, il y a Rairda, arrivée dans le groupe l’été dernier.

Tête d’affiche de la soirée, le groupe est attendu de pied ferme par le public. Le groupe investit la scène, et d’ores et déjà donnent une impression de professionnalisme, de sérieux désinvolte, de passion pour la musique qui force le respect.
On ne sait pas où regarder, la scène est le théâtre d’un duel entre deux virtuoses: Fiona, dans sa robe blanche immaculée et son sourire serein, joue un « Andro » à la cornemuse alors que de l’autre côté Rüdiger, une darbouka géante entre les jambes, virevolte sur scène, penché vers le public. Ces deux là savent y faire. Du fond de la scène Niel a lancé les boucles qui donnent à ce morceau traditionnel une couleur très actuelle. Le mariage pourrait être raté, voire kitsch, l’exercice n’est pas si facile. Faun y parvient à merveille.
Pour « Rosmarin », Oliver donne de la voix. Une voix pure, juste, et il faut bien ça pour rendre un chant en allemand joli à mes oreilles ! Rairda et Fiona assurent discrètement les chœurs sur ce morceau, mais elle passent au chant principal sur « Da Que Deus ». Rairda y joue aussi de la harpe. Le seul reproche que j’aurais quand à la prestation de Faun – outre sa durée, j’y reviendrai – a été justement Rairda, j’ai trouvé que le chant harmonique avec Fiona n’était pas au top. J’ai l’habitude de la version CD avec l’ancienne chanteuse Lisa Pauwelke, donc peut être que cela a joué, tout comme la qualité du son qui n’était vraiment pas terrible de là ou j’étais. Fiona, avec une facilité désarmante, passe de la flûte à la cornemuse qu’elle maîtrise aussi bien l’une que l’autre.
Ils jouent ensuite « Zeitgeist », un morceau que je ne connaissais pas avant d’enchaîner sur mon favori du groupe « Iyansa ». Pour l’occasion Rüdiger a pris deux gros maillets, et joue d’un énorme tambour sphérique, style japonais, depuis le devant de la scène, et martèle un rythme, lent, lourd très chorégraphié. Fiona joue tour à tour de la flûte harmonique et son équivalent dans la famille des bassons, avec un son aérien et profond. Et de temps elle chante aussi, en scandant « Ilubatai ilubatai ilue iye ilubatai, Ilubatai ilubatai ilue iyansa » avec Rairda. Ce morceaux est vraiment particulier, hypnotique, s’accélère pour nous plonger en transe. Un grand moment de musique tribale.
Noyés dans la fumée – Faun aime beaucoup les machines à fumée – ils jouent ensuite un autre morceau que je connaissais pas avant de jouer l’instrumental « Rhiannon », les rythmes rapides enchantent le public qui est très chaud. Le groupe maîtrise parfaitement l’exercice, comme ils semblent jouer souvent ce titre. Je remarque d’ailleurs que nous n’avons eu aucun morceau de leur dernier album, sorti l’année dernière, plus acoustique. Ils ne semblent le jouer que lors des tournées allemandes, et sans Niel Mitra du coup.
Oliver annonce qu’ils jouent leur dernier morceau, mais qu’ils pourront peut être en jouer un autre après si tout se passe bien. Quoi ? Déjà ? C’est une honte ! Mais oui, ils n’avaient que 75 minutes pour leur concert. Voyons le bon côté de la chose, sans ce festival on n’aurait pas pu les voir du tout… mais c’est frustrant !
Ils jouent donc « Tinta ». Oli est à la Nyckelharpa, la scène est baignée de bleu sombre entre deux volutes de fumée, et la voix aérienne de Rairda s’élève au dessus de tout ça. C’est une ambiance mélancolique, mais qui termine en beauté ce concert.
Comme promis on a droit à un dernier titre avec « Wing & Geige », Oli toujours à la nyckelharpa. Le public bat la mesure… en veut plus mais… les impératifs sont clairs. Ils saluent, visiblement heureux et soudés, avant de laisser place au dernier groupe, les Medieval Baebes.
Je ne parlerai pas beaucoup de ce dernier concert pour deux raisons : je n’ai pas accroché du tout et je n’ai assisté qu’aux deux premiers titres… Les Medieval Baebes sont un girls band anglais composé de 8 choristes, d’un batteur et d’un guitariste. Je n’ai pas vraiment été touché par leur musique, encore sur le petit nuage de Faun…

Faun était à la hauteur de mes espérances. Un groupe très pro, qui a su composer des titres qui se renouvellent toujours. Le mélange du moderne et de l’ancien  fonctionne parfaitement. Il me faudra à tout prix les revoir en espérant qu’ils passent dans nos contrées lointaines plus souvent. Ils nous ont déjà donné rendez-vous l’an prochain aux Anthinoises… c’est noté !

Merci beaucoup à l’organisation de Trolls & Légendes pour le pass presse, et un merci tout particulier à Nikko et Tiphaine et la DTC pour cette journée du samedi.

Share on Facebook

Après un week end éprouvant, un moment d’évasion au Splendid avec Syd Matters & Yann Tiersen. Je ne connaissais que très peu les premiers, et pour le second, j’ai découvert son dernier album récemment malgré mes préjugés, et ça a une été une claque monumentale. Une claque confirmée en live.

Première surprise : le Splendid est plein à craquer, la mezzanine est même accessible pour une fois. La soirée comporte trois concerts avec tout d’abord Greenshape, un auteur compositeur interprète seul sur scène avec sa guitare. Pas désagréable du tout à écouter, c’est très calme, une jolie voix, mais ça ne m’attire pas plus que ça.
Le monde arrive en masse pour Syd Matters. J’aime bien leur musique, mais là encore, ça ne fait pas vibrer la corde sensible chez moi. C’est le plus souvent très calme, mais il y a des passages de pure beauté, notamment sur « Bones » qui est incroyable, une ambiance, un développement. C’était du grand art, la voix pure de Jonathan Morali a transporté le Splendid.
Le public a réservé un très bon accueil à ce groupe très en vogue, standing ovation de rigueur dans la mezzanine sur le rappel.

C’est ensuite au tour de Yann Tiersen et son groupe de monter sur scène. A priori, rien ne me donnait envie d’écouter Yann Tiersen. Je me suis fait une image suite au pataquès « Amélie Poulain » en 2001, le buzz était si disproportionné que ça m’a dégouté du film et de ce qu’il y avait autour, et donc du compositeur de la BO.
Ensuite, j’aime pas l’accordéon, c’est comme ça.
Donc pourquoi j’irais voir le compositeur de la BO d’Amélie Poulain, si en plus il joue de l’accordéon ?
Parce qu’il y a eu « Dust Lane », son dernier opus sorti en 2010.
Sur « Dust Lane », déjà, il y a très peu d’accordéon, donc ça va. Et surtout on est très loin de la musique minimaliste et parisienne d’Amélie Poulain. On en est même à l’exact opposé tant la musique est complexe, les instruments nombreux.
Yann Tiersen joue bien sur du violon, mais surtout de la guitare électrique. Et il s’amuse aussi avec les boucles, les superpositions, bref, c’est un genre un part, entre électro, rock, ambient et BO. Et c’est magnifique. « Dust Lane » a été la plus grosse claque auditive de ces derniers mois.
Mais j’étais assez curieux de voir comment ça rendrait en live, tant la musique est complexe.
Comme il ne peut pas jouer de tout sur scène, Yann Tiersen s’est entouré de talentueux  musiciens : un guitariste, un clavieriste qui gérait les boucles d’effets, un autre clavièriste et chanteur, un batteur – qui, au vu de sa batterie très simple, prouve que ce n’est pas la taille qui compte – et enfin, un bassiste.
La zone du centre de la scène est réservé au breton, son violon, sa mandoline et sa guitare électrique. Et, première surprise : il bouge sur scène le bonhomme ! On est résolument dans une ambiance rock.
C’est la tout le génie de cet artiste touche à tout, et le problème de réussir à se faire un nom sur une B.O. : l’image que le grand public a de lui est très loin de la réalité. Il suffit de voir le nombre d’artistes avec qui il a travaillé, les horizons différents dont ils viennent pour voir que Yann Tiersen est quelqu’un qui aime oser, un Musicien avec la majuscule. Loin de s’enfermer dans un carcan, il essaye, tente, déroute peut être, mais réussit.
Il est impossible de décrire ce concert, les ambiances si particulières forment un tout. L’intégralité de « Dust Lane » a été joué, proche de la version album mais se permettant des orchestration différentes. Le batteur et le bassistes sont incroyables, et on a pu entendre comme jamais ce que veut dire « donner la mesure » : ils emmènent le groupe a un train d’enfer, même sur « Fuck Me » qui s’est vu accéléré.
En plus de Dust Lane, nous avons eu droit a quelque morceaux du précédent opus » Les Retrouvailles » avec « Kala ». La fantastique Liz Fraser de la version studio est admirablement remplacée par le clavieriste, qu’on aurait aimé pouvoir mieux entendre sur certains morceaux, tant les guitares et les drones dominent l’espace musical.
Le public manifeste sa joie et les portables se mettent à filmer lorsque les musiciens laissent Yann Tiersen seul avec son violon pour jouer « Sur le Fil » de la BO.
Le son est excellent, j’ai bien fait de descendre dans la fosse. Pour les autres groupes j’étais resté au niveau de la mezzanine ou le son ne ressemblait pas à grand chose, ça devait être encore pire avec Yann Tiersen étant donné le nombre d’instruments.
On pourra reprocher une certaine timidité de la part de Tiersen, qui n’a pas lésiné sur les « merci » mais qui n’a pas dit grand chose d’autre.

Au final en sortant de la salle, les opinions divergent. Certains ne s’attendaient pas du tout à ça et sont conquis, d’autres ne s’attendaient pas à ça non plus et se demandaient ce qu’il s’était passé – voire même pour certains, que c’est honteux de la part d’un artiste de ne pas apporter au public ce que ce dernier attend…
Yann Tiersen n’a pas fait de compromis, les ambiances contemplatives, construites, qui côtoient des passages plus bruitistes ont atteint leur but : elles ont fait réagir de manière radicale : on aime ou on aime pas. Personnellement… j’adore.

Un très grand Merci avec la majuscule à Alex & Wélanie, sans qui j’aurais pas eu la curiosité d’aller vers ces artistes…

Share on Facebook

Quelques semaines après la sortie de leur dernier album « Both Ways Open Jaws » et 3 ans après le succès mondial de « A Mouthful », leur premier album, The dø est enfin de retour en France. Après les avoir vu à l’Olympia en 2008, les voilà à l’Aéronef pour une nouvelle tournée, avec un effectif revu à la hausse – 6 sur scène !

L’Aéronef n’est pas plein, curieusement ce soir, l’étage n’est pas ouvert. Le public ne se presse pas pour voir la première partie, mais la bière coule à flots. Il fait 25 ° dehors, le Lillois  a soif.
Random Recipe, qui assure la première partie, est un groupe quebecquois de rap/pop un peu bizarre, ce n’est pas vraiment ma tasse de thé, mais c’est énergqiue et quelques morceaux sont vraiment sympas. Le groupe est emmené par un duo de chanteuses; l’une rappe, l’autre a une voix très « soul », le mélange des genres est surprenant, mais pas désagréable.

La scène est débarrassée, et la vérification des instruments pour the dø prend pas mal de temps, mais le nombre d’instruments sur scène est plutôt inhabituel: des claviers, des guitares, une basse, une batterie, mais aussi une sorte de xylophone, un saxo, des percussions, un trombone…
A 21h30 le concert commence enfin. Scène rouge sombre, les musiciens arrivent. Olivia, en débardeur – tutu rouge – collants bariolés est coiffée d’un haut de forme rouge, croisement improbable entre Slash et Willy Woncka. Ils commencent à interpréter calmement « The Calendar » un morceau de leur dernier album qui me fait penser à une version baroque d’une chanson de saloon. Les lumières s’allument progressivement, Dan, le « d » de « dø » est au claviers pendant qu’Olivia – oui, le « ø » – chante dans un porte voix illuminé.
Ce qui est frappant sur scène avec the dø, c’est que ce n’est pas un groupe qui joue le album à la note près. Il font beaucoup d’expérimentations, de changements, de brins de folie en plus… bien que je trouve qu’ils se sont un peu assagis de ce côté par rapport à il y a 3 ans, mais pour leur défense, c’est le début de la tournée.
Le morceau suivant par exemple, un des meilleurs de « Both Ways Open Jaws » : « Gonna Be Sick » : Olivia chante quasi à capella l’intro du morceau, uniquement accompagné par la batterie et la basse de Dan qui font un rythme bluesy. C’est très malin, parce que le contraste avec la voix d’Olivia est saisissant lorsque le reste du groupe la rejoint et qu’elle chante la chanson plus normalement : sa voix claire éblouit nos oreilles. Elle fait partie de cette catégorie qu’on nomme  – à tort, à mon humble avis – les voix de femme-enfant. En fait c’est plus une catégorie de voix qui peut agacer parce qu’elle sort des sentiers battus, mais qui a d’indéniables qualités. Et sur cet album notemment, Olivia va plus loin, la pousse dans ses retranchements, la rends parfois très blues, très soul, même rauque…
Autre morceau du dernier album « Too Insistent », qui est un bon résumé de « Both Ways Open Jaws » : the dø n’a pas choisi la facilité: ils auraient très bien pu sortir un album comme les médias attendaient, pourquoi pas une nouvelle musique de pub, copier coller, ça marche on remplit les salles.
Non.
the dø a passé du temps pour peaufiner leur album, rempli de petits détails qui ne le rendent pas si accessible que ça aux premières écoutes. C’est un pari risqué, mais louable. Parce qu’au final, ce sont ces détails qui rendent l’album intéressant et qui fait qu’on ne s’en lasse pas au bout de 4 écoutes. Comme sur « A Mouthful » c’est hétéroclite, on y retrouve des morceaux plus pop comme « Too insistent » avec les chœurs qui rappellent « Playground Hustle », un purement électro (« B.W.O.J. »), un autre a base de percussion japonaises (« Slippery Slope »), une berceuse… c’est là leur force : la diversité.
« Slippery Slope » justement, se retrouve doté d’une intro au saxo (joué par Dan)… l’effet visuel est excellent; la scène est sombre et un rayon de lumière vive sort du saxo. Le rythme tribal démarre ensuite pour un autre excellent titre de « Both Ways Open Jaws ».
Vient le moment qui m’agace : le public qui siffle (mais de contentement), qui crie, qui en fait des caisses pour « On My Shoulders » qui est loin d’être le meilleur titre de the dø à mon avis. Olivia chante l’intro a capella avant d’être rejointe par le groupe. Sympa, mais sans plus.
« The Wicked And The Blind » est beaucoup plus intéressant, déjà parce que c’est un des milleurs titres de « Both Ways Open Jaws », mais en plus sa réorchestration live est très bonne. Saxo et trombone rejoignent la guitare et la basse, ça donne une ambiance… particulière. Là encore c’est une superbe prestation d’Olivia, dans les graves sur les couplets, dans les aigus sur le refrain. Le tout avec un phrasé dramatique. Un grand moment.
Vient ensuite LA déception pour moi. Au concert de Paris en 2008, ils nous avaient joué une chanson inédite, qui avait été pour moi le highlight du concert : « Bohemian Dances » : une mélodie simple, mais une ligne de batterie et de percussion terrible, c’était du grand art.
Puis « Bohemian Dances » est sorti sur leur dernier album… beaucoup plus calme, exit la batterie démente. Bien sur il y en a toujours, mais ce n’est plus la même ambiance. J’espérais retrouver un peu cette énergie en live, mais non, ils restent sur un morceau plutôt hypnotique. Attention : c’est très bien, la mélodie reste une superbe trouvaille, la participation du public à la fin aussi. Mais.. comme dirait Francis, « c’était mieux avang ».
« Leo Leo » est très – trop – calme, sur l’album comme en live, où, pour une fois je n’ai pas entendu beaucoup de différences avec la version studio.
On reste dans une ambiance calme, du moins au début pour « Smash them All ». Ce morceau, qu’on avait pu découvrir lui aussi lors de la tournée précédente avec Olivia, seule avec sa guitare sur la scène de l’Olympia alors qu’elle jouait ce morceau pour une des premières fois en live. Le bébé a bien grandi depuis et c’est devenu un morceau en crescendo avec un final assez furieux.
D’ailleurs il me faut parler du guitariste, qui est exceptionnel. Il a un jeu vraiment particulier, très coloré. En me renseignant sur le net j’ai découvert qu’il était bassiste mais qu’on lui a donné 2 cordes de plus pour cette tournée. Excellente idée.
On continue sur la lancée avec Olivia qui asticote le public avec des « Aha » interrogatifs… mais oui avec plaisir ! « Aha » est un très bon souvenir en live (et sur l’album  » A Mouthful »). A chaque fois que j’entend ce morceau, et encore plus en live, j’ai l’impression d’une chevauchée sauvage, on suit comme on peut la basse frénétique de Dan et le chant d’Olivia qui ne l’est pas moins. Le public suit bien la cadence, c’est assez intense. Aha ?
Ils jouent ensuite une reprise « Tightrope » que je ne connaissais pas. Ca ne pas fait une grande impression, mais le duel « guitare basse » beaucoup plus, Dan éclaire le visage du guitariste avec la lampe fixée sur la tête de sa basse. Un vrai duel, mais je pense que le guitariste a gagné. Sur le final il va jusqu’à faire son Gilmour ou son Hendrix, la guitare a terre, et lui a genoux devant, tripotant les pédales d’effets.
Pour le dernier morceau, et parce que même si c’est un groupe parisien, ils sont quand même vachement cool, the dø invitent sur scène la première partie « Random Recipe » pour venir avec eux dans cette aire de jeu qu’est la scène pour « Playground Hustle ». Un joyeux foutoir tous ensemble pour nous jouer une version à mi chemin entre l’original est le remix. Et une superbe façon de terminer d’ailleurs.
Oui c’est déjà fini, enfin, il reste les rappels mais j’ai trouvé ça court… en parlant de rappels, pour commencer c’est une minute de pure beauté, malgré un public qui a trop chaud et qui crie beaucoup trop alors qu’Olivia et les deux choristes se partagent un micro pour chanter en harmonique et a capella s’il vous plait, « Moon Mermaids » du dernier album… Un moment de grâce avant d’enchaîner sur « Dust It Off » de « Both Ways », là encore un morceau qu’ils jouent depuis un moment sur scène puisqu’on l’avait déjà entendu à l’Olympia.
Et, après une nouvelle salve d’applaudissements, ils reviennent une dernière fois pour un sympathique « The Bridge is Broken » là ou j’aurais plus vu « Stay (just a lillte bit more) » qui aurait été de circonstance, mais je fais ma fine bouche.

The dø basse avec brio le cap du deuxième album. Plusieurs années en tournée aux 4 coins de la planète suite à « A Mouthful » les ont rôdés, et, même si je n’ai pas retrouvé le brin de folie qu’ils avaient la dernière fois, c’était un sympathique concert, et j’ai hâte de les revoir, juste histoire de voir comment va vieillir leur dernier album… Et d’éventuels nouveaux morceaux d’ailleurs.

Share on Facebook