Moriarty est un groupe nomade, ils sont toujours sur la route quelque part sur la planète, et après les avoir vu en début de tournée au Théâtre Sébastopol, c’est avec plaisir que je les retrouve dans la superbe salle de la Maison de la Culture à Tournai, avec en prime, une excellente première partie : les bruxellois de Too Much And The White Nots. Une soirée sous le signe de la folk.

La salle de la Maison de la Culture est un grand auditorium qui fait très « salle de cinéma »: des fauteuils confortables et la scène en contrebas. La salle est quasi pleine pour accueillir tout d’abord Too Much and the White Nots, un septet bruxellois assez hétéroclite, à l’image de leur ville d’origine: de gauche à droite, 2 choristes, un chanteur / harmoniciste / guitariste, un contrebassiste, un percussionniste / guitariste et enfin une violoncelliste / xylophoniste. Beaucoup de monde sur scène, beaucoup d’instruments… et d’excellents titres, qui mettent l’ambiance, le public les accueille chaleureusement… et les laissera partir difficilement ! Il reviendront saluer de nouveau après leur rappel – en acoustique, alignés au bord de la scène – alors que les roadies ont déjà commencé à débarrasser la scène.

Pour les situer musicalement, c’est du Moriarty en plus… déjanté. Et les sons du violoncelle, du xylophone, des percussions ethniques apportent  une belle couleur à cet ensemble. Les voix sont assurées tour à tour par le leader, et l’une ou l’autre des choristes. On ne s’ennuie pas et il est indispensable de leur prêter une oreille attentive si vous aimez cette folk énigmatique. Leur CD tourne en boucle depuis que je l’ai reçu.
Leur Myspace : www.myspace.com/toomuchthewhitenots

Moriarty commence comme Too Much a fini, avec une version acoustique de « Lili ». Tout de suite on replonge dans l’ambiance de cette folk mystérieuse…une folk du fin fond du Middle West, jouée au crépuscule. Ils font de la scène leur cocon, ils y sont à l’aise et leur set se déroule sans accrocs… mais le public semble moins friand de leur musique, plus calme. La chaleur et les fauteuils moelleux n’aident peut être pas.
Les titres de leur premier album – y compris le fameux « Jimmy », qui a droit a plus d’applaudissements que les autres – côtoient les titres plus récents. Rosemary, impériale et d’une classe intemporelle pose sa voix magique, soyeuse sur des textes énigmatiques, parfois sombres…comme ils le disent si bien, leur chansons ne parlent que de meurtres et d’adultères, les deux seules choses qu’ils savent faire. Autour d’elle – littéralement… jamais un groupe n’a paru aussi peu figé sur une scène – on retrouve avec plaisir l’enjoué Stephan, alias Zim Morarty aux guitares, basses, contrebasse. Le virevoltant Charles est à la guitare électrique (ou non) et à la slide. Thomas, alias Tom Moriarty, armé de sa ceinture d’harmonicas est toujours quelque part pour saupoudrer tout ça des notes bluesy de l’harmonica. Ou de l’accordéon, de temps en temps. L’halluciné Arthur, dans une chemise bariolée est aux guitares et claviers de temps en temps. Mais pas trop. Moriarty c’est surtout acoustique. A la batterie, mais aussi à la contrebasse, c’est Vincent.
On a droit à une reprise de Johnny Cash, qui bouge bien, puis une version plus… roots, « la même chanson, 150 ans avant » dixit Rosemary.
Le public réclame tout de même un rappel, et le groupe étant si bien chez lui, sur scène, ils en oublient de passer par le micro pour demander ce qu’on veut entendre, si bien qu’il n’y a que les premiers rangs qui entendent, et quelqu’un leur demande « Rambling Man » une reprise d’Hank Williams… si j’avais sur qu’on avait droit aux reprises j’aurais demandé « Chocolate Jesus », la version de Moriarty avec Narrow Terrence est géniale…
Un dernier rappel avec Rosemary en duo avec Stephan, pour un calme « Enjoy The Silence », dédié à deux xénophobes ayant pris Stephan à parti plus tôt dans l’après midi. Pendant ce temps là, Charles, à l’autre bout de la scène, essaye tout les presets loufoques du synthé… du grand n’importe quoi mais c’est très drôle.

Deux groupes excellent, deux visions d’un même style, deux groupes à revoir encore et encore. Les Too Much and The White Nots ont su nous entraîner dans leur monde, tandis que celui de Moriarty, bien vivant, n’est pas si ancré dans le passé qu’on pourrait le croire lorsqu’on écoute attentivement leur textes. Un très bon moment dans une salle splendide.

Immense merci à AureliX et Malo pour la balade (et l’album de TMTWN), et à la prod de Moriarty, grâce à qui j’ai pu faire ces photos…

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Attention, quand je dis « leur » spectacle, ce n’est pas leur rendre honneur. c’est un tribute band, donc ils reprennent les albums de Genesis, mais pas seulement: avec The Musical Box, ça va beaucoup plus loin, et le mimétisme inclue les lumières, les projections, la mise en scène, et même les coupes de cheveux et vêtements d’époque !
Ca peut sembler curieux (au mieux) ou kitsch (au pire), mais est-ce que ce jeu de caméléon suffit à faire un bon concert ?
Et bien oui, parce qu’une interprétation de la musique de Genesis avec autant de précision et de passion, c’est un délice, pour autant qu’on soit fan de leur musique époque « Peter Gabriel ».
Petite mise au point : je ne rentrerais pas dans le débat du « C’était mieux avant, c’est que ces vilains copieurs »: The Musical Box m’a permis de vivre un concert du Lamb, c’est inespéré vu qu’à l’époque javais  -8 ans, donc même avec toute la bonne volonté du monde…
The Musical box a donc remonté la mythique tournée « The Lamb » issu du double concept album « The Lamb Lies Down On Broadway », sorti en 1974. Le graal pour bien des fans, l’album étant souvent plébiscité comme le meilleur de l’époque Gabriel. Pour ajouter à la légendes, autant on a des images des tournées de 72, 73 ou 74, autant il y a très peu de document visuels de la tournée de 75. Quelques vidéos floues, sans son, pas grand chose de plus. C’est d’autant plus regrettable que Peter Gabriel, dans sa démarche de mise en scène artistique, avait poussé très loin le concept, et a même failli le prolonger en long métrage… mais c’est une autre histoire.
Ce soir nous avons donc The Musical Box, qui reprend intégralement ce spectacle, avec les projections d’époque, les costumes et déguisements refaits. En un mot : génial.

The Musical Box c’est 5 musiciens qui viennent du Québec. tout d’abord il y a Denis Gagné qui joue « Peter Gabriel », Marc Laflamme fait « Phil collins » – même vocalement d’ailleurs, c’est flippant – Sébastien Lamothe joue « Mike Rutherford », tout de blanc vêtu avec sa double guitare/basse, à côté de lui, François Gagnon joue un Steve Hackett plus vrai que nature, avec le Son « Hackett ». De l’autre côté de la scène, Michel Cloutier fait le placide « Tony Banks ».

Le concert commence pile à l’heure, et Denis / Peter nous raconte de quoi va parler le concert, mi en anglais / mi en français: l’histoire de Rael, le jeune porto-ricain qui vit dans les égouts de New York, qui subit un voyage halluciné dans le New York des années 70.
Ce qui frappe immédiatement;.. c’est le phrasé, les mimiques de Denis : je crois entendre un bootleg de la tournée de 75. C’est parti: le son est puissant, pas très « propre », mais la justesse des instruments est incroyable : le son est le même, avec les imperfections d’époque. Il n’y a peut être pas le touché de Phil Collins ou de Steve Hackett, mais on s’en approche de très près.
Ce n’est pas pour rien que Genesis et surtout Peter Gabriel, dont l’attrait qu’il a pour cette période de sa vie est au mieux de la nostalgie amusée, ont accepté de leur confier les diapositives originales ainsi que les instructions de mise en scène.
Les premiers morceaux s’enchaînent vite, je n’ai pas beaucoup le loisir d’en profiter vu que je tente de prendre des photos correctes au Théâtre Sébastopol… l’exercice est toujours aussi pénible. Je regagne ma place sur « Cuckoo Cocoon ». Des gradins, le son est un peu mieux.
J’ai la chair de poule sur « In the Cage »: le tempo me semble plus lent que sur l’original, mais la montée en puissance est bel et bien là. Denis, torse nu, habite la scène: il a su s’approprier le charisme de son ancêtre. Il revient, rhabillé, d’une démarche d’automate pour « The Grand Parade Of Lifeless Packaging ».
Petit interlude ou Denis nous explique la suite des réjouissances. Ca ne s’arrange pas pour Rael qui finir dans la chambre aux 32 portes… Ca commence avec « Back In NYC » le « Helter Skelter » de Genesies. Denis Gagné s’en sort très bien vocalement. Son timbre de voix fait pas mal penser à celui de Peter Gabriel, mais il manque quelque chose par rapport à ce dernier : les imperfections de sa voix au bord de l’écorchure à cette époque. On est plus proches d’un Peter Nicholls d’IQ.
« Hairless Heart », un grand moment de guitare électrique, mais après avoir vu Hackett l’interprèter il y a 2 ans… ce n’est quand même pas pareil. Et ça continue sans transition sur le déjanté « Counting Out Time ». Le son des claviers de Banks sont biens là, rien à redire.
Vient par contre peut être la déception du concert « The Carpet Crawlers » qui m’a semblé moins habité que la version joué au stade de France par le Genesis de Phil Collins en 2007. Paradoxal quand même ? La première partie se termine sur « The Chamber Of 32 Doors ». On est déjà à la moitié du concert, ça passe très vite. Je m’attendais à une entracte, mais non Denis nous explique à nouveau la suite de l’histoire, d’une traite tout ce qui va arriver jusqu’à la fin, avec des rencontres aussi traumatisantes que Lilywhite Lilith, Lamia, le Docteur Dyper ou même le fameux frère de Rael, John. Gros son enconre sur « Lilytwhite Lilith », avant le « Waiting Room » hallucinogène, sans mélodie, sans paroles, mais avec plein de son et surtout… deux projecteurs qui nous éblouissent sur la fin. Au moins on fait le voyage avec Rael, pas de doute. Autant « The Waiting Room » est moyennement intéressant sur l’album, en live c’est déjà moins rébarbatif.
« Anyway », morceau plus classique, sorte de calme avant la tempête qui suit avec « Here Comes The Supernatural Anaesthetist » puis « The Lamia qui commence dans la pénombre, on voit une sorte de grand vase bleu au centre de la scène, Denis et dedans…et lorsque les lumières s’allument, le vase se met à tourner : très belle ambiance, qui contraste bien avec « The Colony Of Slippermen » où Denis, vêtu d’un déguisement d’homme couvert de pustules, dégénéré, boursouflé, qui aurait sa place comme indicible horreur dans une nouvelle de Lovecraft. Visuellement c’est quelque chose.
Les choses de précipitent pour Denis qui a le choix entre revenir à New York où sauver son frère qui se noie… mais quand il décide de sauver ce dernier, le visage de celui ci change pour être le visage de Rael…et comme disait Peter Gabriel,  » it’s up to you »…
Tout ceci est illustré par « The Light Dies Down On Broadway » qui reprend le thème du début, avant de descendre dans les rapides au sons des claviers de Tony / Michel, puis « It » avec la mise en scène génial, stroboscopique, ou les deux Rael sont sur scène en même temps, chacun à une extrémité…. cerise sur le gâteau lorsque les lumières reviennent : Denis n’était ni à gauche, ni à droite, mais au centre.
« The Lamb » c’est donc terminé, mais « The Musical Box » pousse le réalisme jusqu’au bout en jouant el même rappel qu’à l’époque, et c’est nul autre que … « The Musical Box » justement: là encore tout y est: le début tout en douceur, le premier riff rageur, la montée en puissance, la transformation de Denis qui revient sur scène, vouté et avec un masque de vieillard, et enfin le final qui est à lui seul un chef d’œuvre de Genesis. A entendre les applaudissements du Sébastopol, je ne suis pas seul à préférer les morceaux issus des tournées « pre-lamb »…
Après s’être fait désirés, ils reviennent pour un second rappel. A L’époque, c’était soit « The Knife » soit « Watcher Of The Skies »: nous auront droit à la seconde ce soir, Denis drapé dans son déguisement dans la pénombre, uniquement éclairé de rouge  quelques instants pendant le refrain. Là encore, rien ne manque.

Si on attends de ce concert de la chaleur humaine, un contact avec le public, de l’improvisation, ou pire encore « I Can’t Dance »…on sera déçu forcément. La démarche artistique de « The Musical Box » n’est pas dans le concert traditionnel mais plus dans un spectacle, une œuvre d’art qu’on va voir dans un musée: si on va voir un tableau de Monet au Musée d’Orsay, on n’est pas vraiment enchanté si on a remis la toile dans un cadre Design, éclairé par des projecteurs roses…
Dans cet esprit, on ne peut que remercier « The Musical Box » de faire sur-vivre ainsi la musique de Genesis, et j’espère que le public continuera de leur réserver un accueil aussi chaleureux et passionné que ce soir au Théâtre Sébastopol.

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Syd Matters, découvert en première partie de Yann Tiersen an avril dernier, revient dans le Nord à l’Eden Festival, un petit festival dans la banlieue de Roubaix. Mais qui dit petit festival, dit petit comité, et une ambiance mémorable, dans une salle magnifique: les conditions idéales étaient réunies pour la pop onirique de Syd Matters.

Tout d’abord, un petit mot sur le théâtre de L’Eden: cette salle récente, située à Lys-lez-Lannoy, est magnifique: beaux fauteuils, parquet, jeu de lumières excellent, très bonne acoustique… Une très bonne adresse, je vais surveiller leur programmation de près.
J’avais été moyennement emballé du dernier concert de Syd Matters au Splendid, mais ils passent dans un petit festival, pas loin du travail, pas cher, et j’ai une accréditation photo, alors donnons leur une deuxième chance. Et j’ai bien fait. Même si je ne connais toujours pas leur discographie, j’ai pris plaisir à vivre ce concert. La musique de Syd Matters peut être répétitive: le chant de Jonathan Morali, tout en douceur, nous berce, nous émeut, fait du bien: leur musique devrait être remboursée par la sécu. Leur compositions sont des petits bijoux de pop onirique, reposant sur des claviers omniprésents et des guitares discrètes.
J’ai bien fait de revenir car le titre « Bones », qui m’avait bluffé au Splendid, a été rejoué ce soir, et en le connaissant mieux, j’ai encore plus apprécié, le final se prolongeant dans une frénésie qu’on ne retrouve pas dans d’autres morceaux du groupe. Ca rappelle un peu un final à la Sigur Ros.

Maintenant je sais ce qu’il me reste à faire: écouter les albums, au moment propice : leur musique n’est pas adaptée aux voyages en métro. Mais comme ils repassent en mars prochain au Grand Mix de Tourcoing, cette fois, ce sera un vrai compte rendu… RDV en mars prochain !

Syd Matters est un grand groupe. Leur musique, très calme, mérite d’être écoutée dans de bonnes conditions. C’était le cas dans cette magnifique salle de l’Eden à Lys-lez-Lannoy. Je venais en simple curieux qui aimait bien une chanson, et j’ai été séduit par leur musique. Leur tournée actuelle se termine en mars prochain, ne trainez pas et filez les voir sur scène, dans une petite salle près de chez vous, et laissez vous porter par leur musique.

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Double ticket ce soir au Splendid où les fans de blues rock sont venus en nombre pour faire un triomphe à Popa Chubby qui emmène sur la route Walter Trout, un autre bluesman américain au style complètement différent mais tout aussi virtuose.

Pas de photos pour ce concert… les productions de Popa Chubby et Walter Trout ont malheureusement fait la sourde oreille…

Sur la scène du Splendid, deux batteries l’une devant l’autre, donc c’est qu’il s’agit de deux sets distincts. Vu qu’il y a un orgue Hammond au bord de la scène, j’en déduis que ce sera Walter Trout en premier. Je ne connais absolument pas sa musique, je sais juste que c’est un guitariste qui a officié auprès de Canned Heat, les Bluesbreaker et John  Lee Hooker, excusez du peu.
Quand lui et son groupe entrent sur scène, j’aime déjà. Walter prend sa guitare, la branche, et sans autre forme de mise en scène, c’est parti, en réglant l’ampli. Du blues rock pur, brut. Il a un style très… bruyant déjà, son jeu de main gauche est à la limite du shredding, mais en mélodique.  Il joue 5 notes à la seconde, et affectionne particulièrement les aigus de sa Stratocaster. A noter qu’il a aussi un jeu de jambes hasardeux assez particulier !
En fait, la meilleure façon de décrire Walter Trout et sa guitare, c’est d’imaginer un gamin de 8 ans qui a eu LE jouet qu’il voulait à Noël et qui s’amuse avec, sauf qu’en plus il aurait gouté au café noir de son père. Walter Trout c’est un peu ça, sauf qu’il a 60 ans et qu’il a une guitare dans les mains. Il grimace, il sautille, il passe la langue… mais il s’éclate !
Il est accompagné d’un groupe souriant et on entend immédiatement l’osmose entre eux. A la basse il y a Rick Knapp, devant lui au bord de la scène il y a le massif Sammy Avila, un virtuose du mellotron. A la batterie il y a le non moins massif Michael Leasure. Walter Trout chante également, mais au milieu de tout ces instruments et vu le niveau sonore, on ne l’entend pas beaucoup au début mais ça s’améliore par la suite. Sur un titre, le technicien guitare de Walter vient pour les chœurs, et sur le suivant, carrément au chant principal pour ce que Walter a appelé « un bon vieux blues rock tout ce qu’il y a de plus normal », alors que ça tenait plus d’un mélange métal/blues. Mais c’était sympa.
Le meilleur moment de la partie de Walter Trout restera pour moi ce qu’il à présenté comme un bon vieux blues, moins frénétique que les morceaux blues-rock, qui a mis à l’honneur un sens du toucher vraiment bluffant. Il parcourra lui même ses styles en un seul long riff, partant d’une explosion de notes bruitistes pour arriver à de petites touches délicates, limite wha-wha, le tout sans toucher à sa pédale d’effet. Tout se fait au toucher. Génial.

Une fois la scène débarrassée, la musique de fond (Norah Jones) se fait masquer par un morceau de hip-hop west-coast… après tout le titre du dernier album de Popa Chubby c’est « Back To New York City »…et au bout d’une minutes ou deux, Popa Chubby et ses musiciens entrent en scène. Le bonhomme est toujours aussi impressionnant. Comme lorsque je l’avais vu il y a 3 ans au même endroit pour sa tournée Hendrix, il est accompagnée par AJ Pappas à la basse et à la batterie. C’est assez drôle d’ailleurs de voir Popa d’un côté de la scène, devant et le bassiste et le batteur de l’autre côté, au fond, comme s’ils avaient peur… Ce qui n’est pas incohérent quand on connaît le caractère de Popa… Lors de son dernier passage à Lille il avait été infect avec son bassiste, les techniciens, bref, ça n’allait pas et fallait que ce soit la faute de quelqu’un. Ce soir Popa était de très bonne humeur et il prenait son pied sur scène. Et ça se voit, parfois même un peu trop lorsqu’il s’embarque dans des soli interminables, prolongeant ses chansons de 10 minutes, comme c’est le cas sur « Hey Joe », devenu un classique de ses concerts.
Il jouera le premier titre debout, mais passera ensuite le reste du concert assis sur son tabouret. Il jouera plusieurs titres de son dernier album, dont l’excellent « Pond Of Flesh », une petite pépite de composition, qui se démarque un peu du lot de « good ol’rock ». Nous aurons aussi droit à un magnifique instrumental où Popa reprend rien de moins que du Johan Sebastian Bach pour une version rock de « Jesus Joy Of Man’s Desiring ». C’est ce que j’aime assez chez Popa Chubby, le contraste entre son allure et son comportement de bad boy, qui cache une culture musicale et une sensibilité insoupçonnée… mais je pense que c’est le propre d’un musicien de blues.
D’ailleurs en parlant de blues, Popa a joué l’une de ses plus belles compositions, si ce n’est la meilleure dans la catégorie blues « Grown Man Crying Blues » issu de l’album « Deliveries After Dark ». Une version magnifique, avec des improvisations inspirées de Popa. Il enchaîne avec la même maîtrise « A Love that Will Not Die », du dernier album.
La force de Popa Chubby, ce sont ses influences diverses. Il a sorti plus de 25 albums en 20 ans de carrière, il passe sa vie sur la route, et il compose encore et toujours, sans se répéter. Et c’est un exercice difficile, étant donné le style dans lequel il évolue.
Il jouera également « It’s About You », que j’aime un peu moins, mais c’est une déclaration d’amour pour son public, avec qui il papote à l’occasion entre les morceaux. Par contre… peu de place pour ses musiciens… une présentation vite fait, un mini solo chacun – marrant de voir Popa donner des instructions à pendant le solo de basse d’AJ.
Il nous joue la chanson titre de « Back to NYC », qui n’est à mon avis pas la meilleure de l’album, loin s’en faut, et ils partent en coulisses se faire désirer pour un rappel. Et fan d’Hendrix devant l’éternel, après « Hey Joe », c’est sur « Little Wing » qu’il nous régalera pendant plus de 10 minutes, passant en revue des styles aussi variés que le picking ou la guitare funk.
Mais ce n’est pas tout… en effet il reste le clou du spectacle avec une jam session d’anthologie  puisque Walter Trout est invité à le rejoindre sur scène pour 20 minutes de duel ! La tournée porte bien son nom… « Monsters Of Rock » : leur style sont si différents mais complémentaires, et leur respect mutuel contribue à l’essence même de la jam session… qu’ils n’arrivent d’ailleurs pas à terminer, à chaque fin, ils relancent et ça repart.

Une excellente soirée sous le signe du blues, du rock avec deux excellents musiciens, dans une très bonne ambiance. Popa Chubby, avec son style agressif, et Walter Trout, plus étincelant, nous ont régalé les oreilles. Toujours un plaisir de voir le premier en live, et quelle découverte que ce Walter… j’en redemande. Et put… que c’est bon le blues !

Un immense merci à Patrick Niklas du site www.blues-pictures.de pour m’avoir gracieusement prête ses superbe photos de Walter Trout et Popa Chubby lors de leur passage en Allemagne. Allez faire un tour sur son site, il y en a d’autres de ce concert, et plein d’autres belles photos de concerts ! Vielen Dank Patrick !

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Je n’ai pas pu faire de photos de ce concert, aucun photographe n’était accepté…et pour cause… Camille nous a présenté un spectacle à la mise en scène unique et magistrale pour présenter son dernier album au public Lillois venu en nombre au Théâtre Sébastopol. Impossible de ne pas en repartir conquis.

L’exercice ne va pas être simple, mais je vais tenter de faire un compte rendu de ce… concert ? spectacle ? happening  ? en tout cas on est loin d’un classique chant/guitare/basse/batterie.
J’ai découvert Camille via Alain Bashung. C’est peu commun, mais le regretté Bashung avait remporté la victoire de la musique de la meilleure tournée au détriment de Camille, qui avait participé à la standing ovation tout sourire, très fair- play. L’extrait de la tournée présenté montrait une jeune femme plutôt énergique, entourée de musiciens sans instruments mais en mode « human beat-box ». Très curieux mais… excellent. J’avais écouté l’album qui avait donné naissance à cette tournée, et j’ai vite laissé tombé, je n’ai pas retrouvé l’énergie, le côté déjanté du live.
La jeune maman avait déjà son cortège de fans depuis la sortie de son deuxième album « Le Fil » qui avait fait un buzz en 2005, et son dernier opus « Ilo Veyou » franchit avec brio le cap du 4ème album – synthèse des précédents, avec un petit quelque chose de différent – malgré un format plutôt court de 33 minutes.
Camille c’est tout d’abord une voix: elle a une parfaite maîtrise de sa voix, et elle en fait ce qu’elle veut, comme elle nous le prouvera ce soir… des graves aux aigus, de la voix d’enfant au chant lyrique en passant par la parodie de Piaf, émouvante, drôle… à chaque fois, c’est beau, tout simplement.
Mais ce n’est pas tout: Camille c’est aussi une charmante jeune femme décomplexée, délurée, une simplicité paradoxale avec l’image qu’elle véhicule et le public plutôt bobo/hipsters auquel on pourrait l’associer. Elle plaisante constamment avec le public, ponctue sa musique de bruits bizarres, de borborygmes, elle saute dans tout les sens: on ne s’ennuie pas.

En guise de première partie, nous avons droit à une version « solo » de Gribz, le groupe du bassiste de Camille, qui se retrouve ici tout seul avec une guitare, une grosse caisse, une caisse claire, et il joue des trois en même temps, en plus de chanter. Des titres sympathiques, une bonne ambiance, un set très court au final, mais qui aura eu le mérite d’avoir bien mis en condition pour la suite des festivités.
Le grand rideau rouge du Sébastopol se retrouve affublé du logo « Ilo Veyou », et après s’être fait attendre assez longtemps, il s’ouvre. Et là surprise. Le groupe est déjà sur scène, dans la pénombre. Camille enveloppe la seule lumière, une torche qui descend du plafond, d’un tissu. Magnifique ambiance, intimiste, pour Camille qui débute son concert par « Aujourd’hui » version Ilo Veyou où Camille ne cache pas sa fierté d’être maman. Lorsqu’elle laisse tomber le voile… pas un bruit… le public, envouté, ne sait pas s’il doit applaudir ou respecter cette mise en scène… le groupe enchaine donc avec « Le Berger ». Mélodie douce, simple, chant soigné, qui rappelle par certains côtés des chants japonais. A la fin du morceau, cette fois les applaudissements ne se font pas attendre.
Sur cette tournée, Camille n’est entourée que de trois musiciens, mais on voit et on entend l’alchimie parfaite entre eux, et un niveau d’exigence musicale au top. Au piano et occasionnellement à la guitare, c’est Clément Ducol. A la contrebasse, c’est Martin Gamet, qu’on a déjà vu dans Brigz une demi heure plus tôt, et enfin, au violon, c’est Christelle Lassort, que l’on avait déjà eu la chance d’entendre au sein du génial groupe Narrow Terence (faut revenir dans le coin vous !)
Ils enchaînent avec le « single » du dernier album « L’étourderie », sympathique sans plus, mais la mise en scène, qui s’éclaire un petit peu plus, est encore une fois une merveille. Camille se lâche sur « Ilo Veyou », assurant sur ce titre la voix et les chœurs basse, alternativement. Elle gesticule, schizophrène, on sourit. Cette fille est complètement allumée !
L’un des plus beaux titres de « Ilo Veyou » s’est révélé être majestueux en live « She Was »: le chant aérien de Camille, et les jeux de lumières avec la torche qui se balance devant elle, produisant des effets excellents sur le fond de la scène en ombre chinoises. Camille dégage une émotion à donner la chair de poule sur ce titre, sa voix aérienne au départ, puis elle force dessus sur la fin… Du grand art.
Toujours sans répit, ils enchaînent sur « Mars is no Fun », dans une ambiance plus jazzy. L’air reste dans la tête.
C’est la récréation avec deux titres furieusement joyeux et allumés : « Bubble Lady » pour commencer, sans instrument, juste une mélodie à base d’allitérations, et Clément qui fait des bruits de bulle. Dans le même esprit « Shower » – qui ne figure sur aucun album à ma connaissance – fait beaucoup rire dans la salle.
Attention ! changement de mise en scène : des lumières colorées façon « foire aux manèges » descend du plafond… et c’est tout ce qu’il faut à Camille et son groupe pour nous chanter leur version de « La France »: Camille chante en roulant les « r », un ton pincé style radio année 50… c’est génial, là encore on se marre. Mais faut faire gaffe, l’air reste dans la tête aussi.
Autre grand moment avec « Allez Allez Allez », un morceau de cour de récré encore, enfin, disons plutôt un mélange entre un chant de cour de récré et une complainte de galériens. Ah ça c’est pas commun c’est sur. Sur l’album le morceau est très travaillé, en miroir, la fin de la chanson étant le début passé a l’envers. Sur scène c’est beaucoup plus épuré: Camille commence seule, sur cette surface circulaire sur la droite de la scène qui résonne quand elle tape du pied dessus…. Puis Clément la rejoint et ils continuent en canon… même chose lorsque Christelle et Martin se joignent au duo.
Retour au choses « sérieuses » avec « My Man Is Married but Not To Me », qui n’est pas mon morceau préféré de l’album; en live c’est divertissant mais ce n’est pas ce que j’ai préféré.
Vient ensuite l’intimiste « Pleasure », a capella, mélange d’anglais et de français, de rythme et de mélodie, tout en petite touches… très beau moment… qui se poursuit avec « Wet Boy » : quelques arpèges de guitare, Camille allongée sur le sol, et une mélodie tout en douceur, et une voix funambule. Magique.
Ils jouent ensuite « Le Banquet » et, comme son titre l’indique, le dernier morceau de « Ilo Veyou »: « Tout dit » : Camille se retire tout au fodn de la scène, dos à la toile pour chanter ce dernier morceau, tout en silences, et le rideau se ferme pour l’entracte.

Sauf que… 3 minutes après que le rideau soit tombé… tout naturellement, Camille est ses comparses viennent au devant de la scène avec des paniers remplis de mini twix, mini-mars etc. comme l’a dit Camille « Tant pis pour ceux qui sont partis aux cabinets ! » avant de lancer joyeusement des friandises au public.
Comme on peut s’en douter, il y a une très bonne ambiance dans le théâtre Sébastopol. Sur la scène Camille papote, naturelle, charrie ses musiciens, fait faire des pas de danse et des pompes, demande quelles chansons ont veut pour après… devant le brouhaha généré elle s’en tire avec une boutade « Bon faudra voir avec la chanteuse alors. »
Après un quart d’heure tranquille comme ça, fin de l’entracte et c’est partie pour le second set, moins « mis en scène » et plus spontané. On aura droit aux classiques de Camille comme « Ta Douleur » pour commencer, puis « Paris » pour une version magnifique. Tout est très enjoué, le public est mis a contribution pour « Cats and Dogs » ou Camille demande 10 personnes… il y en aura pas loin du double au final, a être derrière le rideau blanc pour faire les silhouettes qui dansent pendant le morceau.
En guise de rapelle Camille nous imposera un exercice de chant: c’est simple : on a une petite mélodie, et on doit faire la même mélodie avec chaque lettre de l’alphabet (sauf les voyelles mais avec le « y »): ba ba ba ba etc… ca ca ca ca ca etc… Le truc c’est que ca va de plus en plus vite. Bon c’était drôle mais musicalement euh… c’était pas le mieux on va dire.
Enfin en dernier rappel, Camille va inviter sa « collègue de travail » Jeanne Cherhal, présente dans la salle a venir la rejoindre sur scène pour jouer « Assise » à genoux sur scène… assise… à genoux…pas simple…

Le dernier album de Camille est pas mal. Faut l’écouter. Par contre c’est formellement interdit de ne pas aller la voir en concert si vous appréciez de près ou de loin ce qu’elle fait. C’est sur scène que Camille prouve l’étendue de son talent, et elle en déborde.

Un très grand Merci à Pirlouiiiit de Concertandco.com pour m’avoir gracieusement prêté les photos de cet article. Elles ont été prises lors d’un soundcheck à Marseille. Vous pouvez voir d’autres photos sur son flickr.

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Anoushka Shankar est de retour en France pour présenter son nouvel album « Traveller », fruit du métissage entre la musique hindoustanie et le flamenco gitan. Une seule date en France*, à La Cigale à Paris. La petite salle affiche complet…

Un soir, en pleine semaine, à Paris ? Oui mais c’est Anoushka… la plus belle femme du monde (après la mienne) ! Je pose une demi-journée de congés, je réserve une chambre d’hôtel, des billets de train (ça tombe pendant des grèves, comme,d’hab…) et cerise sur le gâteau: j’ai décroché une accréditation photo !
La Cigale affiche complet, mais le public parisien n’est pas ce qui se fait de plus ponctuel, si bien que lorsque le concert commence, ça se presse, se bouscule, s’invective sans aucun respect pour la musique malgré les efforts des ouvreuses… Et c’est d’autant plus honteux parce qu’Anoushka commence par mon morceau préféré de « Traveller »: il s’agit de « Bhairavi », qui n’a rien d’espagnol pour le coup. D’ailleurs Anoushka commence seule sur scène, accompagnée par Kenji Ota au tanpura et le percussionniste Pirashanna Thevarajah qui joue du Mridanga, une sorte de tabla double face. Bhairavi est un raag court d’une dizaine de minutes, dans une forme de musique indienne à laquelle Anoushka nous a habitué depuis « Rise »: la construction, les formes, les règles de la musique classique hindoustanie, format court. Et les émotions que procurent ce raag témoignent d’une merveille de composition et d’interprétation qui envoûte la salle.
Le reste du groupe entre en scène pour le second morceau: Ramon Porrina, assis sur son cajun, Sanjeev Shankar au Shehnai, une flûte de l’Ouest de l’Inde, Alvaro Antona à la guitare Flamenco et la chanteuse Sandra Carrasco. Un groupe très hétérogène donc, mais l’alchimie est vraiment réussie. Ils jouent « Inside Me », qui n’est pas vraiment le meilleur morceau de « Traveller » avant d’enchainer sur le plus traditionnel « ISHQ ».
Même si Anoushka est la « star », son humilité et ses regards envers ses musiciens leur rendent honneur. Les rythmes flamenco combinés aux rythmes indiens donnent envie de battre la mesure, et Ramon & Pirashanna y mettent du cœur.
Entre chaque morceau, Anoushka ré-accorde son sitar: les dix cordes sympathiques qui résonnent en fonction de la note jouée doivent aussi être ré-accordées si elle change les cordes principales, donc ça prend un peu de temps.
Elle descend dans les graves pour « Si No Puedo Verla », et Sandra reprend admirablement une partie qu’elle ne chante pas sur l’album, c’est ça rend encore mieux que l’original.
On enchaîne avec une composition d’Anoushka : « Dancing In Madness » qui laisse le loisir aux percussionnistes de se lâcher. Sur l’album, on entend les bruits de pas d’un danseur, qui est ici remplacé par le sargam de Pirashanna: c’est une technique qui consiste à chanter le nom des temps en rythme: ici il joue en duo avec lui même en jouant ensuite ces notes, se répondant à l’oral et en mesure. Le public apprécie cette démonstration de force et applaudit avec enthousiasme, devant des musiciens sourires aux lèvres.
Anoushka annonce qu’il vont jouer un dernier morceau avant l’entracte, il s’agit du raag « Kirwani », qu’elle avait enregistré a l’âge de 17 ans sur son premier album.
Après une pause de 20 minutes, les musiciens reviennent sur scène pour une interprétation de « Boy meets Girl » version longue, et encore meilleurs que sur l’album : co-écrit avec Pepe Habichuela, le Jimi Hendrix du flamenco, c’est un morceau sous la forme d’un dialogue entre la guitare flamenco d’Alvaro et le sitar d’Anoushka. Là ou le morceau va plus loin en live c’est que Sanjeev  y apporte son Shehnai, prolongeant l’histoire de la chanson d’une façon qui  fait étrangement penser au fait qu’Anoushka est une jeune maman… Sans compter que les percussionnistes eux aussi apportent leur touche dans un final qui respire le bonheur. Je veux un live de cette tournée tant cette version surpasse la version album…
Le groupe reste dans une ambiance calme avec le très doux « Lola’s Lullaby », petite composition entre le sitar et le shehnai, très aérien, puis ils enchaînent sur « Casi uno », qui marque le retour sur scène de Sandra. Peut-être le meilleur mélange indo-espagnol de « Traveller ». Superbe mélodie, un canevas de sons soigneusement brodé, et le chant typiquement flamenco, très intense. Même si je ne suis pas un fan de ce genre de chant, je ne suis pas resté insensible à la voix de Sandra Carrasco, qui enchaîne sur « Kanya », un morceau plus nerveux, plus rapide, au chant plus orientalisant. L’intensité monte progressivement avant que le sitar ne calme le jeu, la voix le rejoint et on a droit à un magnifique final très coloré.
On reste dans « Traveller » avec cette fois « Buleria Con Ricardo », qui sur l’album un duel entre un sitar et un piano qui se la joue flamenco, arbitré par le Mribani et les clappements de mains de Sandra et Ramon. Ici, la piano est remplacé par la guitare, ce qui rend plutôt bien. C’est un morceau vraiment dans l’esprit flamenco, très sanguin. La virtuosité d’Anoushka rivalise aisément avec celle d’Alvaro.
Ils jouent la chanson titre de l’album « Traveller », ou Ramon étincelle sur son Cajun. Pirashanna délaisse son Mribani pour jouer d’une sorte de guimbarde qui apporte une touche originale à ce morceau. Chaque musicien aura droit à sa présentation et son petit solo. Très bonne ambiance, le public les applaudi à leur juste valeur. Mais à l’issue de ce morceau, Anoushka annonce le dernier morceau, le raag « Jog » au cours duquel chaque musicien aura encore une fois l’occasion de faire montre de leur talents, cette fois en « petit comité indien ». Ce raag a une construction particulière, il commence très rapidement et se termine calmement, alors que d’ordinaire, l’alap débute de morceau. Comme il est de coutume, les percussionniste ont leur moment de gloire: Anoushka et Sanjeev délaissent leurs instruments, se tournent vers les percussionniste, et battent la mesure à la mode indienne – c’est compliqué, je ne rentrerais pas dans les détails – et ceux ci-improvisent, tout en restent dans le cadre du taal (le « tempo »): Ramon s’en tire excessivement bien, surprenant le reste du groupe, Anoushka éclatant même de rire devant ses audaces, et Pirashanna n’est pas en reste avec son mribani qu’il maîtrise du bout des doigts, jouant avec les contretemps, allant jusqu’à bluffer le public et Anoushka…
Standing ovation pour Anoushka Shankar et son groupe, leur enthousiasme transparait derrière le sérieux de la musique hindoustanie, et c’est beau.

Et ils ne se font pas désirer longtemps avant de revenir pour un court raag « Yaman Manj », prolongeant encore quelques minutes ces instants de grâce. Je crois que c’est à ce moment là que j’ai réalisé avoir vécu mon meilleur concert de l’année jusqu’ici, et pourtant les challengers, dans des styles différents, ne manquent pas.
Et histoire d’en remettre une couche, alors que les techniciens avaient déjà entrepris d’investir la scène, Anoushka revient une dernière fois pour un dernier morceau que je n’ai pas pu identifier… La plus belle femme du monde (après la mienne) en plus d’être virtuose, est généreuse !
Et ce n’est pas tout ! Un quart d’heure après, toute de noir vêtue, cheveux attachés, c’est avec un immense sourire et n’hésitant pas à échanger quelques mots avec ses admirateurs qu’elle viendra dédicacer son album… cette femme est parfaite !

Un concert exceptionnel, et les spectateurs présents ce soir ne s’y sont pas trompés. Anoushka Shankar fait honneur à sa légendaire famille avec « Traveller », continuant l’exploration de la musique indienne à la façon de son père, la démocratisant d’une façon différente, mais toujours avec talent. Même si son album précédent et ses égarements pop m’avait fait peur, même si le concept de flamenco indien m’avait laissé sceptique, on ne peut qu’être rassuré à l’écoute de cet album, et conquis après avoir vu ce formidable groupe se produire sur la scène de la Cigale. Merci Anoushka & co !

Un très grand merci à Florent pour cette accréditation photo, sans laquelle je n’aurais pas pu illustrer cet article !

*j’ai appris le lendemain qu’il y avait en fait une autre date en France, à Grande-Synthe, près de Dunkerque… et j’ai loupé ça !

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Motörhead, un monstre de heavy métal parmi les fondateurs du genre est à Lille pour faire trembler le Zénith avec une formule simple : une guitare, une basse, une batterie, le son à fond, des rythmes Rock’n Roll, une disto métal, et ça fonctionne à merveille.

Si vous n’avez pas vu l’excellent documentaire « Lemmy » consacré au charismatique leader de Motörhead, Lemmy Kilmister, je vous le conseille vivement. Moi qui était plutôt réfractaire à ce genre de musique et l’image qu’elle véhicule, j’ai été agréablement surpris en voyant ce film, qui montre un rockeur à fond dans sa musique, et dans l’esprit du Rock avant tout. Du coup, contre tout attente quand on connait mes goûts, me voilà devant les crash barrières au Zénith pour prendre des photos de Motörhead !
Et ça a été une vraie claque de les voir sur la scène du Zénith: au niveau auditif déjà, bouchons filtrants de rigueur, mais aussi techniquement : on est loin de la parodie de groupe de métal qui se cache derrière des artifices de mise en scène. Ici on a 3 musiciens excellents, chacun dans leur style : le batteur Mikkey Dee, tient plus de la moissonneuse batteuse que de la batterie jazz aux pinceaux, mais il emmène le groupe comme une locomotive à plein régime. Phil Campbell, le guitariste est irréprochable, et Lemmy est un bassiste pas comme les autres: il joue de la basse – une superbe basse sculptée – comme si c’était une guitare avec des cordes plus graves, accompagnant la mélodie dans un vrombissement, un son qui est un peu la marque de fabrique de Motörhead.
Le groupe a joué une sélection de ses titres de leur dernier album « The World Is Yours », sorti il y a un an, et quelques immanquables comme l’hymne interplanétaire « Ace Of Spades ».
La première partie était assurée par No One Is Innocent, qui m’a malheureusement pas vraiment emballé pour le coup, mais qui ont eu le mérite de chauffer le public, venu en masse et motivé, malgré le prix des places qui ne va pas en s’arrangeant…

Un groupe assurément à voir sur scène. Lemmy, 65 ans, Phil , 50 ans et Mikkey, 48 ans, n’ont rien à envier aux petits jeunes, bien au contraires…ils ont encore beaucoup à leur apprendre: peu de groupe savent aussi bien lancer uen machine à plein régime du calibre de celle de Motörhead !

Merci beaucoup à Vérone Productions pour l’accréditation photo !

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Mark Knopfler revient enfin à Lille, où on avait pas eu la chance de le voir depuis la fantastique tournée « Shangri-La » en 2005. Et cette fois ci, on a non pas une, mais deux légendes pour le prix de… deux.

Knopfler oblige, j’ai craqué pour des places VIP: quitte à payer des places chères, autant être bien placés, on est plus à 20€ près: on est donc dans les gradins, deuxieme rang face à la scène, une vue imprenable sur un Zénith plein à craquer : les gens ne peuvent pas tous rentrer dans la fosse, c’est compact jusqu’aux portes. A 20h précises, les lumières s’éteignent et Mark Knopfler et son groupe entrent en scène, très bien accueillis. Ca fait bizarre de voir « la voix et la guitare de Dire Straits » faire une première partie… mais je ne vais certainement pas m’en plaindre, surtout quand on entend les première notes de « What It Is ». Il ne faut que quelques secondes pour réaliser que ce son, cette guitare, pas de doutes, c’est unique et c’est pour ça qu’on est là.
Le groupe de Knopfler est presque le même que lors de la tournée Get Lucky, qui n’a malheureusement pas fait de détour par Lille cette année, et après le concert de ce soir, je regrette de ne pas avoir fait le déplacement jusque Paris.
Glenn Worf est toujours à la basse et contrebasse, l’inséparable Guy Fletcher est aux claviers, et à l’occasion à la guitare acoustique. Richard Benett est toujours là en seconde guitare, ça fait plaisir à voir et à entendre. A la batterie, c’est Ian Thomas, et je suis particulièrement content de revoir Jim Cox au piano et à l’accordéon, il n’avait pas tourné avec Knopfler depuis 2001 pour cause de problèmes de santé. Et ce n’est pas tout : un duo d’écossais colorent ce groupe d’une teinte très « celtique » avec Michael McGoldrick et John McCusker, respectivement à la cornemuse et au violon… et ils jouent tout deux de la flûte. Ca fait du beau monde sur scène, et la musique de Knopfler se trouve changée, juste un peu mais c »est très réussi.
A noter d’ailleurs, ça doit surement diviser les fans hardcore, mais il n’a quasiment pas joué de Dire Straits – j’y reviendrai – mais uniquement son répertoire solo, et je trouve que c’est une bonne chose. J’aurais pas craché sur un « Telegraph Road » celà dit…
Le groupe ne prend pas de pauses, Mark ne parle quasiment pas entre les morceaux, on a pas l’habitude de le voir comme ça, mais je pense qu’il a préféré privilégier la musique, quitte à jouer le maximum de morceau dans le temps qui lui est imparti. Après un final majestueuse pour « What It Is », ils enchaînent avec « Cleaning My Gun » issu du dernier album, avec de jouer une nouvelle chanson « Corned Beeef City », ambiance assez country, très prometteuse.
« Sailing To Philadelphia » restera pour moi le plus beau moment de ce concert : Mark est en forme, vocalement et guitaristiquement, même si le mot n’existe pas. Là encore, un très beau développement sur le final de la chanson, qui prolonge un peu ce chef d’oeuvre de la carrière solo de Knopfler. Les mauvaises langues diront que c’est assez artificiel comme façon de rallonger le morceau, ça fait déjà deux fois qu’il fait le coup sur quatre chansons…
Vient ensuite « Hills’ Farmer Blues », que je n’avais pas encore eu la chance d’entendre en live. Très belle interprétation, bien que la mandoline répétitive de Benette soit un peu trop présente à mon goût.
Autre nouveau titre avec l’excellent « Privateering » qu’il me tarde de re-entendre quand ca sortira: Mark à la guitare acoustique, là encore une couleur country pour ce morceau entre les campagnes irlandaises et américaines.
Changement d’ambiance – et de guitare… aaah la Gibson ’58 c’est une star à part entière – pour « Song For Sonny Liston » très bluesy, toujours efficace.
Mark prend la parole pour dire qu’ils vont jouer une chanson qu’ils ont du jouer la dernière fois qu’ils étaient venus à Lille, et en effet, il rejouent « Done With Bonaparte », avec son refrain festif, entêtant, joué à la perfection avec cette configuration de groupe très « acoustique ».
Autre grand moment ensuite, avec linédit en live « Marbletown » qui bénéficie lui aussi d’un final magique avec la mise en avant de John McCusker en duel avec Mark. Enorme.
Mark reprend sa Gibson ’58 pour « Speedway at Nazareth »… je n’ai jamais retrouvé la puissance du live entendu en 2005 et 2006, même en ecoutant les bootlegs…et c’est toujours aussi énorme, la montée en puissance, maintenant agrémentée d’un final prolongé, c’est un pur plaisir à entendre en vrai: la force du live, irremplaçable.
Mais…hélas… c’est fini… première partie oblige. Un « faux rappel » – une attente de 15 secondes, sans doute pour des raisons de timing – et ils reviennent pour jouer le seul titre de Dire Straits de la soirée et c’est…. « So Far Away »!
Enfer et damnation ! « So Far Away » !
LA chanson que je déteste de Dire Straits !
Pas de chance, mais ça semble plaire aux fans de Bob Dylan, visiblement peu au courant de la carrière solo de l’ex Dire Straits.
Et c’est fini… entracte pendant que la scène est préparé pour l’américain légendaire. Je ne sais pas à quoi m’attendre, mais c’est assez déstabilisant de voir un concert à l’envers : en général, on découvre la première partie, mais on vient pour la seconde.
Cruelle déception lorsque la partie de Bob Dylan commence : un orchestre de 5 musiciens en veste blanche, musique rockabilly, et Bob Dylan… caché sous un grand Stetson, uns voix…incompréhensible. Ce qui n’est pas un scoop en soit, les caricatures du bonhomme sont connues. Oui, sauf que la, il faut ajouter à ça un son déplorable, et Bob qui ne chante pas du tout, et qui compense sa voix éteinte par un micro sur-saturé.
On patiente jusqu’à la fin, espérant un sursaut de quelque chose de joli. Mais non. Et on part même avant les rappels, et nous n’étions pas les seuls.

On retiendra de cette soirée l’excellente performance de Mark Knopfler, qui nous a une fois de plus enchantés avec son répertoire solo, épaulé par un groupe incroyable, avec une teinte très acoustique. Pour Dylan… eh bien… disons que je ne le découvrirais pas en live, ses albums doivent être mieux !

Merci beaucoup à Elian pour les photos !

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Luc Arbogast est un chanteur d’exception, aux voix magnifiques – et au pluriel, oui. C’est un contre-ténor, un timbre qui va chercher dans les notes les plus hautes, mais il chante aussi dans un registre plus classique, et descend même parfois dans des notes plus basses de ténor (je ne suis pas spécialiste…) Et quoi de mieux qu’une somptueuse église pour donner un concert dans une ambiance intense…

J’ai découvert Luc Arbogast via des vidéos postées sur youtube, relayées sur facebook. Luc avait pour habitude de chanter dans la rue, à l’ancienne, devant la cathédrale de Strasbourg. En quelques minutes, la magie opère et un attroupement se formait devant lui. J’ai téléchargé ses albums – 3 à ce jour – j’ai été conquis, j’en ai acheté 2 et j’attends impatiemment la réédition du troisième et la sortie du quatrième.
Comment une voix peut-elle captiver autant ?
C’est simple: l’énergie, la conviction, le savoir-faire qu’il transmet avec passion, le charisme du personnage nous fait rêver et nous emmène dans des temps anciens, et nous ramène à des valeurs simples, mais essentielles. Ecoutez Luc Arbogast dans le métro, le matin, en partant au boulot, avec un casque isolant, vous comprendrez ce que je veux dire.

C’est dans une ambiance médiévale que nous arrivons à Condé sur Escaut ou a lieu un festival en ce week end de juillet. Des marchands, des artisans, des saltimbanques ont investi la superbe place Verte, et la chorale Josquin des Près résonne déjà depuis l’Eglise Saint Wascon, ouverte sur la place.
Cette chorale locale assure la première partie du concert de Luc Arbogast. Ils interprètent des textes anciens, d’autres plus récents, en espagnol, italien ou français. Leur voyage musical, très bien orchestré, se termine en Brocéliande, et plus particulièrement sur la Danse des Korrigans, une transition pour enchaîner sur la partie de Luc, qui serait un Korrigan.
On se permet d’en douter quand on voit le bonhomme, d’une stature imposante. Tout de noir vêtu, couverte de tatouages, crâne rasé, bardé de cuir, armé d’un bouzouki, le moins qu’on puisse dire est qu’il en impose, avec un charisme incontestable.
Il s’adresse au public, bien sur sans micro, et avec bonne humeur, s’avance dans la nef pour répéter pour ceux du fond, qui n’ont pas entendu. On le verra par la suite, on ne s’ennuie pas à un concert de Luc Arbogast, même si la musique est sérieuse, le personnage ne l’est pas, et c’est un véritable showman, faute de meilleur terme.
Le premier morceau est « Cancion Sefaradi », un titre en espagnol, et, après une intro au bouzouki, la voix de Luc s’élève, céleste, et emplit l’église. Autour de moi les gens se retournent, agrandissent les yeux en regardants leur voisins. J’ai la chair de poule. Il va chercher les aigus avec une aisance qui force le respect, puis descend sur sa voix « normale » – faute de meilleur terme, et alterne entre ses voix, tout en jouant du bouzouki de façon assez frénétique. Il faut bien ça pour faire entendre l’instrument acoustique avec sa voix.
Ensuite, ses complices du collectif Centaures, une troupe de spectacle de rue, rejoint Luc dans le chœur, ajoutant une touche de mystère. Le lendemain, c’est grimé avec eux que Luc arpentera les rues de Condé sur Escaut…
Luc se lève de son siège et avance dans la nef afin de se faire entendre du plus grand nombre. Le contraste entre sa voix « chantée » et « parlée » est intéressant. Et c’est depuis l’allée qu’il jouera les titres suivants, sans doute plus « tranquilles » vu qu’il ne monte pas dans les aigus. Avec son expérience de la rue, on ressent une aisance avec son public. Il plaisante, taquine, et fait participer. C’est assez inhabituel de voir  les gens dans une église, une partie d’entre eux en train de faire les cigales, d’autre des rossignols, et deux membres choisis au hasard qui agitent des cloches.
Nous aurons droit à une reprise de Daniel Guichard – « La Tendresse » – ainsi qu’une superbe composition personnelle, écrite pour son fils « Aux Quatre Vents ».
Nous avons droit à une intermède avec « La Rosa Enfloreces », morceau qui fait faire le plus d’acrobaties à la voix de Luc, le faisant descendre très bas pour remonter très haut, on est à nouveau subjugués par les échos dans l’église.

Luc reste dans le chœur, et la chef de la chorale Josquin les Près prend la parole, pour dire qu’ils vont interprêter tous ensemble un morceau qui leur tient tout particulièrement à cœur… et à moi aussi : il s’agit de « Maria », un texte en vieux provençal, qui est l’un de mes favoris du répertoire de Luc Arbogast. La version jouée ce soir est magnifique, tout les éléments sont là pour faire de ce moment un instant hors du temps, emprunt de contemplation, de beauté de l’Art et de nostalgie.

Les textes de Luc abordent souvent ce thème, un sentiment de nostalgie, d’enfance perdue, de souvenirs. Le meilleur exemple est sans doute « Les Egaux de Landrais », nom d’un petit hameau ou Luc a grandi. Le texte, en français, pose la question d’où sont passés les enfants… ceux qui jouaient dans la campagne, qui jouaient à la marelle, qui écoutaient les histoires de grand-père… Un texte magnifique qui me fait me sentir vieux et avec mes presque 28 ans, et replonger dans les souvenirs de vacances. N’est-ce pas une des forces de la musique que de suggérer, d’émouvoir, de faire réfléchir ? Luc est un maître en la matière, par ses mots ou ses musiques.
Et, malgrè ses taquineries constantes envers le public – qui n’est pas des plus participatifs, il faut le reconnaître – Luc nous prend presque par la main en invitant le public à faire les choeurs sur le dernier morceau, « Oda et Labora ». Les hommes ont leur ligne, les femmes la leur, et pour les plus téméraires, une ligne plus aigue. Luc nous accompagne au début, puis nous libère pour chanter de sa voix de contre-ténor au dessus de l’ambiance crée par ce lieu et les voix du public. Un moment magique, surtout lorsqu’on suit le conseil que Luc nous a donné précédemment : en fermant les yeux, c’est encore mieux.

Luc Arbogast est un très grand artiste, loin des sentiers battus. Je m’attendais à ses prouesses vocales, ayant déjà écouté maintes fois ses albums, mais en plus de cela il est tout simplement humain, souriant, divertissant. Je n’ai pas vu le temps passé en sa compagnie, et je croise les doigts pour qu’il continue de sillonner la campagne… Et vivement le prochain album aussi !

Un immense merci à Jean-Louis, sans qui je n’aurais pas pu voir ce qui est un challenger sérieux au titre de « meilleur concert 2011″, et avec une pensée pour ma femme qui n’a pas pu venir cette fois, mais qui ne manquera pas la prochaine occasion…

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Andy McKee est américain, originaire du Kansas, et c’est un guitariste hors pair. Fin 2006 il a fait son buzz sur youtube, une performance filmée de « Drifting » a fait le tour du web, lui apportant une reconnaissance, soudaine, mais méritée. Depuis il s’offre des tournées mondiales, avec plusieurs dates en France. De passage à Lille, il a investit seul la grande scène du Splendid.

20h00 au Splendid, un vendredi soir, veille de mariage d’une amie pour moi. Assurant le rôle du photographe officiel le lendemain, je n’étais pas fâché de voir qu’il n’y aurait pas de première partie, pour une fois. Le concert est censé débuter, mais la salle est très loin d’être remplie. Un quart d’heure plus tard, c’est autre chose, et quand le concert commence vers 20h20, on est pas loin d’un Splendid complet. Andy McKee, tout sourire, arrive sur scène, tout seul, tranquille. Derrière lui, 3 guitares sur leur stands. Ici, pas de pédales d’effets, de gros son, de riffs endiablés. Andy McKee est un guitariste acoustique.
Donc vous vous dites déjà « Bof, un concert avec un gars tout seul avec une guitare, ça doit être chiant. » C’est sans compter les talents d’Andy McKee. Son côté humain, tout d’abord: il est simple, a un sourire communicatif, il blague entre chaque morceau, et il n’est pas peu fier d’être un tout jeune papa, en montrant la photo de son fils sur son portable. Il a un certain charisme, un contact facile. Mais aussi, et surtout, il a un talent incroyable.
En guitare, il y a plusieurs styles de jeu, allant du simple jeu en accords, des solis chers au rock, les power chords du métal… et il y a le picking, une façon de jouer les aigus ponctués par les graves qui donnent un rythme à la mélodie. Encore plus tordu, il y a le tapping: les deux mains jouent sur le manche, produisant les notes par la percussion du doigt sur la corde. Andy McKee cumule ces deux styles de jeu, avec, en plus, une façon de jouer des percussion en tapant sur la caisse de la guitare. Vous l’auriez compris, c’est un homme-orchestre.
Et encore je ne vous ai pas encore parlé de la harp-guitar qu’il utilise sur certain morceaux et que vous pouvez voir en photo à côté : il s’agit d’une guitare normale, à 6 cordes, avec un deuxième manche au dessus, qui possède lui aussi 6 cordes, chacune produisant une note de basse.
Donc en faisant le calcul, avec le style de jeu d’Andy, on réalise que le bonhomme est capable, à lui tout seul d’assurer la guitare, la basse et les percussions dans un même morceau.
Donc non, un concert d’Andy McKee n’est pas rébarbatif, au contraire, je n’ai pas vu les deux parties de son set passer. Il a joué des compositions personnelles, avec des inspirations aussi variables que les membres de sa famille, une sortie à la mer, un parc de jeux pour enfants…
Il a aussi joué quelques reprises, de Tear For Fears ou Toto, pour le plus grand plaisir du public qui est venu en connaisseur et qui a fait un triomphe à l’américain en ballade en France, comme ça a été le cas sur toutes les dates de sa tournée comme on peut le foir sur son facebook.
Le bonhomme est même allé jusqu’au mini stand de merchandising pour signer ses CD, toujours avec un sourire sympathique. Les spectateurs sont unanimes : il revient quand il veut !

Andy McKee nous a donné une leçon de guitare, avec un style propre, alliant une technique irréprochable, sans tomber dans le piège d’une démonstration de technique sans âme. Ses compositions aussi bien que ses reprises ont une âme, une sensibilité palpables. Vivement la prochaine.

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