Arno est surnommé « la tête brulée de la chanson française ». Déjà, il est belge, flamand de surcroît, il a une trentaine d’années de carrière derrière lui, et commence à avoir sa petite renommée en France depuis quelques années. « Brussld », son 18ème album solo, est sorti il y a un an, et après un rendez-vous manqué l’année dernière, je me suis rattrapé à l’aéronef et j’ai découvert le bonhomme en live. Impressionnant.

Comme vous avez pu le remarquer si vous êtes déjà passé sur ce site, je ne suis pas un fervent admirateur de la « chanson française ». Bashung, je m’y suis pris trop tard, Gainsbourg c’est encore pire, et sinon en général j’ai du mal à m’y intéresser.
J’ai connu Arno justement par l’intermédiaire du regretté Bashung auquel il donne la réplique dans une scène mémorable du film « J’ai toujours rêvé d’être un gangster ». Son phrasé, son accent, sa gueule : c’est un Personnage.
Son album « Live in Brussels » m’a fait découvrir sa musique. Ses musiques devrais-je dire.
Arno, c’est du rock, un blues dur, qui flirte avec le punk, une voix éraillé qui contraste vu la catégorie dans laquelle les médias le rangent. Ce soir, à quelques mètres des enceintes, c’était du hard rock et ça envoie dans les tympans.
Mais Arno c’est aussi des chansons. Des chansons nues, impudiques, naïves, la voix porté par les claviers de Serge Feys. Des textes qui ne laissent pas indifférents : on aime, et on est ému, ou on déteste et on se demande ce que c’est que ce poivrot ; un croisement entre Tom Waits, le sérieux en moins, Shane McGowan, la belgique à la place de l’Irlande, et Jacques Brel, les guitares en plus.

L’aéronef est plein à craquer, toutes les places étaient vendues. Le concert débute à 20h30, les musiciens entrent sur scène et jouent l’intro electro-rock de « Brussels » issu du dernier album. Arno entre sur scène sous les applaudissements nourris du public quelques minutes après, et c’est parti pour ce morceau qui dépeint le Bruxelles d’Arno, avec ses cultures, d’où qu’elles viennent.
Ca se retrouve dans son groupe d’ailleurs. Tout à gauche de la scène, il y a le guitariste, un allemand dont je n’ai pas saisi le nom, mais qui joue sur une magnifique Gretsch, qu’il échange pour des telecaster sur certains morceaux. Il a donc toute ma sympathie. A côté de lui, derrière une batterie qui a connu des jours meilleurs, c’est Sam Gysel, d’origine Zaïroise. A la basse et aux chœurs, c’est Mirko Banovic, un yougoslave. A côté de lui, au fond de la scène, la superbe et douée Sabrine El Koulali, d’origine marocaine. Et enfin, au clavier et à l’accordéon, c’est le complice de toujours d’Arno : Serge Freys.
Ils jouent beaucoup de titres de « Brussld » ce soir, comme « Mademoiselle », à mi-chemin entre les deux Arno : rock mais aussi chanson. On passe à l’anglais avec « God Save The Kiss », scène baignée de rouge, Arno fait sonner les cymbales.
Fin des 3 premiers morceaux, et les instructions sont claires : les photographes doivent sortir de la salle, laisser leur matos au stand de la Croix Rouge (???) et revenir s’ils le désirent. Je loupe donc une bonne partie de « Elle pense quand elle danse », avec un texte d’Arno comme on les aime. Une naïveté touchante, tout ça sans faire de concessions:

Ne joue pas trop le sérieux
Avant d’être un con, avant d’être vieux
Avant de perdre la tête
Et de tomber amoureux

On repart dans une ambiance plus rock, avec le délirant « Meet The Freaks ». La section rythmique est vraiment efficace, ça fait du bruit, c’est rythmé. Arno s’arrache la gorge, c’est du rock bien gras. Excellent.
Le bonhomme a du charisme. Il parle souvent avec son public entre les morceaux. Même si les blagues sont les mêmes
à chaque date de la tournée d’après ce que j’ai pu voir sur le net, l’ambiance est au rendez vous.
Par exemple lorsqu’il nous raconte l’histoire de sa grand-mère – d’origine lilloise – qui était pianiste et à l’instar de Beethoven, avait un handicap pour jouer… je ne vous raconte pas la chute, allez le voir en concert. Une introduction pour ce qui sera le point d’orgue de la soirée pour moi: « Lola etc. ». A nouveau un texte avec Arno en mode « assis sur sa chaise en bois » et les claviers de Serge Freys en accompagnement. Un moment de grâce, qui contraste tellement avec Arno que c’est devient magnifique. Une sorte de Gainsbourg époque Gainsbarre.
Arno reste dans l’ombre pour l’intro du morceau suivant, ou Sabrine délivre un chant berbère qui impressionne, elle maitrise depuis le fond de la scène. « Ca monte », un des meilleurs morceau de « Brussld », mélange entre la musique d’un manège de foire et la musique berbère, comme nous le raconte Arno.
Et c’est à nouveau un morceau de Rock, de hard-rock même avec « Ratata », puis »Black Dog Day » issu de « Brussld », avant de repartir sur une ambiance piano/voix pour la tranche de vie « Quelqu’un a touché ma femme », émouvant, à la Arno: même si ses métaphores ne sont pas des plus glamour – « elle se sent vide comme le condom d’un vieux pépé » – au moins il a le mérite de ne pas employer des clichés…
Il nous joue ensuite plusieurs morceaux rock d’affilée, ça joue toujours aussi fort, et il faut voir le batteur commencer avec un rythme calme, et qui s’accélère invariablement pour un final extatique et puissant. Ce qui nous amène à « With You », un rythme énorme et une tension palpable… j’ai adoré. Le guitariste se fait plaisir d’ailleurs, ca hurle. « Chanson française » vous dites ? Mouais, c’est pas l’image que j’en avais…
On reste dans le rock, plus funky et en français avec « Françoise », avant de jouer le tube « Oh la la ». Un véritable feu d’artifice ininterrompu. Arno a la pèche et se dépense sans compter sur scène; même s’il reste toujours plus ou moins accroché à son micro – qu’il confond avec un punching-ball assez souvent – il est loin d’être statique.
Le groupe termine avec le vieux « Putain, putain », un hymne socialiste à la Arno, repris par le public:

putain putain
c’est vachement bien
nous sommes quand meme
tous des Européens

Beau message après tout. Arno intercale la présentation des musiciens dans le morceau, avant de reprendre uen dernière fois le refrain. Mais c’est la fin… Heureusement ils reviennent pour des rappels, avec pour commencer, LE morceau que je voulais, l’émouvant « Les Yeux de ma Mère », le morceau par lequel j’ai connu Arno. Un texte personnel, candide. C’est la force d’Arno, son interprétation est telle qu’il transmets des émotions bien palpables. Un maître en la matière.
Et le concert se termine avec l’accordéon de Serge Freys, et la reprise rock-délirante d’Adamo avec « Les Filles du Bord de Mer », la public chante avec Arno; il ponctue la chanson d’invitations à chanter avec lui, c’est festif, c’est une magnifique fin.
Le bonhomme quitte la scène le premier, avec un salut simple, et sincère avec son public, il prend le temps de faire coucou en s’approchant de chaque zone de la salle, très chaleureux.

A entendre la musique d’Arno, le voir en live était risqué: ca peut être un gros n’importe quoi qui ne ressemble pas à grand chose. Mais ça n’a pas été le cas. Arno, tout comme son groupe, assure, et comment ! Je ne regrette que le son de l’Aéronef, trop fort sur les morceaux rock pour les apprécier pleinement, mais ça me fera un prétexte pour le voir à nouveau… N’hésitez pas à lui donner sa chance, sa musique vous le rendra.

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Gong est un groupe franco-brittanico-australien fondé à la fin des années 60 par Dævid Allen, Gilli Smyth et Didier Malherbe. Le style était ce qu’on appelait la scène Canterbury, du rock psychédélique sous influence avec des groupes comme Pink Floyd à leurs débuts ou Soft Machine, dont DævidAllen était co-fondateur avec Robert Wyatt et Kevin Ayers. Pour cause de sombres histoires de visas, il est resté bloqué en France en 68, du coup il a distribué des nounours aux policiers pendant les évènements du mois de mai, pour la petite histoire. Et il a fait la connaissance de Gilli Smyth et Didier Malherbe, début de l’aventure Gong. Daevid Allen est ce qu’on appelle un « personnage ». Aujourd’hui, à 72 ans, il garde toujours une forme olympique.
Sur scène il est accompagné par Gilli Smyth, 77 ans tout de même, voix hallucinée et poèmes surréalistes, Steve Hillage à la guitare, un virtuose méconnu, membre du groupe depuis 1973. Aux claviers / samples / effets, c’est sa femme Miquette Giraudy tandis qu’au saxo, à la clarinette et à la flûte traversière, en lieu et place de Didier Malherbe parti vers d’autres horizons avec Hadouk trio, on trouve Ian East, à la basse c’est Dave Sturt et derrière la batterie, c’est Chris Taylor.

Première surprise de la soirée : le Splendid était plein ! Je ne pensais pas que le groupe était encore connu, surtout que contrairement à ce qu’on pourrait croire, le public n’était pas constitué que de « fans de la première heure », il y avait des jeunes, des moins jeunes, mais tous chauds pour supporter Gong, l’ambiance était particulière, mais dans le bon sens. Celle, unique, qui rassemble divers horizons qui n’ont rien en commun à priori… mais la musique permet bien des choses.
A 20h30, c’est parti, projections psychédéliques sur l’écran pendant qu’on entend le début de « Camembert Électrique » ils entrent en scène – sauf Gilli et Dævid – et c’est parti pour « Oily Way » de l’album « Angel’s Egg », un duo flûte / guitare excellent avant l’entrée en scène de Dævid pour le moins grandiloquent et ridicule dans un costume argenté, des lunettes sur-dimensionnées et un chapeau genre Schtroumpf si Peyo était sous influence de Dali – ou même sous influence tout court… Sourire aux lèvres, sa grande carcasse filiforme sur le devant de la scène, à la rencontre de son public, micro tendu vers le foule, il dégage un charisme un croyable.
C’est génial de découvrir en live ce morceau qui date de 73. Ils jouent ensuite « Outer Temple », du même album, et Gilli Smyth entre en scène à son tour au milieu du morceau. Elle est accueillie sous les applaudissements, et j’ai trouvé ses sourires touchants, avec sa démarche peu assurée, un peu perdue. Peut être cela fait-il partie de son personnage. Dans tout les cas, elle a une présence particulière sur scène, avec sa voix éthérée, modulée d’échos, limite angoissante. Elle enchaîne sur un poème « SHe’s the Great Goddess », avant que le groupe s’énerve de plus belle avec « Dynamite » issu de « Camenbert Eléctrique », le public scandant avec eux « Dynamite », Gilli criant au dessus de ce joyeux bazar.
C’est sans doute ça qui fait la musique de Gong quelques chose d’aussi jouissif : c’est joyeux, tout simplement, insouciant, léger, et aux rythmes ravageurs. A ce titre, le travail de Dave Sturt à la basse fretless est exceptionnel.
On fait ensuite un saut dans le temps avec « Digital Girl », sur « 2032″ sorti en 1999. Plutôt rythmé avec un saxo qui groove bien, j’ai un peu moins accroché, ne connaissant pas le morceau. Pour l’occasion, Dævid revient sur scène avec un tshirt « I hate fu… Facebook ».
Miquette et Gilli restent seules sur scène pour l’halluciné « Yoni Poem », qui vient lui aussi de « 2032″ tout comme  « Dance With the Pixies » ou le groupe revient au complet sur scène, Dævid dans une tenue bleue de mage avec chapeau pointu de rigueur. C’est un morceau excellent, avec un rythme emmené par la basse et le saxo, très groovy.
Dernier morceau issu de « 2032″ avec « Escape Control Delete », qui ne m’a pas laissé de souvenir particulier. Nouveau changement de tshirt pour Daevid (« Nobody knows I’m a Lesbian ») et retour en arrière avec un de mes morceaux favoris de Gong « Radio Gnome Invisible ». C’est énorme. Ambiance psychédélique à souhait, les caméras sur les micros retransmettent le visage de Dævid, ondulant sur l’écran géant derrière eux. Le rythme est joué par la fosse en frappant dans les mains, et quand le saxo de Ian East se fait entendre, le public chante avec Daevid le fameux « Ra-di-O-o-gnome ». Excellent, et tout simplement, c’est de la musique joyeuse, ça fait plaisir à entendre, mais aussi à voir: ils s’éclatent sur scène. Daevid quant à lui, j’arrive pas à concevoir son visage sans sourire.
C’est ensuite « Tropical Fish », enchaîné sur le plus calme mais non moins psychédélique « Selene », de « Camenbert Électrique ».

Retour en « 2032″ avec le bien nommé « The Year 2032″, encore un morceau très joyeux, qui sonne un peu « Beatles » époque « Sgt Pepper’s » dans sa mélodie. Assez sympa.
Nouveau changement de t-shirt avec cette fois « Wanker Banker » pour le titre « Wacky Baccy Banker » encore du même album. Très rock, avec un solo magnifique de Steve « Submarine Captain » Hillage. Physiquement, on lui met un costard et on croirait que c’est un directeur financier. Mais non, il est en tshirt noir, et c’est un guitariste incroyable. Je connaissais que très peu son jeu avant, mais j’avais un bootleg de Mike Oldfield où ce n’était pas ce dernier qui jouait, pris d’une crise d’angoisse avant le concert, il a été remplacé par Steve Hillage. Un excellent guitariste donc, en plus d’être un peu le chef d’orchestre du groupe. Et il est très sympathique.
« I Never Glid Before » de « Angel’s Egg », ou Ian East fait des prouesses, mais en même temps, ca a été le cas tout au long du concert. Un jeu très groovy, qui s’intégre parfaitement au groupe. C’est d’ailleurs « son » moment ensuite puisque qu’il fait sa version de « Flute Salad », composée par Didier Malherbe à l’origine. Il joue avec sa flûte traversière, puis joue aussi avec les pédales d’effets pour mettre des échos, des boucles… c’est du grand art, et c’est un enchaînement vers « Pinkle Ponkle » lorsqu’il est rejoint par la guitare de Steve Hillage, puis la batterie qui emmène le groupe à un train d’enfer.
On a ensuite droit à un phénomène de psychédélisme intense : « Master Builder ». Dævid baragouine dans son micro, bouclé sur un effet de delay, tout comme les autres instruments. J’ai d’ailleurs oublié de parler que Dævidjoue aussi de la guitare, c’était son rôle à l’époque dans Soft Machine. Il est extrêmement doué aussi, mais laisse le soin à Steve Hillage de faire la guitare principale. Dævidlui, joue le plus souvent avec un vibrato joué comme si c’était un archet sur son manche. Donc oui, ça fait des sons bizarres.
Ils terminent en se présentant sous les applaudissements nourris de la foule, la fosse fronstage ou je fais des photos me fait l’effet d’un miroir: il y a les même sourires des deux côtés.
Ils reviennent tout de même pour un rappel: l’excellent « You can’t Kill Me » avec son super riff de guitare, et on a même droit à un dernier rappel « You Never Blow Yr Trip Forever », plus calme que les précédents morceaux, mais toujours aussi psychédélique avec les effets d’échos, et le final qui se calme progessivement, pour finir en chuchotements entre le public et le groupe, Miquette allant jusqu’à s’asseoir sur le rebord de la scène pour tendre son micro à la foule, tout comme Gilli et Dævid depuis la scène… magnifique façon de terminer…

You are I, and I am You…

J’allais à ce concert par simple curiosité, ne connaissant pas ce groupe plus que ça. J’en suis ressorti comblé. Leur joie communicative se ressentait dans la salle. Dævid Allen et sa bande sont restés fidèles à ce genre unique depuis plus de 40 ans, et ils trouvent toujours leur public après toute ces années, et cela au travers des générations. Pour ma part, je compte compléter ma discographie, et surveiller de très près leur actualité, on sait jamais, si ils refont une tournée…

Un très grand merci à Jonny Greene et Steve Hillage pour l’accréditation photo, et à la sécurité du Splendid, toujours aussi sympathique, c’est un plaisir de prendre des photos dans cette salle.

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40 ans ça se fête ! Alors même si la tournée précédente d’Ange m’avait quelque peu déçu, je me suis dit que ça valait peut être le coup d’y retourner encore. Et j’ai bien fait. Le plus vieux groupe de rock français nous a délivré une prestation incroyable, une setlist de rêve, transporté par le théâtre Sébastopol qui a réellement décollé aux pays du rêve.

Je pense qu’il n’est plus nécessaire de présenter Ange, j’ai déjà fait des comptes rendus du groupe de Christian Décamps à plusieurs reprises sur UbikwiT (au Splendid en 2006, à Gravelines en 2007 et à Wasquehal en 2008).
Depuis le « Cimetière de Arlequins » sorti en 1970, Ange a su perdurer, passer le difficile cap des années 80, tout en restant fidèle à leur musique des débuts, préférant une notoriété confidentielle aux plateaux de TV. Le dernier album en date « Le Bois Travaille, Même le Dimanche » est paru fin janvier.

Après quelques problèmes pour récupérer mon accréditation photo – merci beaucoup à la personne du merchandising et JC Boileau d’UPDLM, au passage – on prend place au Théâtre Sébastopol, ses décors rococo, les fauteuils et tentures rouges. On est au deuxième rang juste devant la scène, le concert étant filmé – youpi ! – je ne peux me déplacer pour les photos, mais je me débrouillerai.
Le spectacle débute par un mix de bouts compositions entrecoupés de bruits de vagues, le tout chronologiquement, et Christian Décamps entre sur scène seul, dans la pénombre, déclamant le fameux « D’abord…D’abord… y’a l’aîné… » de  « Ces Gens-là » de Jacques Brel, le premier succès de 1970. Les lumières s’allument et le groupe est parti lui aussi. Le son est très bon, leur complicité sur scène saute aux yeux. Christian est un cadeau à photographier: il ne chante pas, il interprète ses chansons. C’est Ange, c’est théatral. On aime ou on aime pas, mais voir un groupe aussi passionné et enthousiaste fait aussi partie de la magie « Ange ».
Sans transition c’est parti pour « Le Cimetière des Arlequins » de l’album du même nom. L’occasion de voir la délurée Caroline Crozat entrer sur scène, grimée en mime / clown / vagabond. Elle anime la scène de son jeu et de sa voix. J’avais toujours eu du mal avec ce morceau version « album », le son étant vraiment de mauvaise qualité…j’ai donc pour le redécouvrir dans de bonne conditions et c’était excellent.
On continue avec Tristan qui passe au devant de la scène pour à son tour prendre le micro avec « Les Yeux d’Un Fou » qu’il interprète magnifiquement. Là encore un morceau que je ne connaissait pas, mais que j’adore maintenant. Tristan mériterait d’être plus souvent au devant de la scène tant ses prestations sont énergiques.
On fait un saut dans le temps avec « La Rêve est à rêver » de l’album « La Voiture à Eau », puis « Le Marchand de Planètes », de « Emile Jacotey ». L’occasion d’être bluffé par Thierry Sidhoum, qui passe au micro à son tour, sans délaisser sa basse, pour faire un chant oriental sublime en intro du morceau qu’on connait. Christian distribue des planètes au premier rang, en souffle d’autres à l’assistance. Ca peut paraître grandiloquent, mais c’est tout simplement magique. Encore une fois, l’original est dépoussiéré, j’ai hâte de voir le DVD…

C’est ensuite un grand moment. LE grand moment pour moi. Ils ont joué « Sur la Trace des Fées » de l’album « Emile Jacotey ». L’ambiance a changé dès les premier instants du morceau. On a senti le public suspendu aux arpèges d’Hassan. Des yeux se sont humidifiés au milieu du premier couplet (au moins les miens) et le public s’est levé, applaudissant à tout rompre à la fin du morceau, respirant à nouveau après avoir retenu son souffle pendant les 5 minutes précédentes. Rien que ce morceau valait le prix du billet.Je réécoute la version album en écrivant ces lignes, et je ne peux empêcher mes yeux de s’humidifier à nouveau au souvenir de la version live.

On reste dans une ambiance douce avec « Les Eaux du Gange » de l’album »? »… Caroline revient sur scène en tenue orange style indienne, ondulant sur scène, Christian dans son dos lui ajoutant une paire de bras, style Shiva.
LE groupe s’efface dans les ombres, laissant Tristan seul avec son clavier. C’est devenu une tradition, à chaque tournée Tristan interprête en solo un titre, souvent dramatique. Cette fois-ci c’est « Neuf Heures ». Un autre grand moment.

Pendant que Tristan s’éclipse à son tour, Christian revient sur scène avec un accordéon, accompagnée par Caroline, gouailleuse avec un accent, et ils nous jouent une version hilarzante de « Fou », l’instrumentation change pas mal de l’original. Le public bat la mesure, mais Chrisitian nous interrompt pour nous expliquer les rythmes binaires et ternaires. Après quelques morceaux plutôt sombres, l’ambiance se détend.

Hassan, Benoît, Thierry et Tristan reviennent sur scène pour jouer « Le Vieux de la Montagne » avant de faire « Couleurs en Colère » que j’ai adoré. Ce morceau a été l’occasion pour Hassan de faire son numéro… et il a été très inspiré, un solo superbe, bien que n’étant pas fan de shredding, c’est quand même carrément rock’n roll sur ce coup là…
Après un nouveau rugissement d’applaudissements, Thierry est à nouveau au devant de la scène. Pas facile d’enchainer après une telle preuve d’amour du public, mais il le fait très bien, tout simplement en se présentant. Ca change de la présentation de groupe classique. Chacun son tour ils racontent d’oùu ils viennent et comment ils sont arrivé là… le kabyle lorrain, celui qui est content d’être là, le quota norvégien, celle dont les parents ont hésité, celui dont les parents n’ont pas hésité du tout et celui qui est un orgasme. A vous de les retrouver…
Ils enchaînent avec une version énergique de « Les Enfants du Hasard » avant de terminer – eh oui déjà – par « Capitaine Cœur de Miel ». Et quelle fin ! Christian fait vivre ce personnage encore une fois, pendant ce morceau épique, avec la seconde partie dramatique, Benoît Cazzulini qui fait des merveilles à la batterie.

Le groupe revient pour deux titres de leur dernier album « Le Bois travaille même le dimanche », avec « Hors la loi » et « L’œil et l’ouïe », deux morceaux sympathiques mais sans plus.

C’est ensuite le second final, et quel meilleur final pour un concert d’Ange qu’un « Hymne à la vie » ? Je n’avais pas eu l’occasion de l’entendre lors des précédents concerts, c’est désormais chose faite et c’est… transportant ! C’est un hymne après tout. Le public est resté debout pour l’occasion. Les sourires s’affichent dans les deux camps. Ange a ravi son public qui le lui rend bien visiblement.

Christian revient seul pour un rappel – les autres sont aux 35h et sont partis en RTT. Il nous joue un Shéhérazade, seul au piano. Mais il n’en reste pas là, faisant chanter le public sur le refrain du « Ballon de Billy » et enchaînant sur un émouvant « Ode à Emile »…
Un final en points de suspensions, Christian visiblement ému de son public.

Là ou beaucoup de groupes de progressif des années 70 survivent en reprenant éternellement les même titres en concert, voire ont disparu, Ange est toujours là. Ils pourraient, à l’instar de Yes, faire une tournée chaque année en reprenant leurs anciens titres uniquement. On en a eu la preuve ce soir, le potentiel pour des tournées « best-of » est là. Mais Ange ne se contente pas de ça. Un nouvel album chaque année, un répertoire régulièrement revisité, une sincérité sur scène unique. Me voilà réconcilié avec Ange. J’y retournerai.

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La belle Emilie revient enfin dans nos contrées aprè s’être expatriée à New York, avec dans ses bagages un nouvel album très différent du précédent: inspiré par la mégalopole américaine, avec des sons très électroniques/eighties, des compositions élaborées au synthé… on est loin de l’ambiance Végétale…

Emilie Simon passait cette fois à l’Aéronef. J’ai pris mes billets tout de suite – sale habitude ça – et 15 jours avant le concert, j’ai regardé un peu par curiosité des vidéos amateurs de la tournée sur youtube…et le moins qu’on puisse dire c’est que j’allais au concert de ce soir en trainant la patte: une configuration minimaliste : Emilie au synthé – exit la Fender, un bassiste et un batteur. Exit le percussionniste extravagant, le piano à queue, Cyrille Brissot et ses bricolages… mais c’est logique : le dernier album a été construit comme ça, en trio.
Ah et j’apprécie moyennement « The Big Machine », la moitié des titres ne m’inspirant pas vraiment. Pour synthétiser : je préfère l’Emilie électro-rock que l’Emilie New Yorkaise.

La première partie, PacoVolume, était doublement sympathique : ils communiquent bien avec le public, blaguent pas mal, et en plus même leur musique est sympathique, voire même entraînante sur certains titres. A découvrir.
Vers 21h30, c’est au tour d’Emilie Simon. Le public est présent, beaucoup la suivent depuis « Végétal » où « la Marche de l’Empereur ». Ca débute avec une ambiance électronique, assez oppressante. En ombres chinoises, Emilie s’affaire sur une sorte d’écran tactile accroché sur le côté de son clavier qui sert de programmeur de boucles, et l’originalité de la chose est que sur la face visible au public, les rythmes et sons sont symbolisés par des points, des lignes, des cercles…on dirait qu’elle joue à un vieux jeu de borne d’arcade des années 80 (arkanoïd pour les geek). Et elle se met à chanter « The Devil At My Door ». Bon morceau, très pop-80′s. Comme toujours, Emilie Simon a une voix incroyable. Elle a toujours son bras bionique, mais qui déconne pendant le début du concert, les effets se mettent pas en route.
Autre titre de The Big Machine « Dreamland », encore plus pop – c’est le single choisi par Universal, c’est dire – mais ça a un petit quelque chose « ambiance à la Emilie Simon d’avant ». Car oui c’est bien là le problème: là ou le magistral « Végétal » débordait d’émotions, d’originalité, de vie… « The Big Machine » et donc la tournée associée est beaucoup plus froide et distante. Musicalement, techniquement, c’est du très bon, et Emilie Simon est vraiment une artiste à part entière, créative. Mais personnellement, je la préfère plus végétale et moins « synthé ».
C’est un peu mieux avec « Fools Like Us » qui, comme son titre ne l’indique pas, est chantée en partie en français. Déjà ça, ça fait du bien, ça rappelle de bons souvenirs.

Je retourne dans la fosse – eh oui, l’accréditation photo, c’est que pendant les 3 premiers titres, mais c’est déjà très bien – pendant que le bassiste troque sa basse pour une contrebasse pour « Nothing To Do With You »… un des titres que je ne retiens pas du dernier album, il me laisse plutôt froid… mais le suivant c’est beaucoup mieux.
Emilie s’affaire longuement pour composer une intro sur le Tenorion  et lorsqu’elle joue les premières notes d’ »Opium » au synthé, le public applaudit et crie – je ne dois pas être le seul à aimer ce qu’elle faisait avant. Une vraie re-découverte du morceau qui était déjà excellent auparavant, la nouvelle version, plus longue, laisse libre court aux talents de programmation d’Emilie.
Retour dans la « Big Machine » avec un titre que j’aime assez, bien qu’il soit très « boum-boum » (comprenez:le rythme fait très nightclub) la voix d’Emilie est particulièrement mise à l’épreuve et s’en tire impeccablement. C’est « Chinatown », inspirée de la vie dans ce quartier de New York ou Emilie a vécu. La montée en puissance vocale, le maintien dans les aigus….excellent. Emilie s’active derrière son clavier d’ailleurs, mais ça reste une barrière entre elle et le public : elle gigote, mais c’est tout.

La belle n’est pas connue pour ses échanges avec le public. Plutôt timide, elle se réfugiait toujours derrière des tenues de scène extravagantes et des appareillages complexes. Elle n’a pas changée. On aura eu droit à des « Merci » et un « Ca va bien ? » mais c’est tout… et comme il y a moins de monde sur scène, la distance avec le public s’en trouve amplifiée par rapport à la tournée précédente. Ce n’est qu’un avis bien sur.
Autre nouveau titre avec « The Way I See You » avant le grand moment de la soirée pour moi… »Fleurs de Saison », le single pop de « Végétal » ici re-orchestré… curieusement plus calme ! La voix d’Emilie est plus mise en avant, et (attention jeu de mots), ça fleure bon la nostalgie d’entendre ça !
C’est ensuite le très bruyant « The Cycle » : la batterie fait vibrer mon corps entier, jusqu’aux narines…si si… Le morceau,lui, me fait moins vibrer, là encore, peu d’émotions s’en dégagent, même si, je le répète, musicalement c’est parfait: Emilie est vraiment douée, même si je la préfère plus entourée, et ses deux compères américains sont très bons également. La batteur a un métronome dans les bras: c’est bien, mais ça manque de folie, d’humanité…Surprise ensuite avec une version « tango » de « Flowers » issu du premier album d’Emilie… là aussi nostalgie…
Le groupe commence ensuite « The Song Of The Storm » de la BO de « La Marche de l’Empereur »… mais, hélas, les aléas du calendrier étant ce qu’ils sont, on a du s’éclipser à ce moment là : Leslie se levant à 4h30 pour travailler le dimanche, ce n’était pas raisonnable de rester davantage. En début de concert j’aurais dit « pas grave », mais à la fin, après l’effet Emilie…je serais bien resté jusqu’au bout… ce qui fait une excuse pour retourner la voir si elle repasse dans le coin dans les mois qui viennent…

Un bon concert d’Emilie Simon, mais beaucoup moins que ceux de la tournée précédente, sans doute à cause d’un album plus froid et moins émotionnel que les précédents. Mais c’est une musicienne, une artiste au sens propre du mot, comme il en existe très peu en France: elle sait ce qu’elle fait, elle suit sa voie, tente des choses différentes… et de l’avoir vue se démener derrière son clavier ce soir, j’ai hâte de la revoir, et surtout d’entendre ce qu’elle va nous proposer après « The Big Machine ».

Merci beaucoup au manager chez Universal pour l’accréditation photo et au personnel de l’aéronef pour l’organisation du concert et de l’accès pour les photographes.

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Les photos (meilleures que la dernière fois…)

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Le Honey Moon est un café à côté du gigantesque cinéma de Lomme, avec une petite scène pour les groupes locaux. Et ça tombe bien; à Lille nous avons Lame Soeur, un duo composé de Greg et Bertrand, qui jouent une sorte d’electro-poetico-rock avec un concept album : l’E2M.
Greg est l’auteur, compositeur, batteur, synthetiseur, guitariste et seconde voix. Comme il ne s’est pas cloné, sur scène il assure la guitare, la batterie et le synthé étant enregistrés. Tenue de scène noire, bras rayés, et chapeau melon…
Bertrand est le conteur, accompagné d’une guitare électrique. Pantalon bariolé noir, haut rayé, veste et haut de forme…
Sans oublier l’ingénieur son et lumières Fred, le troisième homme qui habille la scène de ses lumières.
La scène est toute petite, avec une petite table sur laquelle est posée une boîte à musique, éclairée par une lampe rayée.

à 21h45, Greg lance « E2M » l’intro du spectacle. Le bar est bien rempli, beaucoup de gens en rayure noires et blanches, déjà acquis à la cause du groupe, et quelques nouveaux qui découvraient le groupe en Live. Le ton est donné.
Bertrand commence à chanter sur « La Compagnie des Loups ». Fred peaufine le son, la voix un peu noyée dans les instruments. L’ambiance s’installe. Un morceau plein de double-sens, de jeux de mots.

« Mais le coeur sans cible elle répond à l’appel
et se jette dans la nuit qui la prend sous son aile »

Les écoutes multiples révèlent encore des petites trouvailles savoureuses. La lecture des paroles de la version CD / PDF sont vivement recommandées, vous n’entendiez pas forcément ce que vous croyiez entendre…
La musique nous emmène sur un bon rythme sur le morceau suivant « L’Amante Religieuse ».
L’ambiance musicale, lancinante, rapelle l’orgue de barbarie. Le contraste avec la noirceur de cette chanson fonctionne bien. Le chant de Bertrand s’interrompt pour un passage de duo de guitares avec des effets étranges, et Bertrand repart de plus belle. Un morceau qui s’intensifie, les guitares se font plus violentes, avant de se calmer pour un final en points de suspension…
Autre ambiance avec « La Boîte de Pandore ». La batterie impose un rythme techno, le chant de Bertrand dépeint une atmosphère boîte de nuit. Savant mélange d’électro et de rock, avec un refrain de guitare qui reste dans la tête, une montée en puissance vocale et intrumentale qui prend aux tripes.
« La Morsure », encore un coup de maître avec une batterie rythmée et un refrain de guitare aux allures orientalisantes. Greg appuie les mots de Bertrand en chantant la fin des phrases. Le public est maintenant sous le charme, anciens comme nouveaux. La bande son s’accélère, des violons se font entendre en accompagnement de la guitare, le synthé s’emballe…et de nouveau l’hypnotisant refrain… que Greg prolonge en brodant des petites improvisations dessus pendant que Bertrand se balade dans le public pour prendre des photos. Moment très sympa, du plaisir live.

Retour au calme avec le subtil « L’Ame Soeur », ligne de piano toute tranquille… Greg s’excuse pour sa voix pas très coopérative ce soir, mais ça ne s’entend pas. Ce morceau à la structure plus classique est de ces chansons pop-rock qui sont réussies et font mouche. Je ne pense pas que je puisse dire que j’ai une favorite sur l’album tellement elles forment un ensemble cohérent sans qu’un morceau ressemble à un autre, mais j’aime beaucoup celle ci. On fait le point sur l’histoire d’Eva – que je ne dévoilerait pas ici, faut les voir en live – et Bertrand explique ce qu’est une « petite mort » pour ceux qui ne le savaient pas…
Des sons de piano et de boîte à musique, un texte génial… et encore un refrain qui squatte un coin du cerveau, une rengaine qu’on se surprend à siffler le lendemain… le public apprécie « La Petite Mort » à sa juste valeur…
Nouvelle ambiance électronique avec « Lames Soeurs ». Les choses se précipitent pour Eva. Morceau plus sombre que les précedents, baigné de violon en fond… et un final en crescendo grandiose, avec une ligne de batterie qui secoue.
Autre morceau au début plus calme, avec une mélodie au piano qui cascade derrière les guitares et les mots: « Le Grand Miroir ». Une superbe réussite dans la construction du morceau, qui laisse une belle place à ce piano obsédant. Une autre favorite peut être…
Le superbe final avec la participation d’une petite musicienne présente dans la salle… les notes du départ sont des rires de bébé, la petite fille de Greg, qui a quand même grandi depuis l’enregsitrement… Les guitares se lachent, et je vais être à court d’adjectifs pour décrire ce morceau pop qui est encore une réussite.
C’est l’épilogue avec « Au Pays Des Rêves », aux reflets déjà nostalgiques… on retrouve les mélodies des morceaux précédents, un chant en duo evocateur, même si Greg souffre de ne pas pouvoir chanter comme il le voudrait. Le résultat est tout de même magnifique, le public a fait un voyage d’une heure dans l’Entre Deux Mondes, et en revient avec des étoiles plein les yeux.
Et on a même droit à un rappel, ce sera « La Petite Mort », maintenant que tout le monde a bien compris de quoi il s’agissait… Mais petite répétition avant le morceau: le public va participer sur le final, la moitié devra chanter « Au coeur de l’entre deux mondes » avec Greg, et l’autre « la petite mort » avec Bertrand. Une fois l’échauffement terminé, c’est reparti pour un tour, avec un final en communion avec le groupe.
Cette fois c’est terminé. Je suis surpris de recevoir les remerciements des amis avec qui j’etais venus, qui ne connaissaient pas mais qui sont repartis avec les CD ! Le rendez vous est pris pour la prochaine date au Blooms Café à Lille…
(j’en profiterai pour refaire des photos un peu meilleures que celles ci, en mettant le stabilisateur sur « ON » cette fois ci…)

Lame Soeur est une pépite, le genre de découverte qu’on mettait dans notre boîte à trésors quand on était enfant. Des musiciens très sympas à l’origine d’un monde, d’une musique, d’ambiances, d’une originalité et… d’une histoire, que je ne me lasserais pas d’écouter, même après un mois d’écoute quasi quotidienne.
Leur album est disponible gratuitement sur leur site www.lamesoeur.fr en licence « Creative Commons », et vous pouvez voir les prochaines dates sur leur MySpace

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Porcupine Tree est un groupe de rock progressif bien à part. Steven Wilson a débuté en 1987, faisant des démos tout en participant à 40 autres projets en même temps, et le groupe a vraiment démarré en 1993 avec l’arrivée de Richard Barbieri aux claviers, Colin Edwin à la basse et Chris Maitland à la batterie. Au départ, leur musique était dans la lignée du Pink Floyd des années 70, époque Meddle. Très atmosphérique, psychédélique. Peu à peu, emmené par la passion de la production qui anime Steven Wilson, le groupe traverse plusieurs genres, touchant à l’électronique, un rock plus simple, quelques expériences pop, deux albums très métal jusqu’au petit dernier « Fear Of a Blank Planet », qui, même si la dominante reste largement métal, fait un peu la fusion de ce qu’ils ont fait ces 15 dernières années.

Comme je l’ai déjà dit, le groupe est emmené par Steven Wilson, qui contrairement à nombre de musiciens, ne préfère pas la scène au studio, lui son truc, c’est la production. Et dans ce domaine, il est adulé. Des groupes et des artistes aussi variés que Anja Garbarek, Marillion, Anathema, Opeth, Yoko Ono, Fish et même notre Ange national sur l’album Culinaire Lingus ont fait appels à ses talents !
Mais ce n’est pas tout. Steven Wilson fait aussi partie des groupes no-man (plus mainstream que Porcupine Tree) Bass Communion (très expérimental), Blackfield (rock pop en duo avec Aviv Geffen), IEM, Headphone Dust…
La question que tout le monde se pose : quand dort-il ?
Steve Wilson assure donc la guitare, quelques claviers et le chant.
Porcupine Tree ne serait pas ce qu’il est sans le clavieriste Richard Barbieri, ancien membre du groupe Japan, qui apporte un son tout à fait unique au groupe avec ses claviers finement mis en avant (même derrière deux guitares sur-saturées…).
Colin Edwin assure la basse, épaulé par Gavin Harrisson à la batterie, deux pointures, aucun défaut et quelle virtuosité…
La cinquième branche de l’arbre est le second guitariste John Wesley, qui épaule le groupe en concert depuis leur tournant « métal ».

Mais attention, quand je dis « métal », je ne parle pas d’un groupe de braillards qui saute partout avec les guitares qui produisent directement du 220 volts sonore.
Non.
Ici, certes les guitares sont saturées de distorsion, mais avec panache… et Steven Wilson n’a rien d’un braillard, bien au contraire, ses prouesses vocales et son physique auraient pu faire de lui une star de la pop s’il n’avait choisi une voie aussi peu médiatique que le progressif…

Splendid de Lille, 17h : personne. Je patiente devant les portes, les gens arrivent vers 18h30. Beaucoup de jeunes mais aussi des plus âgés, beaucoup de « chevelus », des t-shirts « Pink Floyd »… Porcupine Tree attire des gens d’horizons différents.
Vers 19h, Steven Wilson passe devant moi derrière les portes, rejoint par… Christian Décamps, PDG d’Ange. Les deux amis parlent tranquillement (peut être de projets communs ?) en prenant une bière au bar, pendant qu’on s’impatiente.
Quand les portes s’ouvrent enfin, je prend possession de mon pass photo, qui ne sont autorisées que pendant les 3 premiers morceaux. C’est dommage, les meilleures photos ne se font pas au début, mais c’est mieux que rien.
Leslie ayant reussi à garder une place juste devant les barrières, on est très bien placés, un peu à gauche de la scène.
La salle se remplit très vite, je me met sur le côté pour pouvoir me mettre dans le (petit) espace réservé aux photographes.
Le brouillard commence à envahir la salle, et la première partie entre sur scène. Il s’agit de « Pure Reason Revolution ». Je ne pourrais pas dire grand chose sur ce groupe qui m’a pas mal ennuyé. Leur musique est un rock métal avec beaucoup de claviers pour faire style electro/années 80/métal. Le gros problème était le son, très fort, très gras, on n’entendait pas le chant. Pas terrible en ce qui me concerne. Je patiente.
Il terminent rapidement, pas beaucoup de communication avec le public, un « thank you » peut être. Ils laissent la salle dans une brume digne d’un hammam. La chaleur en est proche aussi, comme souvent au Splendid. Plusieurs personnes sont tombées comme des mouches dans le public, la sécurité en a évacué 4 dans les premiers rang en quelques minutes. Les bouteilles de cristalline ont vite circulé.

Je me replace sur le côté en attendant l’entrée de Porcupine Tree. Quand les lumières s’éteignent, je me précipite devant la scène, les photographes sont nombreux, et les places sont chères.
L’écran derrière la scène diffuse des images du clip de Fear of a Blank Planet, Richard Barbieri prend place aux claviers, suivi par les autres musiciens.
Et ca commence très fort avec le titre du dernier album « Fear Of A Blank Planet ». Etonnamment, les guitares rugissent, le son est toujours aussi fort, mais on entend parfaitement bien par rapport à la première partie. Tant mieux.
Je ne profite pas vraiment des trois premiers titres, étant donné que je mitraille un maximum pour pouvoir sélectionner les meilleurs clichés.
Steven Wilson n’a pas la dégaine d’un métalleux, loin s’en faut. Cheveux blonds cendrés longs jusqu’aux épaules, petites lunettes à monture métallique discrète, chemise noire, jeans et pieds nus…et il boit de l’eau. Par contre il secoue la tête, difficile de voir son visage cachés derrière un rideau de cheveux.
Il joue sur une PRS de toute beauté, couleur vert turquoise foncé, avec le fameux manche incrusté d’oiseaux. Le son qu’elle délivre est clair, précis, et il est plus que bien épaulé par John Wesley sur une Gibson. Les deux guitaristes assurent tour à tour la rythmique ou le solo, on n’est pas dans un schéma « je suis le leader et vous m’accompagnez ».

C’est là la force d’un groupe de progressif (même si Steven Wilson refuse cette étiquette maintenant) : chaque membre est aussi important, et surtout dans le cas de Porcupine Tree, tous sont virtuoses.
Après quelques mots en français issus de ses cours au collège (« Bonsoir…Il fait chaude ! »), Steven Wilson prend une guitare acoustique et ils jouent « Lighbulb Sun » de l’album éponyme. Plus calme, mais non moins énergique. Les passages doux précèdent d’autres beaucoup plus rock, là encore rien à redire, ils assurent.
Steven Wilson laisse sa guitare et se met à un clavier, ils vont jouer « My Ashes », le titre le plus doux du dernier album. La scène s’assombrit, Steven chante a merveille, ce titre étant un superbe exemple de ce qu’il sait faire sur la version CD… sauf qu’ici, c’est John Wesley qui assure la plus grande partie des chants, et il n’a rien à envier à Steven Wilson de ce côté, tout deux ont de superbes voix claires et évocatrices. Magnifique en live.

Après avoir repris place devant la scène mais derrière les barrières cette fois, je range l’appareil photo et je redécouvre la scène d’un point de vue plus normal. Pas étonnant que je n’ai pas vu Gavin Harrisson derrière sa batterie, il est barricadé derrière ses fûts et pourrait tenir un assaut.
Le morceau suivant est sans doute l’un des grands moments du concert : le fameux « Anesthetize » de 17 minutes, avec son intro rythmée par le duo basse-batterie, un passage très métal avec les deux guitares qui prennent aux tripes, les effets d’échos nous hypnotisent, Barbieri gère tout ça discrètement mais efficacement.
Le refrain, entraînant, est repris par le public, Steven Wilson se lâche. Et il troque sa PRS pour une Gibson Gold Top du plus bel effet pour le final en douceur de ce morceau magistral. Les applaudissements sont à la hauteur de la prestation.

On reste dans le registre heavy-metal avec le riff d’introduction de « Open Car ». Les chevelus qui n’avaient pas encore écouté le dernier album se réveillent et font les dindons de la tête, certains de façon assez ridicule… Steven Wilson, toujours en grande forme, est en osmose avec le public sur le refrain. Très vivant ce concert.
On se calme un peu avec « Gravity Eyeslids », morceau que j’affectionne moyennement. La version live est bien, sans plus. Steven Wilson mime les paroles avec la main, il est possédé par leur musique.
Il reprend le micro pour nous annoncer qu’il vont jouer une chanson issue d’une face B (en l’occurence de la version 2CD de « In Absentia ») : « Drown With Me ». Morceau un peu plus « simple » que les précédents, mais à la mélodie efficace.
Ils ne tardent pas à revenir dans un registre plus métal avec « Blackest Eyes », que le public connait par coeur, la encore, ça ce secoue la tête en fermant les yeux dans le public, sur scène ca bouge pas mal aussi, ils s’en donnent à coeur joie.
Lorsque Richard Barbieri lance l’ambiance du morceau suivant je frémis… je crois reconnaître mon morceau favori du groupe, « A Smart Kid » issu de l’album « Stupid Dream » en 1999… je ne pensait pas qu’ils joueraient ça mais… si !
C’est superbe, à la hauteur de la version studio, le chant de Steven Wilson est superbe, tant au niveau justesse que du phrasé (« There was a war but I must have won »), le pont dramatique est superbe également, Richard Barbieri domine largement ce morceau, rien que pour celui là je ne regrette pas d’être venu… et comme le reste n’est pas mal non plus, le bilan s’annonce des plus satisfaisants.
Sauf que Steven Wilson juge que ce n’est pas assez, et seconde surprise : « Sever » de l’album Signify de 1996 ! Le morceau le plus rock de cet album, qui a gagné en nervosité avec l’âge. La version qu’ils jouent est dopée, puissante, toujours en gardant cette justesse du chant, ce qui fait la beauté de leur musique. Encore un grand moment.

Petite pause pour nous annoncer qu’ils vont jouer les deux derniers titres de « Fear Of a Blank Planet » : « Way Out Of Here » et « Sleep Together ». L’occasion de parler des paroles chez Porcupine Tree. Elles ne sont pas vraiment joyeuses, le thème du dernier album étant l’avènement d’une nouvelle jeunesse nourrie au net, à l’ipod, la xbox, la pornographie et les médicaments puissants. Le thème de l’adolescence, ses rejets, sa rebellion sont là, sombres, ambigus. Les projections pendant « Way Out Of Here » montre une jeune fille style gothique qui marche a côté de voix de chemin de fer, qui détruit son univers jusqu’à prendre une petite pillule. Joyeux n’est-ce pas ? Une manière pour Porcupine Tree de toucher un nouveau public ou thème comme un autre ?
« Way out Of Here », fignolée en studio avec l’aide de Robert Fripp le Grand, marche encore mieux en live. Le refrain, qui a tendance à un peu trop couper le rythme du morceau sur la version album, passe ici très bien, chanté par John Wesley. Les ambiances électroniques de Richard Barbieri sont nickel.

Par contre sur « Sleep Together », moment d’anthologie sur la version album avec un solo de clavier qui rapelle « Kashmir », ne rend pas aussi bien en live de ce côté, mais il vaut le coup d’oeil pour la prestation phénoménale de Gavin Harrisson à la batterie. Les claviers ne s’entendaient pas assez bien de la ou j’étais, mais après tout, le premier rang ne peut pas avoir que des avantages.

Et c’est la fin,et sur quel final ! Ils repartent en coulisses, un technicien débarasse le clavier de Steven Wilson, et ils finissent par revenir sur scène pour le désormais classique « Even less ». Même s’il s’agit de la version courte, elle est terriblement efficace, là encore le public chante avec Steven Wilson. On croise les doigts pour que ce ne soit pas le seul rappel… et ils enchaînement avec « Mother & Child Divided », instrumental très heavy metal, avec un gros riff bien comme il faut, et ils concluent cette soirée avec « Halo », dans le même style, ce qui en fin de compte fait pas mal de titres de « Deadwing », leur précédent album.
Ils quittent la scène en remerciant le public, et vice versa.

Le métal ca peut être bien. Il suffit pour cela de prendre un groupe aussi talentueux que Porcupine Tree, avec un chanteur aussi doué que Steven Wilson, et on passe un très bon moment. La puissance de leur musique est phénoménale, et pas seulement artistiquement: prévoyez des bouchons filtrants si vous allez les voir : avec les miens je trouvais toujours le son très fort. Faites gaffes à vos cellules cillées, ce sont les seules cellules du corps qui ne se renouvellent pas, une fois perdues, vous perdrez de l’audition !
Un groupe vivement recommandé, aussi bien aux progreux qu’aux métalleux, leurs univers se croisant sur scène.

Merci beaucoup à Jérôme chez RoadRunnerRecords France, Amélie et la sécurité au Splendid qui m’ont permis de faire les photos qui seront bientôt ici.

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Mais heureusement, il y a quand même de la musique, et de tout.

Les deux groupes que j’ai suivi sont:
- Atabak, groupe de percussions et de danseuses brésilliennes qui ont l’habitude d’enflammer le parvis de l’Opéra mais qui n’ont pas eu le droit d’y aller cette année, ils se sont retrouvés rue de la Bourse… sous des averses qui ne pardonnent pas ! Mais l’ambiance est là, comme chaque année, leur acoustique éclipse n’importe quel groupe rock/métal avoisinant…

- OuiMaisNon, un groupe de rock atmosphérique/progressif/fusion, mettez l’adjectif que vous voulez. Guitares, Basse, Batterie, Trompette, Marimba… Ils sont très doués, l’impro semble côtoyer des compos élaborées (ou inversement), les morceaux durent 20 minutes. C’est du sérieux.

Mais aussi : Carte Vermeil, endeuillé, mais livre du bon rock des années 60 (Come Together des Rolling Stones !), il y a du jazz face au Beffroi, de la bonne humeur rue Gambetta avec des reprises des Beatles, Ben Harper ou de la variété…

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De retour au Splendid de Lille pour un concert de Jimi Hendrix. Enfin de Popa Chubby qui interprète les classiques du maître. Popa Chubby s’est fait un nom en tant que renouveau du Blues, qu’il mélange avec du rock, du funk, du métal, du punk….un peu de tout en fait (même du rap sur certains morceaux).

Je suis arrivé au Splendid une demi heure avant le début du concert. Première surprise : une longue file de gens en rang ordonné qui traverse toute la place du Mont de Terre. A l’entrée, une fouille, deux contrôleurs de billets, très aimables, les gens rentrent tranquillement dans la salle. Oui ça a changé ! On remarque aussi un enclos à fumeurs devant l’entrée, une bonne chose puisqu’en effet la salle est devenue non fumeur. Le seul point négatif c’est que mon appareil photo a passé le concert à la consigne, il était jugé trop gros. Faudra m’expliquer pourquoi d’ailleurs, sachant que logiquement plus un appareil est gros, plus son optique permet de faire des photos sans flash, et donc sans gêner les musiciens. D’ailleurs il y aura pas mal de flash pendant le concert, ce qui est légèrement rageant, mais bon bref.
Je prends place sur un des côtés de la scène, la salle se remplit vite, le concert était à guichets fermés. Le public est de tout âge, beaucoup de jeunes, mais surtout beaucoup de testostérone…

A 20h30, les lumières s’éteignent enfin, et le batteur et le bassiste entrent en scène, suivi d’un mastodonte. Quand Popa Chubby tient une guitare, ce n’est pas la guitare qui est minuscule…
Sans attendre ils entament avec le fameux « Hey Joe ». C’est assourdissant. Le premier riff arraché de sa « petite » Stratocaster me vrille les tympans. Il joue très fort, mais très bien. Il enchaîne les riff à une vitesse impressionnante. Du vrai Blues dans la lignée de John Lee Hooker, BB King….ou Jimi Hendrix.
Chaque chanson dure 10-15 minutes, avec de longs soli ou Popa grimace, martyrisant sa guitare..
Ils enchaînent avec « Who Knows », c’est reparti pour 10 minutes de kilomètres parcourus sur le manche de la strato. Niveau chant, Popa à la voix qu’on s’imagine vu sa carrure, mais son micro n’est pas bien réglé, on l’entend mal. Il s’énerve contre son technicien qui ne règle pas le problème… « You won’t fuck it up this one ! »
Popa qui cisèle des riffs sur sa guitare, c’est pas vraiment un travail minutieux de tailleur de diamant, c’est plus un sculpteur sur tronc d’arbre, qui modèle une œuvre avec sa tronçonneuse avec une facilité et une précision déconcertante.
Les classiques s’enchaînent, « Foxy Lady », « Manic Depression », « Little Wing », « The Wind Cries Mary »… Popa fera quasiment le dernier tiers du concert assis, à la B.B. King. Il se donne à fond sur sa guitare, et on comprend qu’il fatigue vu son gabarit et la chaleur qu’il faisait dans la salle. Il laisse la place aux soli de basse et de batterie, qui n’ont rien de transcendants.

On a droit à « Purple Haze », et en rappel, une version hallucinée de « Voodoo Chile ». Popa s’est bien marré à jouer une version « scratch » du riff de « Voodoo Chile » : en frottant ses doigts contre la texture bobinée des cordes de la guitare, il reproduit des sons qu’un DJ ferait sur une platine. Assez marrant. Après un quart d’heure, et un Popa furieux contre le technicien qui n’a toujours pas résolu le problème de micro, Ils saluent et c’est terminé. Popa est visiblement content de son concert, fait semblant de jeter sa guitare sur ton technicien – avec le sourire -, la tends aux gens du premier rang comme si il voulait leur donner, mais la reprend au dernier moment, il la lance au dessus de lui pour la rattraper, toujours vrombissante. Le batteur et le bassiste, goguenards, rapportent un faux poids de 150 kg style cartoon pour le donner à Popa, qui leur renvoie en leur balançant dessus…L’organisateur nous indique que Popa va faire des dédicaces sur scène, et des cartons remplis de « Electric Chubbyland » sont amenés. Un Popa épuisé gribouille un truc au marqueur sur les CD que les gens achetaient ou sur les tickets. J’en ai profité pour faire dédicacer le mien, mais je ne sais pas trop si ce qu’il a signé c’est « Popa » ou « Chubby »…

Un excellent concert, il faut aimer le blues, le rock, les longs soli, et avoir les tympans solides. La qualité de son était excellente, et ca fait plaisir de voir ce type de musique attirer autant les foules. La musique de Popa Chubby s’écoute bien sur CD, mais prend une autre dimension en Live. Le triple album « Electric Chubbyland » issu des lives de cette tournée peut vous donner un aperçu de ce que donne Hendrix en plus blanc avec 100 kg de plus. On regrettera juste les chansons coupées vers 6 minutes pour que ça rentre sur le CD, ce qui nous prive de soli magnifiques.
Donc à voir en Live, surtout que Popa se balade souvent en France, ce serait dommage de ne pas profiter d’un artiste de cette trempe.

www.popachubby.com
www.myspace.com/popachubbyband

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Ange est peut être le plus ancien groupe de rock français toujours en activité. Fondé au début des années 70 par les frères Décamps, Christian et Francis, ce groupe a mené une belle carrière concoctant leur propre sauce de rock progressif, sorte de mélange improbable entre Genesis époque Gabriel, Brel et Raymond Devos.
Ange a perduré dans les années 80, avant de s’essoufler au début des années 90. En 1999, Christian a repris l’affaire en main, exit Francis, et bienvenue Tristan, le fils de Christian Vous suivez ? bien.
L’association « un pied dans la marge » est fondée : elle finance les futurs albums du groupe avec les cotisations des membres, ce qui confère au groupe une indépendance musicale nécessaire pour s’exprimer convenablement. Après « La Voiture à Eau », « Culinaire Lingus », l’album « ? » est sorti en 2005. Ils étaient de passage dans le fief de l’association « un pied dans la marge » dimanche soir au Splendid.Autant dire ce qui n’allait pas tout de suite : le Splendid. On s’y attendait déjà un peu après le concert d’Emilie Simon en mars dernier, mais c’est toujours aussi regrettable : les fumeurs ne savent toujours pas lire (et pourtant on a conçus pour eux des panneaux de signalisation très simples à comprendre). Si vous allez à un concert au Splendid et que vous êtes asthmatique, mettez vous près de la sortie.

Après plus d’une heure d’attente dans le froid, on rentre dans la salle, et on a une place au premier rang près des barrières. La salle s’est peu a peu remplie, et au final elle était pleine, sachant que l’accès au balcon était interdit.

La première partie était assurée par « For Absent Friends », un groupe du genre rock-prog-jmelapete. De très bons techniciens, mais personnellement je n’ai pas accroché du tout. Trop long, et surtout complètement shootés à la bière / vin rouge / autres.
Ils terminent sur « Billy », une reprise d’une chanson d’Ange « Le Ballon de Billy ». N’étant déjà pas fan de l’original, la reprise ne m’a pas scotché.

Pendant le déménagement de la scène, j’ai le droit de me faire enfumer par nos voisines aux propos fort peu tolérants envers les admirateurs d’Ange non fanatiques et a des éclaboussures d’une substance contenue dans un gobelet jeté depuis la scène par un technicien (qui s’est excusé) : niveau ambiance, on est loin du Spirit.
Ange se fait attendre, et lorsque les lumières s’éteignent enfin, mon enthousiasme est au plus bas.

Les musiciens arrivent sur scène avec une démarche de zombie, chacun récitant un ver de « Caricatures ». Très original comme entrée, et la chose qui marque d’emblée : Christian Décamps = charisme. La fin de « Caricatures » résume tout :

«Et puis je suis content,
Et puis vous êtes contents,
Et puis ils sont contents,
Alors je suis content
Que tout le monde soit content… »

Et c’est parti pour un concert angélique.

Tout d’abord il y a Benoît Cazzulini derrière une batterie très riche, et il assure, aucune faille dans son jeu.
A la basse, c’est Thierry Sidhoum, un look ravageur (casquette, marcel et démarche de circonstance) mais un jeu très punchy.

A la guitare (PRS, précisons-le pour les amateurs), le très populaire Hassan Hajdi. Très grand guitariste, qui s’est donné à 200% une fois qu’il a réussi à régler ses petits problèmes techniques en début de concert.
La partie féminine de l’Ange est assurée par Caroline Crozat, qui aurait pu faire partie du groupe rien qu’avec son jeu de scène étonnant, mais en plus elle a une voix, et pas des moindres.
Aux claviers, Tristan Décamps, qui n’a pas l’air d’autant s’amuser que les autres, mais ce n’est sans doute qu’une impression, rien qu’à entendre le final on est rassuré.
Et au centre, sur les côtés, derrière la batterie, au micro, aux claviers, à la guitare acoustique : Christian Décamps. Vêtu tout en blanc, avec une vielle écharpe et une tétine en pendentif, doté d’une énergie qui semble inépuisable, magicien des mots et du phrasé, un jeu de scène expressif : irremplaçable.Ils démarrent avec « La fête chez l’apprenti sorcier », avec son intro très rock. Superbe ambiance, magnifique jeu de scène de Caro qui provoque des pluies d’étoiles.
Enchaînement sur un titre beaucoup plus récent : « Ricochets » issu de leur dernier album. Hassan a toujours des problèmes avec sa guitare, mais le morceau est excellent en live.
Vient ensuite « Vu d’un Chien », Caro a une laisse autour du cou et Christian joue avec un os : très bon morceau scéniquement, un peu moins marquant musicalement. Les compositions de cette période ne sont pas mes préférées, même si le live remet à neuf l’orchestration.

Ils jouent ensuite « Histoires d’Outre-Rêve », un grand moment, une de mes chansons préférées sur « ? ». Un morceau très riche, plusieurs passages différents, un petit poème récité par Christian et le final très rythmé : parfait !
J’ai manqué le morceau suivant pour cause de coup de chaud, j’ai du sortir de la salle. C’est rageant parce que c’est le morceau qui m’a fait découvrir Ange : « Si j’étais le messie ». Vivement la prochaine fois que je rattrape ça.

J’ai donc suivi le reste du concert du fond de la salle, ou l’ambiance n’était pas la même : les gens appréciaient la musique sans se sentir obliger de tout commenter et de râler parce qu’ils n’étaient pas au premier rang « par manque de galanterie ». Au moins mon coup de chaud aura fait des heureuses.
Bref, je reviens dans la salle pendant le morceau suivant : « Jour après jour ». Un morceau très doux, de l’album « Emile Jacotey », superbement interprété. D’ailleurs, le son est meilleur au niveau de la table de mixage que de devant la scène. Caro nous livre une superbe chorégraphie au rythme des percussions, éclairée par un spot en arrière plan.
Après les applaudissements, Christian attrape un accordéon pendant que Caro récite un texte, et elle entame « Entre Foutre et Foot », issu du dernier album. Un de mes morceaux préférés, très subtil derrière des termes crus, et interprété à merveille par Caro, accompagnée uniquement à l’accordéon. Vous pouvez voir sa performance en cliquant sur l’image ci-dessous :

Ange – Entre Foutre et Foot

C’est au tour de Tristan de faire son solo, dialogue synthé/voix seulement. Quand je découvrais Ange, j’avais du mal avec la voix de Tristan, mais maintenant c’est la sienne que je préfère. Il a un timbre très particulier, et une puissance insoupçonnée. Il a chanté « Harmonie », très belle chanson émouvante.
Tout le monde revient sur scène pour le très jazzy « Jazzouillis » : un bon morceau mais sans plus, comme sur l’album en quelque sorte.
« Le Chien, la Poubelle et la Rose » est beaucoup plus impressionnant en live, ce morceau épique commence très rock, et termine dans un style plus aérien, Christian fait siffler le thème au public, manière originale de le faire participer, même si les aptitudes siffleuses du public peuvent parfois laisser à désirer…dans la bonne humeur bien sur.
Christian Décamps nous présente les musiciens et le staff technique, avant d’enchaîner sur ce qu’il a appelé un vieux tube, de l’époque ou les vinyls craquaient : ils nous on effectivement fait une version ou le vinyl saute de « L’été indien » de Joe Dassin… assez marrant.
Et ils jouent une vraie vieille chanson, celle qui les a fait connaître au début des années 70 : la reprise de Jacques Brel « Ces Gens Là », dans une version magistrale. Le premier couplet est récité rapidement, sur une nappe de claviers, le second est beaucoup plus rock, Christian joue le personnage à fond, Hassan saute partout. Vous pouvez aussi voir ce morceau ci-dessous :

Ange – Ces Gens Là

«Mais il est tard, monsieur, il faut que je rentre…. Chez moi»

Et Christian part en effet en coulisses, d’ou il revient déguisé en vieux marin, une canne dans une main, une bouteille de rhum blanc dans l’autre: c’est « Capitaine Cœur de Miel », un morceau emblématique du groupe, rarement joué en live. 15 minutes ou Christian se donne à fond, jouant le vieil alcoolique. Benoît et Thierry interprètent la chanson comme si ils l’avaient composée. Je connaissais cette chanson que sur l’album Guet-apens, et vu la qualité de son, j’ai eu du mal à m’y mettre : la version live contribuera a accentuer le contraste !
Le final instrumental est l’occasion d’une belle joute scénique entre Hassan – décidément très doué – et Christian.

Et oui c’est déjà fini ! Le public réclame un rappel, et c’est Benoît qui lance le rythme du fameux Quasimodo, devenu un standard du groupe. Un autre morceau long dont la première partie n’a rien d’extraordinaire, mais quand Tristan délaisse ses claviers pour prendre le micro, le morceau prend une autre dimension. Dans une langue connue de lui seul, il chante en improvisant des syllabes, reprises à la guitare par Hassan. Ils s’amusent, mais non sans livrer une superbe prestation. Le chant de Tristan est une merveille, et vous allez pouvoir voir une partie de ce morceau en cliquant sur l’image ci-dessous :

Ange – Quasimodo

Et c’est terminé, ils saluent, visiblement fatigués après s’être autant donné sur scène. Ils s’éclipsent pour ne plus revenir.

Un bon concert, même si la setlist était clairement destinée aux fans qui ont déjà vu le groupe sur scène plusieurs fois. En tant que novice, j’aurais préféré des titres plus conventionnels, les classique du groupe (L’hymne à la vie, Godevain le Vilain) ou des compositions plus récentes : on n’a rien eu de « La Voiture à Eau » ni de « Culinaire Lingus », que j’aurais personnellement préféré à des titres comme « Vu d’un Chien » ou « Capitaine Cœur de Miel ». Mais je ne boude pas mon plaisir, on ne peut pas tout avoir, et vivement la prochaine fois, en espérant que le Splendid devienne non-fumeur…

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