Réponse Incongrue à l'Inéluctable - Lazuli

Ca y est ! Le nouvel album de Lazuli est enfin sorti. Deux ans après « En Avant Doute », le groupe a su trouver son public, se faisant sa place dans le monde très éclectique du Rock Progressif. Avec « Réponse Incongrue à l’Inéluctable », ils se confortent dans ce genre avec des sons très électriques et les textes aiguisés de Dominique Léonetti.

Pour rappel, Lazuli est un groupe du Gard, emmené par Dominique Leonetti au chant et aux guitares, son frère Claude à la Léode, Gédéric Byar à la guitare électrique, Sylvain Bayol à la Warr Guitar, Johan Simeon aux percussions et Fred Juan au marimba et aux percussions. Un groupe volontairement en dehors du schéma « guitare-basse-claviers-batterie ».
Leur premier album – épuisé – sors en 1999, et malgré la qualité de celui-ci, ne trouve pas son public.
En 2004, leur premier « vrai » album était à la frontière de plusieurs genres, entre chanson, world-music et progressif.
En 2007, « En Avant Doute » leur a fait faire un grand pas dans le monde du progressif, et « Réponse Incongrue à l’Inéluctable » les confortent dans ce genre.
L’album s’ouvre sur un texte très sombre « Abîme » – qui fait écho à « Mal De Chien » – sorte d’antithèse de « La Valse à Cent Ans » du précédent album: un couple qui ne résiste pas au temps et se sépare, tout simplement, avec ce que cela implique de tourments et de troubles. La musique est très torturée également, avec un énorme travail sur les percussions et la rythmique en général. On sent dans ce morceau toute la maturité du groupe qui a trouvé un son qui lui est propre, un univers.

« Ce gouffre entre nous… abîme… »

Le second morceau est un hymne écologique « On Nous Ment Comme On Respire »: ils reviennent sur le nuage de Tchernobyl qui s’arrête à la frontière française, les OGM sans dangers pour l’homme, les catastrophes écologiques comme l’Erika ou le réchauffement climatique… Des textes admirables, et un refrain qui à vraiment le potentiel d’un hymne, c’est sans doute la chanson la plus accessible de l’album dès la première écoute. Elle mériterait même de sortir en version single sans la seconde partie du morceau, où la musique continue avec les échos du refrain, mixés avec des extraits de discours de Sarkozy, Bush, de journalistes qui parlent de Kyoto ou de la polémique du nuage de Tchernobyl en France… l’ambiance rapelle celle de « Amused To Death » de Roger Waters, avec des voix dans le même style. Après un mois d’écoute quasi quotidienne, c’est toujours ma favorite de l’album.
Vient ensuite « Prendre La Vie Par La Face Nord », un morceau dépouillé, avec quelques accords de mandoline, et un texte touchant en hommage au père de Dominique et Claude. Le final s’électrise, avec des riffs en cascade du plus bel effet. Un très beau morceau, mais qui a quelque chose de je ne sais quoi qui fait qu’il est relativement peu facile d’accès, et qui mérite donc plusieurs écoutes avant d’être pleinement apprécié.
« Aimants » est plus dans le style d’ »Abîme », un morceau très électrique, un refrain entêtant. Mais à la différence d’ »Abîme », le texte, plus énigmatique, semble nettement plus optimiste. Musicalement, il me rappelle énormément « En Avant Doute ».
Le morceau suivant, au titre surprenant « Toujours un Gars sur un Pont », débute par des sons torturés, métalliques, une musique inquiétante… mais sur un chant agréable, surtout lors du refrain qui a la verve d’un single. Et la chanson parle tout simplement des hommes qu’on voit au dessus des ponts… et on se demande ce qu’il y font. Un morceau très bien pensé, avec encore une fois un travail conséquent sur les sons.
Les trois morceaux suivants forment un tout:  « La Belle Noirceur ». C’est le morceau que j’aime le moins pour le moment – peut être celà changera-t-il.
Le prologue installe une atmosphère, avec encore des sons arrangés, bref, du travail d’orfèvre. Ce prologue se ferme sur un arpège de guitare acoustique de Jean Pascal Boffo, un habitué des cercles angéliques. Peut-être est-ce inconscient, mais « La Belle Noirceur » me fait penser à Ange, justement.
Un très beau texte dans tout les cas sur un thème pourtant pas évident, un rythme très bien géré.
J’aime beaucoup le final « Epilogue », avec la guitare (ou la Léode samplant la guitare ?) qui revient pour un solo en fondu, rejoint par ce qui semble être d’ l’accordéon, et des percussions et des cascades de piano en fond. Une fanfare sombre qui s’éloigne…
Et c’est déjà la fin avec « Essentiel », qui porte vraiment bien son nom. Un morceau qu’on imagine dans une boite sur un petit coussin de velours: un bijou.
Une mandoline, la Léode, et surtout la Voix et le texte de Dominique… une douce mélancolie… Un texte à l’interprétation ouverte, qui risque d’évoquer différentes choses selon les auditeurs ou trices.

« Je suis l’ingénu qui se marie au ciel
Je n’existe plus, et c’est bien l’essentiel… »

« Réponse Incongrue à l’Inéluctable » apporte un nouveau petit trésor dans le paysage musical français. Si vous aimez de près ou de loin le rock progressif, Lazuli vous comblera. « Réponse Incongrue à l’Inéluctable » continue sur le chemin pris avec avec « En Avant Doute », avec un style inimitable et une réussite, aussi bien instrumentale que vocale, qui mérite qu’on y prête une oreille ou deux.
L’achat de leur album est vivement recommandé, il est disponible en paiment Paypal sur le myspace et sur le site du groupe. Mais ne vous arrêtez surtout pas là : Lazuli, il faut les voir en live ! Si ils passent dans votre coin faites le déplacement, ne serait-ce que parce qu’il sont bien sympathiques !

le nouveau site web de Lazuli
le Myspace de Lazuli

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IQ a enfin sorti leur nouvel album dont on avait entendu deux titres lors de leur tournée des 25 ans en… 2006 ! L’occasion pour eux de reprendre la route, et donc de repasser au Spirit of 66, où ils sont un peu chez eux.

Les choses ont un peu changé pour eux depuis 2006: tout d’abord Andy Edwards, le batteur, est parti, laissant la place à Paul Cook, celui là même qu’il avait remplacé dans IQ il y a quelques années. Et surtout Martin Orford, le clavieriste et principal compositeur du groupe, a préféré se retirer du monde de la musique et a donc été remplacé par le jeune Mark Westworth.
A la guitare, pas de changement, le tranquille Mike Holmes, accompagné de sa Fender et de ses multiples canettes de bières… mais avec une nouvelle pédale d’effet qui fait plus que ça, j’y reviendrai plus tard.
A la basse, le très talentueux John Jowitt, avec un son très percutant, très bon tandem avec le batteur Paul Cook.
Et au chant, Peter Nicholls, en grande forme vocale, qui a la particularité de me surprendre quand il commence à chanter. Une voix très particulière, vraiment unique.

Le Spirit était assez plein quand nous sommes arrivés, trop en tout cas pour qu’on soit bien positionnés devant la scène pour prendre les photos. Après un verre offert par le Doc et Rednoze, on décide d’investir l’escalier, déjà bien encombré. Compte tenu de la situation, ça sera déjà pas mal si je peux prendre des photos de là…

Le concert débute à 19 h, avec John et Mike qui nous servent ce morceau qui était si prometteur en 2006: « Frequency ». Peter Nicholls entre sur scène après l’intro instrumentale, sous les applaudissements. Un bon morceau, une très bonne ligne de basse/batterie, mais qui demande plusieurs écoutes afin de l’apprivoiser…
Grand sourire sur mon visage (et sur celui de Leslie) avec le morceau suivant : « Erosion » de l’album « The Seventh House ». L’occasion de comparer le travail de Mark Westworth en lieu et place de Martin Orford : c’est bluffant, ce morceau sonne exactement pareil, avec un petit plus, sans doute du au mixage ou à ma position dans la salle, mais les claviers sonnaient très bien.
On continue avec les morceaux qui donnent le sourire avec « The Darkest Hour », avec encore de belles joutes instrumentales, Mike s’amusant avec son nouveau joujou qu’est le Roland VG-99 : cet outil magique permet de générer des impulsions avec la guitare, et la boite transforme ça via un contrôleur midi en d’autre sons. Ce qui permet notamment de jouer un accord, qui va se répéter automatiquement, et de jouer en arpège au dessus, ou de faire passer sa main au dessus d’un capteur, et de faire varier le son avec la hauteur de la main, comme Jimmy Page et son Theremin dans les années 70.

Après un intermède – le plus souvent en français – de la part de Peter, ils jouent une nouvelle chanson : « Stronger than Fiction », et malheureusement je serais incapable d’en parler davantage: je ne connaissais pas la chanson et c’est le genre auquel il faut prêter plusieurs écoutes avant de bien rentrer dedans.
Même chose avec la suivante « Outer Limits », avant de faire une petite pause: la dernière fois en 2006, le concert avait lieu le jour de l’anniversaire de Dean, un membre du staff d’IQ. Hier soir c’était la veille de l’anniversaire de Mike, qui a eu droit a un happy birthday et un gâteau avec les bougies de circonstance, qui a traversé la salle depuis le bar. Beau moment avec un groupe vraiment simple et sympa.
Retour en terrain connu avec le génial « Sacred Sound ». Très bonne interprétation, dont je retiendrai surtout la basse de John Jowitt, qui prend vraiment aux tripes.
C’est encore un nouveau titre issu de « Frequency » avec « The Province » et celui-ci en l’écoutant, je me suis dit qu’il faudra le réécouter attentivement sur CD, et il risque bien de devenir mon favori… plusieurs ambiances dans le même morceau, un peu à la « Seventh House » mais en plus complexe… un bon moment, j’ai hâte de pouvoir le découvrir un peu plus…
Paul, John et Mike partent sur le côté pour laisser Peter et Mark entre eux pour commencer le très beau « Guiding Light », un subtil mariage piano / voix, ensuite rejoint par le reste du groupe, pour un final très rock…
Nouveau morceau de Frequency : « Closer » dont je ne pourrais également pas beaucoup parler, pour les mêmes raisons que ci-dessus.
Peter nous indique qu’il vont jouer la fin de l’album « Subterranea » ce qui a été accueilli par un silence retentissant…là ou Peter s’attendait à des applaudissements… qui ont fini par retentir, « The Narrow Margin » est en effet une bien belle façon de terminer, avec une mention spéciale à Mark Westworth qui s’approprie magistralement les mélodies de Martin Orford.
Salve d’applaudissements nourris et ils partent derrière la scène. On se remémore les rappels épiques de 2006 où on les avait fait jouer 5 rappels… hier ils en ont fait « que » 3, avec le rock’n roll « It All Stops Here », le « Widows Peak » réclamé à corps et à cris par le public et enfin « The Last Human Gateway » dans une ambiance survoltée devant la scène.

Encore un très bon moment passé au Spirit of 66 avec les anglais de IQ. Un groupe fidèle à lui même, se perfectionnant encore après 27 ans de carrière. Leur dernier album semble plus difficile d’accès mais promet de receler de belles pépites. Je parle au conditionnel car je n’ai pas pu l’acheter sur place, toutes les éditions CD+DVD étant vendues… Je le commanderai donc sur le net.
En attendant le prochain album ou le prochain concert…

Merci à Rednoze, le Doc et sa femme pour leur sympathique compagnie (et le verre…)

Cliquez ici pour voir le concert en entier sur youtube grâce à Dokidok qui a gardé les bras levés pendant 2h pour vous !

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Petit rappel: Lazuli est un groupe français, du Gard pour être précis, qu’on ne peut pas classer définitivement: il y a du prog, il y a de la chanson française, il y a des influences « world-music »… il y a surtout 6 musiciens de talent:
- Claude Leonetti, meilleur joueur de Léode au monde.
- Derrière lui, Yohan Simeon, à la batterie / percussions, il a la particularité de jouer debout. A l’occasion il pique la guitare de Dominique.
- Aux marimbas, vibraphones, le tentaculaire Fred Juan.
- Aux guitares ayant trop de cordes pour être normales, Sylvain Bayol.
- A la guitare électrique, le guerrier Massaï Gédéric Byar.
- Et au chant et à la guitare électrique et acoustique, Dominique Leonetti.

Ambiance très détendue, familiale au Spirit, où le concert était programmé à 18h30. La scène est bondée, comme d’habitude, les musiciens disent bonjour aux connaissances dans le public en préparant leurs instruments.

Vers 19h00, c’est parti avec « Laisse Courir », la Warr Guitar est beaucoup trop forte mais c’est réglé immédiatement. C’est impressionnant de voir le calme qui régnait 15 secondes avant, et maintenant ça bouge de tout les côtés, les sons fusent.
Eclairage bleu inquiétant, Dom prend une lampe torche braquée sur son visage en plus du micro, ambiance « Film d’Aurore ». Il balaie le public d’un projecteur, il crie. Encore mieux que la dernière fois.
Ils jouent l’une de mes favorites ensuite « Mal de Chien », qui parle des difficultés de communication dans un couple… des paroles ingénieuses, bien trouvées, une ambiance bien particulière pendant ce morceau, avec la deuxième partie en pastiche de fanfare où Dominique� joue des cymbales tel un automate. Je ne m’en lasse pas.
Encore des paroles qui font mouche avec « Chansons Nettes ».

« Ce sont des chansons nettes, claires comme de l’eau de roche, de trois minutes et des brouettes, pour s’en mettre plein les poches… »

Allumez n’importe quelle radio FM, et voilà vous savez de quoi parle la chanson. En live elle est parfaite, le chant de Dom est tout à tour incisif et mielleux pour coller aux paroles.
Ils enchaînent avec « L’impasse », toujours aussi efficace, ambiance lourde, sonorités très rock. Sur scène ils s’éclatent, sourires complices aux lèvres.
Dominique nous explique qu’il ne sait pas quoi dire entre les morceaux parce qu’il à l’impression d’être en famille, et qu’il ne se voit pas monter sur la table pour faire un discours ou chanter aux repas de famille… et ils enchaînent sur la reprise magnifiée de Ange : « Capitaine Coeur de Miel ». La voix de Dominique donne des frissons, les guitares entretiennent l’atmosphère inquiétante avant de rugir en soutien du solo de Léode. Un grand moment, encore une fois.
Yohan vient au devant de la scène, prend la guitare de Dom sur ce morceau, ce dernier s’appliquant sur le chant et le jeu de scène. Il s’agit du « Repas de l’ogre », dans sa maison blanche de l’autre côté de l’Atlantique. Version encore plus puissante que lors du festival progrésiste à mes oreilles.

Uniquement éclairé par un spot blanc, Claude interprète son solo « Un printemps », superbe titre très onirique, pendant que les autres se préparent pour la suite, il enchaînent directement sur la « La Valse à Cent Ans », que Dominique dédicace à « Max et Leslie »… oui ce soir c’était NOTRE Valse, nous l’avions utilisée en ouverture du bal à notre mariage, et Dominique ne l’a pas oublié. Ce qui a eu pour effet de refaire pleurer Leslie comme la dernière fois. Et le morceau était magnifique, comme toujours. Merci Lazuli pour ce grand moment qui restera gravé dans nos mémoires !
Je redescend sur Terre pour mieux regrimper à « L’arbre ». La voix de Dom est toujours aussi impressionnante sur ce titre. Le public est connaisseur, déjà acquis à la cause Lazuli, donc l’ambiance est des plus agréables. Et on ne se fait pas prier quand Dominique nous propose d’écouter un morceau qui sera sur le prochain album…
D’ordinaire je déteste découvrir de nouveaux titres en concert – ça ne m’avait pas réussi au dernier concert d’Ange – mais avec ce qu’ils nous ont présenté, c’est terriblement frustrant de ne pas pouvoir réécouter ça chez soi. Le titre présumé, « On ment comme on respire », est un long morceau en plusieurs mouvements, aux paroles intelligentes, au refrain écolo facilement mémorisable et qui trotte dans la tête, et avec un passage dans le plus pur style « Roger Waters » où on entend les voix d’hommes politiques aussi divers que Sarko et W. se mélanger, dire des énormités, des contre sens… à coup sur un des futurs grands moments de leur prochain album. J’ai hâte.
Et ils récidivent avec un morceau plus calme (du moins au début), dédie au père de Dom. Ce dernier s’assit au milieu de la scène sur un petit tabouret avec une petite mandoline électrique, et ils commencent doucement « Prendre la Vie par la Face Nord ». A mes oreilles c’est un morceau magnifique, mais qui nécessite plusieurs écoutes pour l’apprécier pleinement sans être dérouté. Des paroles très imagées, un son subtil et une final très électrique. Pour l’instant 2/2 pour les nouveaux morceaux.
Retour en arrière avec l’hypnotique « Amnésie » où Fred et Sylvain jouent du vibraphone. Le chant mesuré de Dom nous berce, et ils enchaînent sur « Cassiopée », autre grande réussite dans la veine très « prog »: plusieurs mouvement, final instrumental… un régal.

Les Lazuli font semblant de repartir en coulisses – non mais vous croyez quoi ? que c’est déjà fini ? – et reviennent avec « En Avant Doute »: le départ très calme, un fond sonore très électro, le refrain qui réveille. Une valeur sûre en concert.
Et c’est reparti pour des nouveaux titres ! On ne s’en plaint pas. Ils commencent par un instrumental très « Rock’n Roll » ou Dom saute d’un bout à l’autre de la scène et ils enchaînent sur un titre aux sonorités plutôt métal « Aimant ». Les paroles semblent assez tristes, mais il me faudra réécouter ça, être au bord de la scène a des avantages photographiques, mais côté son, c’était trop fort sur ce morceau.
Une dernière nouveauté… qui va devenir un de mes préférés de Lazuli : »Essentiel », un morceau calme, Dominique à la mandoline en duo avec Géd, rejoints par Fred par la suite. Un texte qui fait mouche, une mélodie magnifique…. vivement le nouvel album.
Et c’est – déjà ! – le final, avec le désormais rituel solo de Marimba: ils jouent tous les 6 dessus, fabriquant une mélodie au fur et à mesure, Fred improvise sur « I just Can’t Get Enough », les autres chantent dans les micros du marimba, c’est du grand n’importe quoi… et ils arrivent sur le devant de la scène, Ged entraine le public à gauche, Dominique à droite, un final familial avec la participation du public. Les applaudissements ne se feront pas attendre pour cette magnifique prestation et un concert qui restera encore une fois dans les mémoires.

Lazuli sur scène, c’est quelque chose à voir. Et à revoir. D’autant plus au Spirit. Les nouveaux titres qu’ils ont joué ce soir sont très prometteurs, sont dans la lignée de ceux de « En avant doute ». un groupe chaleureux qui prend un réel plaisir à jouer sa musique et la partager avec son public. Ils feront une mini tournée en décembre en première partie du groupe Riverside. Ils passeront par Paris et Verviers à nouveau (mais pas au Spirit). Ils en valent le déplacement. On reviendra (encore !).
Sans oublier le futur album…

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La Scène Vauban se situe dans la citadelle de cette petite ville à la frontière entre le Nord et le Pas de Calais. La salle est assez bien faite, on décide, pour une fois de faire le concert assis à l’étage, juste devant sur la gauche. On voit la scène à travers une vitre qui sert de rambarde. J’y reviendrai.
La salle se remplit, les places assises sont toutes prises et la fosse est bien remplie, la moyenne d’âge est quand même assez âgée – c’est pas pour se moquer, juste un constat.
La première partie commence avec 20 minutes de retard, c’est un trio dont je n’ai pas compris le nom – en fait j’ai pas compris un mot de ce qu’il a dit – qui joue du bon vieux rock’n roll des années 60 style Elvis, Little Richard ou Chuck Berry. Pourquoi pas, mais 5 minutes ca passe, au bout de 3/4 d’heures avec l’impression d’entendre 15 fois le même morceau, ça commence à devenir long. Et si vous vous souvenez des extravagances des Forbans, c’était la même chose avec le chanteur / contrebassiste, qui jouait dessus, dessous, la faisait tourner, la lançait… très extravagant. Passons.
Le concert d’Ange débute enfin vers 22h, directement avec un nouveau titre de « Souffleurs de Vers » : « Tous les Boomerangs du Monde ». Morceau pas mal, mais qui rend nostalgique du Ange d’il y a longtemps… le groupe a changé depuis, et leurs compositions aussi. C’est le reproche que j’ai vis à vis de l’Ange d’aujourd’hui: je n’adhère pas à leur compositions, que je trouve dénuées d’inventivité, d’aisance musicale.
Mais en live ça passe. Le charismatique Christian Décamps assure toujours aussi bien son rôle de leader du groupe/gourou des fans. A la guitare Hassan Hajdi est toujours au poste, avec son look de samouraï et son jeu énergique. A la basse, Thierry Sidhoum a troqué sa panoplie de « bassiste des campagnes » du Tour de la Question pour un costume des plus classes, petites lunettes Lennon noires et catogan. Et c’est toujours un excellent musicien, qui fait bien la paire avec le discret Benoït Cazzulini à la batterie. Discret dans le sens vestimentaire, pas dans son jeu au contaire très présent, et toujours aussi nickel. Tristan Décamps assure les claviers et le chant, lui aussi en costume classe avec cravate et cheveux à la Edward Scissorhands. Sans oublier Caroline Crozat, au chant, aux percussions et même à la batterie sur un morceau. Et surtout omniprésente scèniquement. Elle se fait sa place, bien plus que sur le Tour de la Question.

Le gros problème c’est le son. Je pense que c’était largement dû à la place qu’on occupait: une plaque de verre devant nous, un plafond en chapiteau en bois, autant d’ingrédients pour avoir un son très étrange. Sur les morceaux très « rock » – comme « La Gare de Troyes » – on entendait de la bouillie sonore. Déjà que je ne connaissais pas cette chanson, ne rien comprendre ne m’a pas aidé à l’apprecier.
Par contre grand sourire sur le morceau suivant: « Exode » du chef d’oeuvre « Au Delà du délire », que j’espérais voir un jour en live. Rien à redire, c’est magique, le duo basse/batterie fonctionne à merveille, Hassan fait un solo « à la Hassan », Caroline danse avec un roi spectre… Le meilleur moment du concert pour moi.
On repars sur « Souffleurs de Vers » avec « Dieu est un escroc ». Christian parle plus qu’il ne chante sur le début du morceau, il y a une ligne de synthé minimaliste en fond. On dirait une tentative pour être dans le coup. Ca passe mieux en live que sur l’album c’est déjà ça.
Pendant ce temps, Caroline s’assied pour lire le journal, se lève pour chanter un peu, déchire son journal, fait des boulettes et attaque la foule avec son lance pierre. On s’amuse bien et le temps passe plus vite du coup, ça évite l’ennui.
Nouveau retour dans le passé avec le sutil « Aurealia », Benoît sort de sa cachette (« Oh on voit le batteur ! ») pour jouer des percussions, éclairé par une petite lumière rouge, Caroline s’assied à la batterie, Thierry et Hassan se calment, et Christian interprète ce petit bijou de la grande époque… Un autre très bon moment.
Nouveau morceau totalement inconnu pour moi, assez bruyant, j’ai même pas pas pu discerner une phrase pour faire une recherche Google avec le titre… ca parlait d’un homme animal et Christian nous a exhibé sa bedaine… Marrant mais musicalement j’ai déjà oublié à vrai dire. C’est toujours mieux de connaître un morceau quand on va à un concert, mais 32 albums ca en fait des morceaux à connaître!

Tout le monde part en coulisses pour laisser Tristan et ses claviers et « Les Nouvelles du Ciel », ballade tristanesque de « Souffleurs de Vers ». Tristant m’impressionne toujours quand il chante, un timbre de voix vraiment à part qui peut agacer à la première écoute. « Harmonie » lors de la tournée précédente était un grand moment, ses interprétations du « Bal des Lazes » de Polnareff sont entrées dans la légende. Mais « Nouvelles du Ciel » c’est autre chose. Aucun reproche au niveau du chant, c’est Tristan. Mais le texte gâche tout. Moi qui accorde autant d’importance au texte qu’à la musique, je suis très déçu par ce morceau: je trouve qu’il manque de finesse, de poésie. C’est limite celinedionesque. Qui aime bien châtie bien, même si je sais que c’est totalement subjectif.
C’est au tour de Caroline de faire « son » morceau. Et accessoirement mon préféré de « Souffleurs de Vers » : « Coupée en Deux ». Comme à son habitude, Caroline ne se contente pas de chanter ce titre, mais elle l’interprête de tout son corps. Excellent en live, avec l’accompagnement calme qui va crescendo. On en redemande.
Et un autre titre inconnu pour moi, dont je n’ai pas non plus saisi les paroles. Je crois que ca parle d’un fou, Christian en l’occurence, qui a trop bu et tente de marcher droit sur la scène alors que Caroline le mène à la baguette de majorette. N’ayant rien compris aux paroles, forcément des subtilités doivent m’échapper.

Un titre plus intéressant de « Souffleurs de Vers » avec « Les Beaux Restes ». Morceau dynamique sans tomber dans le « riff-sur-riff », avec Christian et Tristan au chant, celui-là c’est mission accomplie, il marche très bien.
Les angelots partent en coulisses pour se faire désirer, et reviennent pour les rappels. Christian s’amuse à frustrer le public, en expliquant que tout le monde doit se dire « Ah j’espère qu’ils vont jouer ça ou ça… », que lui faisait ça quand il allait voir Yes quand il était jeune – déjà la il me frustre – et il a reussi son coup en disant « Par exemple, ca serait bien qu’ils jouent « Ode à Emile »… et de reprendre deux secondes plus tard « Mais on le fera pas ». Fausse joie immense, mais je me marre de bon coeur, je me suis fait avoir en beauté. Il réitère le jeu à propos de « Hymne à la Vie », mais là je ris moins parce que je le voulais vraiment celui-là. Et je rigole plus du tout quand il dit « Fallait venir y’a trois ans, sinon, ben, dans le cul » et que faut jouer des morceaux qu’ils ne jouent pas souvent.
Une reflexion s’impose : est-ce qu’Ange se considère suffisament aimés de leur public de cinquantennaires, ou est-ce qu’ils sont ouverts aux nouvelles générations ? Personellement, j’ai trouvé ça limite irrespectueux, du genre « t’es trop jeune vas te coucher ». Il y a les imbibés qui ne jurent que par Christian Décamps (jusqu’à mettre sa tête sur les tickets pour acheter des sandwiches, si c’est pas du culte de la personalité, qu’est-ce que c’est…) et il ya ceux qui sont arrivés après, qui ne comptent pas. Quel dommage qu’ils vivent leur aventure angélique en autarcie, la partager serait tellement plus agréable, et surtout, cohérent avec l’image qu’ils veulent donner.

Mais bon, il y aura toujours des gens pour dire « Non les vieux titres on les connait par coeur » ou « Non faut jouer les classiques je viens pour ça » et dans tout les cas il y aura des mécontents. J’en suis sur ce coup là, même si j’aime bien « Le Soir du Diable », composé sur une des plus belles plages du sud de la France à Calais…
Et « Les Noces », avec Christian en veston et haut de forme, c’est pas mal, enfin surtout le début, la seconde partie étant moins inspirée à mon goût. Sur scène c’est du grand n’importe quoi quand la fameuse « pucelle falsifiée » entre en scène sous forme de poupée gonflable, et que M. et Mme Ange (Caroline et Chrisitian) présentent leur fille sur un podium en riant de façon mondaine… c’est Ange ! Mention spéciale à Benoît, qui a assuré admirablement.
Le final sur le plus récent « Ballon de Billy », que je ne supportait pas avant, et que j’apprécie beaucoup maintenant. Un refrain entraînant, une chanson pop sur un texte pas drôle, Chrisitian qui hurle « Billy », ca rend bien.

Bilan: j’aime pas les Critiques payés pour massacrer des artistes. Et quand je me relis j’ai l’impresssion d’en faire partie. Alors que c’est absolument pas mon but, Ange est un groupe passionné, passionnant, mais qui a ses défauts. Je pense être plutôt bon public, si vous lisez les autres compte rendus de concerts, je pense que ça se vérifie. Mais une fois de plus, qui aime bien châtie bien. Pour moi c’était un concert en demi teintes, de bons moments (Exode, Aurealia, Coupée en deux, Les Beaux Restes, Les Noces…) des nettements moins bons (La Gare de Troyes, bruyant et peu entraînant, Les Nouvelles du Ciel, qui m’ennuient, Dieu est un Escroc, les titres inconnus qui m’accrochent pas du tout…), mais ça ne m’empechera pas de retourner les voir, qui sait pour pêcher un deux vieux titres.

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Les photos du concert sont ici

De retour dans la meilleure salle de concert du monde pour voir Lazuli, le groupe de frenchies qui ont apporté du neuf dans la Musique, et c’est pas une chose qu’on voit tous les jours ! J’avais déjà parlé ici de « En Avant Doute » leur dernier album sorti au début de l’année. Ils passaient au Spirit of 66 pour le festival Progresiste aujourd’hui, on n’hésite pas longtemps avant d’y aller.. Lazuli c’est très difficile à décrire. Mais quand on prend le temps d’écouter leur univers, on tombe sous le charme. En live c’est pareil. En mieux.

Nous étions au premières loges devant la scène, juste au milieu. Il règne un bazar organisé sur la scène avec, pêle mêle : deux guitares électriques, une guitare 12 cordes, une Léode, des percussions, un metallophone, un marimba, deux vibraphones, des cymbales et une Warr Guitar. Ceux qui sont déjà allés au Spirit imaginent à quel point la scène devait être encombrée.
A 15h pile – oui c’est tôt, mais c’est un festival – les Lazuli entrent sur scène: des look d’extra-terrestres, mais des sourires et une sensibilité très humains.

A la Léode on trouve son unique jouueur au monde et aussi inventeur : Claude Leonetti. Suite à un accident de moto qui l’a laissé paralysé du bras gauche, ce guitariste s’est reconverti dans la production avant d’inventer un clavier/guitare/scie musicale/sampler/bout de bois. Regardez la photo ce sera plus simple à comprendre.
Derrière lui, aux percussions diverses et occasionellement à la guitare, Yohann, un style de jeu unique, toujours debout, précis et impitoyablement aux petits oignons avec ses sons.
A côté au centre, son tentaculaire collègue Fred s’occupe du marimba, du vibraphone et des percussions inoccupées. Indispensable au son « Lazuli », avec le côté onirique de ses instruments.
A droite de la scène au fond, c’est Sylvain, que la nature a dôté de 28 doigts d’après Dominique, et qui joue donc de la Warr Guitar, qui ne compte pas moins de 15 cordes, et qui se joue en slap, en pizzzicato, au médiator… on fait de tout avec, mais faut encore savoir comment, c’est justement le cas de Sylvain…
Devant lui à la guitare électrique plus conventionelle, Ged, avec son look de Maori spatial, et qui joue fabuleusement avec son style bien à lui, un son de guitare qu’on n’entend pas tous les jours.
Et enfin, au centre, aux guitares et à la Voix, Dominique, qui emmène leur musique dans les contrées magiques. Un timbre unique, une voix haut perchée claire et d’une candeur émouvante.

Lazuli est composé de Musiciens, ils savent ce qu’ils font et rien n’est laissé au hasard, finalement peu de place est laissée à l’improvisation. Je ne sais pas vraiment si c’est un bon point ou un mauvais, personnellement leur musique est tellement inventive et riche que d’entendre en live ce qu’on entend sur le CD ne me gène absolument pas. En fait j’ai l’impression que le concert a duré un quart d’heure.

Ils ont débuté avec « En Avant Doute », avec un départ très calme et la libération des sons au bout d’une minute, ça tourbillone de partout. Le son est nickel, on est au Spirit. Dominique, concentré, chante les yeux fermés. Des frissons m’ont parcouru l’échine lorsqu’il est monté dans les aigus et que je me suis dit « ah oui c’est comme sur le CD ».
« Chansons Nettes », j’adore toujours autant les paroles. La version live est parfaite, très énergique, les percussions de Yohann et Fred ne sont pas juste là pour le tempo, c’est la Musique à part entière.
Ensuite c’est un « Laisse Courir », le style Lazuli par excellence: intro à la Léode, électrification ensuite, des textes intelligents un chant haut perché, la Warr Guitar qui emmène tout ça… et final à la Léode hors de contrôle: génial.
Ils enchaînement sur un titre plus ancien de leur album précédent « Amnésie » : « Une Ombre au Tableau » : un morceau plus direct, moins « progeux », mais aussi excellent, surtout en live. Ce qui se confirmera par la suite en ce qui concerne les titres d’ »Amnésie ».
Nouveau jeu de mots savoureux avec « Film D’Aurore », Dominique joue avec une lampe torche pour faire peur. Un morceau que j’aimais un peu moins que les autres, mais je réalise en écrivant le compte rendu que j’y ai pas fait attention du tout en live. Tout était bon. Je suis déjà nostalgique du rythme étrange, de l’ambiance sombre et électrique de ce morceau.
Retour en arrière sur « Amnésie » avec « Un Hiver ». un de mes titres préférés de cet album, mais ils sont nombreux. Rien que le début est excellent avec le duo de percussions. Les changements de sons peuvent dérouter, mais c’est Lazuli: du prog qui passe tout seul.

« Mal de Chien », toujours du même album, un must en live. Déjà c’est un excellent – je vais chercher un dico des synonymes, je me répète – texte sur le couple qui bat de l’aile:

« Ils ne se parlent plus, ils s’aboient… Que sont ils devenus, les doux mots d’autrefois ? ».

Premiere partie calme, deuxième partie avec Dominique qui joue des cymbales avec la démarche raide d’une marionette sur une musique à mi-chemin entre le cirque et la marche militaire. C’est en video sur le DVD bonus de « En Avant Doute ». A voir absoluement.
Yohann prend la guitare que Dominique délaisse pour « Le Repas de L’ogre », fresque genesisesque sur un gros ogre qui vit dans une maison blanche de l’autre côté de l’Atlantique. Les lumières s’assombrissent, Dominique occupe la scènequi se teint en rouge, là encore un grand moment de live.
C’est ensuite « L’impasse » et son rythme superbement inhabituel et les vers à 7 pieds, Dominique martèle son texte, le groupe chauffe la forge. Et au final, une belle oeuvre d’art.
Le morceau suivant est chaudement accueilli par les fan d’Ange venus en nombre : il s’agit de la reprise qui surpasse l’original de « Capitaine Coeur de Miel ». Dominique monte sa voix, Ged, Claude, Sylvain, Yohann et Fred s’approprient le morceaux et le magnifient. J’etais venu pour ça, j’en ai pour mon argent. Petit clin d’oeil de Dominique en direction de mon t-shirt Ange pendant la partie instrumentale.
J’ai à peine le temps de me remettre de ce morceau que Fred joue les premières notes de « La Valse à Cent Ans ». Une chanson d’Amour à 10 millions de kilomètres des clichés habituels. Dominique parle d’un couple qui se voit vieux dans 50 ans, mais dont l’amour sera toujours le même.

« Ce n’est que sur nos visages, que les années laissent les traces de leur passage, nos coeurs, auront vingt ans, éternellement ».

Il chante les yeux fermés, et Leslie me serre la main très fort, les larmes aux yeux. Les paroles, touchantes, ne peuvent qu’émouvoir, et comme ce morceau a une valeur particulière pour nous, ses larmes n’ont pas résisté très longtemps. Un photographe a tenté LE cliché, j’espère le voir un jour… Dominique, lui, a ouvert les yeux peu avant la fin, et il a vu l’état de Leslie, ce qui l’a fait à la fois sourire mais aussi perturbé ! Il nous a confié après le concert que s’il avait ouvert les yeux plus tôt, il ne sait pas si il aurait été capable de terminer le morceau… Un très beau moment, sans doute LE moment pour nous.
Retour à une ambiance plus joyeuse avec « Nos Voix se Mélangent », au refrain pop entraînant, et au final en crescendo instrumental. Ils en profitent pour broder un peu par rapport à la version album, et jouent avec le public. 10 minutes qui semblent n’en durer que deux.

Le « tube » ensuite, « L’Arbre », le morceau qui m’a fait découvrir Lazuli sur le DVD des imbibés d’ »Un Pied Dans La Marge » 2006. Dominique pousse sa voix dans ses derniers retranchements, la Léode étincelle. Fred passe au Djembé pour le final, là encore rien à redire. Vous l’écoutez en ce moment si vous avez appuyé sur « play » en haut.
Dernier morceau d’ »En Avant Doute », un de mes préférés aussi… « Cassiopée ». La partie instrumentale finale est vraiment superbe, je me répète, mais la qualité des morceaux joués est vraiment très peu variable: toujours au top.
Et final parfait avec « Amnésie », sa mélodie hypnotique, le chant sussuré, le vibraphone qui emplit l’espace… belle fin de voyage, puisqu’ils partent en coulisses, et reviennent aussitôt sur scène, tous armés de baguettes, et s’attèlent tous les six au vibraphone. Ils construisent un rythme, une mélodie à six, puis Fred passe à un autre vibraphone, et ils quittent chacun leur tour l’instrument pour venir nous applaudir avec leur baguettes, au devant de la scène. Un rappel style Lazuli, forcément original.

Mais on en restera là , festival oblige, ils ne peuvent pas déborder, il faut démonter leur attirail hétéroclite pour laisser la place au groupe suivant.
Mais ils prendront le temps de signer leur albums et de discuter, tout ça avec le sourire ! Merci encore à vous messieurs…

Résultat: un des meilleurs concerts de tout les temps. Rien que ça. C’est passé très très vite, c’était magique, il y a eu du rire et des larmes, et surtout six musiciens d’exception, des pros, qui apportent leur monde bien à eux sur scène, mais dont les portes sont grande ouvertes et qui le partagent chaleureusement avec le public. Même s’ils ne l’ont malheureusement pas jouée, « Merci » à Lazuli, au festival Progresiste et au Spirit pour ce concert. Lazuli, venez en France maintenant, on sera là … ou revenez au Spirit, on y sera aussi !

Site Officiel de Lazuli
MySpace de Lazuli

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Porcupine Tree est un groupe de rock progressif bien à part. Steven Wilson a débuté en 1987, faisant des démos tout en participant à 40 autres projets en même temps, et le groupe a vraiment démarré en 1993 avec l’arrivée de Richard Barbieri aux claviers, Colin Edwin à la basse et Chris Maitland à la batterie. Au départ, leur musique était dans la lignée du Pink Floyd des années 70, époque Meddle. Très atmosphérique, psychédélique. Peu à peu, emmené par la passion de la production qui anime Steven Wilson, le groupe traverse plusieurs genres, touchant à l’électronique, un rock plus simple, quelques expériences pop, deux albums très métal jusqu’au petit dernier « Fear Of a Blank Planet », qui, même si la dominante reste largement métal, fait un peu la fusion de ce qu’ils ont fait ces 15 dernières années.

Comme je l’ai déjà dit, le groupe est emmené par Steven Wilson, qui contrairement à nombre de musiciens, ne préfère pas la scène au studio, lui son truc, c’est la production. Et dans ce domaine, il est adulé. Des groupes et des artistes aussi variés que Anja Garbarek, Marillion, Anathema, Opeth, Yoko Ono, Fish et même notre Ange national sur l’album Culinaire Lingus ont fait appels à ses talents !
Mais ce n’est pas tout. Steven Wilson fait aussi partie des groupes no-man (plus mainstream que Porcupine Tree) Bass Communion (très expérimental), Blackfield (rock pop en duo avec Aviv Geffen), IEM, Headphone Dust…
La question que tout le monde se pose : quand dort-il ?
Steve Wilson assure donc la guitare, quelques claviers et le chant.
Porcupine Tree ne serait pas ce qu’il est sans le clavieriste Richard Barbieri, ancien membre du groupe Japan, qui apporte un son tout à fait unique au groupe avec ses claviers finement mis en avant (même derrière deux guitares sur-saturées…).
Colin Edwin assure la basse, épaulé par Gavin Harrisson à la batterie, deux pointures, aucun défaut et quelle virtuosité…
La cinquième branche de l’arbre est le second guitariste John Wesley, qui épaule le groupe en concert depuis leur tournant « métal ».

Mais attention, quand je dis « métal », je ne parle pas d’un groupe de braillards qui saute partout avec les guitares qui produisent directement du 220 volts sonore.
Non.
Ici, certes les guitares sont saturées de distorsion, mais avec panache… et Steven Wilson n’a rien d’un braillard, bien au contraire, ses prouesses vocales et son physique auraient pu faire de lui une star de la pop s’il n’avait choisi une voie aussi peu médiatique que le progressif…

Splendid de Lille, 17h : personne. Je patiente devant les portes, les gens arrivent vers 18h30. Beaucoup de jeunes mais aussi des plus âgés, beaucoup de « chevelus », des t-shirts « Pink Floyd »… Porcupine Tree attire des gens d’horizons différents.
Vers 19h, Steven Wilson passe devant moi derrière les portes, rejoint par… Christian Décamps, PDG d’Ange. Les deux amis parlent tranquillement (peut être de projets communs ?) en prenant une bière au bar, pendant qu’on s’impatiente.
Quand les portes s’ouvrent enfin, je prend possession de mon pass photo, qui ne sont autorisées que pendant les 3 premiers morceaux. C’est dommage, les meilleures photos ne se font pas au début, mais c’est mieux que rien.
Leslie ayant reussi à garder une place juste devant les barrières, on est très bien placés, un peu à gauche de la scène.
La salle se remplit très vite, je me met sur le côté pour pouvoir me mettre dans le (petit) espace réservé aux photographes.
Le brouillard commence à envahir la salle, et la première partie entre sur scène. Il s’agit de « Pure Reason Revolution ». Je ne pourrais pas dire grand chose sur ce groupe qui m’a pas mal ennuyé. Leur musique est un rock métal avec beaucoup de claviers pour faire style electro/années 80/métal. Le gros problème était le son, très fort, très gras, on n’entendait pas le chant. Pas terrible en ce qui me concerne. Je patiente.
Il terminent rapidement, pas beaucoup de communication avec le public, un « thank you » peut être. Ils laissent la salle dans une brume digne d’un hammam. La chaleur en est proche aussi, comme souvent au Splendid. Plusieurs personnes sont tombées comme des mouches dans le public, la sécurité en a évacué 4 dans les premiers rang en quelques minutes. Les bouteilles de cristalline ont vite circulé.

Je me replace sur le côté en attendant l’entrée de Porcupine Tree. Quand les lumières s’éteignent, je me précipite devant la scène, les photographes sont nombreux, et les places sont chères.
L’écran derrière la scène diffuse des images du clip de Fear of a Blank Planet, Richard Barbieri prend place aux claviers, suivi par les autres musiciens.
Et ca commence très fort avec le titre du dernier album « Fear Of A Blank Planet ». Etonnamment, les guitares rugissent, le son est toujours aussi fort, mais on entend parfaitement bien par rapport à la première partie. Tant mieux.
Je ne profite pas vraiment des trois premiers titres, étant donné que je mitraille un maximum pour pouvoir sélectionner les meilleurs clichés.
Steven Wilson n’a pas la dégaine d’un métalleux, loin s’en faut. Cheveux blonds cendrés longs jusqu’aux épaules, petites lunettes à monture métallique discrète, chemise noire, jeans et pieds nus…et il boit de l’eau. Par contre il secoue la tête, difficile de voir son visage cachés derrière un rideau de cheveux.
Il joue sur une PRS de toute beauté, couleur vert turquoise foncé, avec le fameux manche incrusté d’oiseaux. Le son qu’elle délivre est clair, précis, et il est plus que bien épaulé par John Wesley sur une Gibson. Les deux guitaristes assurent tour à tour la rythmique ou le solo, on n’est pas dans un schéma « je suis le leader et vous m’accompagnez ».

C’est là la force d’un groupe de progressif (même si Steven Wilson refuse cette étiquette maintenant) : chaque membre est aussi important, et surtout dans le cas de Porcupine Tree, tous sont virtuoses.
Après quelques mots en français issus de ses cours au collège (« Bonsoir…Il fait chaude ! »), Steven Wilson prend une guitare acoustique et ils jouent « Lighbulb Sun » de l’album éponyme. Plus calme, mais non moins énergique. Les passages doux précèdent d’autres beaucoup plus rock, là encore rien à redire, ils assurent.
Steven Wilson laisse sa guitare et se met à un clavier, ils vont jouer « My Ashes », le titre le plus doux du dernier album. La scène s’assombrit, Steven chante a merveille, ce titre étant un superbe exemple de ce qu’il sait faire sur la version CD… sauf qu’ici, c’est John Wesley qui assure la plus grande partie des chants, et il n’a rien à envier à Steven Wilson de ce côté, tout deux ont de superbes voix claires et évocatrices. Magnifique en live.

Après avoir repris place devant la scène mais derrière les barrières cette fois, je range l’appareil photo et je redécouvre la scène d’un point de vue plus normal. Pas étonnant que je n’ai pas vu Gavin Harrisson derrière sa batterie, il est barricadé derrière ses fûts et pourrait tenir un assaut.
Le morceau suivant est sans doute l’un des grands moments du concert : le fameux « Anesthetize » de 17 minutes, avec son intro rythmée par le duo basse-batterie, un passage très métal avec les deux guitares qui prennent aux tripes, les effets d’échos nous hypnotisent, Barbieri gère tout ça discrètement mais efficacement.
Le refrain, entraînant, est repris par le public, Steven Wilson se lâche. Et il troque sa PRS pour une Gibson Gold Top du plus bel effet pour le final en douceur de ce morceau magistral. Les applaudissements sont à la hauteur de la prestation.

On reste dans le registre heavy-metal avec le riff d’introduction de « Open Car ». Les chevelus qui n’avaient pas encore écouté le dernier album se réveillent et font les dindons de la tête, certains de façon assez ridicule… Steven Wilson, toujours en grande forme, est en osmose avec le public sur le refrain. Très vivant ce concert.
On se calme un peu avec « Gravity Eyeslids », morceau que j’affectionne moyennement. La version live est bien, sans plus. Steven Wilson mime les paroles avec la main, il est possédé par leur musique.
Il reprend le micro pour nous annoncer qu’il vont jouer une chanson issue d’une face B (en l’occurence de la version 2CD de « In Absentia ») : « Drown With Me ». Morceau un peu plus « simple » que les précédents, mais à la mélodie efficace.
Ils ne tardent pas à revenir dans un registre plus métal avec « Blackest Eyes », que le public connait par coeur, la encore, ça ce secoue la tête en fermant les yeux dans le public, sur scène ca bouge pas mal aussi, ils s’en donnent à coeur joie.
Lorsque Richard Barbieri lance l’ambiance du morceau suivant je frémis… je crois reconnaître mon morceau favori du groupe, « A Smart Kid » issu de l’album « Stupid Dream » en 1999… je ne pensait pas qu’ils joueraient ça mais… si !
C’est superbe, à la hauteur de la version studio, le chant de Steven Wilson est superbe, tant au niveau justesse que du phrasé (« There was a war but I must have won »), le pont dramatique est superbe également, Richard Barbieri domine largement ce morceau, rien que pour celui là je ne regrette pas d’être venu… et comme le reste n’est pas mal non plus, le bilan s’annonce des plus satisfaisants.
Sauf que Steven Wilson juge que ce n’est pas assez, et seconde surprise : « Sever » de l’album Signify de 1996 ! Le morceau le plus rock de cet album, qui a gagné en nervosité avec l’âge. La version qu’ils jouent est dopée, puissante, toujours en gardant cette justesse du chant, ce qui fait la beauté de leur musique. Encore un grand moment.

Petite pause pour nous annoncer qu’ils vont jouer les deux derniers titres de « Fear Of a Blank Planet » : « Way Out Of Here » et « Sleep Together ». L’occasion de parler des paroles chez Porcupine Tree. Elles ne sont pas vraiment joyeuses, le thème du dernier album étant l’avènement d’une nouvelle jeunesse nourrie au net, à l’ipod, la xbox, la pornographie et les médicaments puissants. Le thème de l’adolescence, ses rejets, sa rebellion sont là, sombres, ambigus. Les projections pendant « Way Out Of Here » montre une jeune fille style gothique qui marche a côté de voix de chemin de fer, qui détruit son univers jusqu’à prendre une petite pillule. Joyeux n’est-ce pas ? Une manière pour Porcupine Tree de toucher un nouveau public ou thème comme un autre ?
« Way out Of Here », fignolée en studio avec l’aide de Robert Fripp le Grand, marche encore mieux en live. Le refrain, qui a tendance à un peu trop couper le rythme du morceau sur la version album, passe ici très bien, chanté par John Wesley. Les ambiances électroniques de Richard Barbieri sont nickel.

Par contre sur « Sleep Together », moment d’anthologie sur la version album avec un solo de clavier qui rapelle « Kashmir », ne rend pas aussi bien en live de ce côté, mais il vaut le coup d’oeil pour la prestation phénoménale de Gavin Harrisson à la batterie. Les claviers ne s’entendaient pas assez bien de la ou j’étais, mais après tout, le premier rang ne peut pas avoir que des avantages.

Et c’est la fin,et sur quel final ! Ils repartent en coulisses, un technicien débarasse le clavier de Steven Wilson, et ils finissent par revenir sur scène pour le désormais classique « Even less ». Même s’il s’agit de la version courte, elle est terriblement efficace, là encore le public chante avec Steven Wilson. On croise les doigts pour que ce ne soit pas le seul rappel… et ils enchaînement avec « Mother & Child Divided », instrumental très heavy metal, avec un gros riff bien comme il faut, et ils concluent cette soirée avec « Halo », dans le même style, ce qui en fin de compte fait pas mal de titres de « Deadwing », leur précédent album.
Ils quittent la scène en remerciant le public, et vice versa.

Le métal ca peut être bien. Il suffit pour cela de prendre un groupe aussi talentueux que Porcupine Tree, avec un chanteur aussi doué que Steven Wilson, et on passe un très bon moment. La puissance de leur musique est phénoménale, et pas seulement artistiquement: prévoyez des bouchons filtrants si vous allez les voir : avec les miens je trouvais toujours le son très fort. Faites gaffes à vos cellules cillées, ce sont les seules cellules du corps qui ne se renouvellent pas, une fois perdues, vous perdrez de l’audition !
Un groupe vivement recommandé, aussi bien aux progreux qu’aux métalleux, leurs univers se croisant sur scène.

Merci beaucoup à Jérôme chez RoadRunnerRecords France, Amélie et la sécurité au Splendid qui m’ont permis de faire les photos qui seront bientôt ici.

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Si le côté « blog narcissique » vous emm… profondément, vous pouvez sauter le prochain paragraphe. Si vous avez du temps à perdre, lisez comment j’ai découvert Genesis, et pourquoi cette soirée était spéciale pour moi.

En retournant quelques années en arrière, alors qu’il n’y avait pas encore de lecteur CD chez moi, mon père avait eu en cadeau un CD de Phil Collins : « Serious Hits Live ». Le jour ou on m’a offert un lecteur CD pour mon passage en sixième, je me souviens être resté à genoux en écoutant religieusement ce bijou de technologie qu’est le CD. « One More Night » était ma favorite. Après un détour par les Beatles pendant 2-3 ans, j’ai voulu avoir en CD la chanson qu’ils passaient tout le temps sur RTL2, celle ou il crie « Aaaaiiillleee can’t Dance ». J’adorais ça. J’ai découvert toute la discograpie solo de Philou. Ca m’a pris du temps, un CD représentait quelque chose pour un collégien à l’époque, il ne suffisait pas de télécharger et d’écouter avec Winamp.
Quand j’ai eu toute la discographie, j’étais pas plus avancé. Enfin si, j’ai découvert le Phil Collins qui ne passe pas a la radio, et de belles pépites (We Fly So Close, Lorenzo, une passion pour la batterie…) mais pas de « Aaaiiiille can’t Dance ».
Genesis ? Ah oui c’est un groupe ou il a été… oui pourquoi pas…
Miracle le saint Graal est sur l’album qui s’apelle judicieusement « We Can’t Dance » !
Internet a changé ma vie, je ne passe plus deux ans a trouver un CD.
We Can’t Dance c’était pas mal, surtout « Driving The Last Spike ». Qu’est-ce que c’est que ça un morceau de 10 minutes ? Rock Progressif me voilà… grâce à « I cant Dance », et en remontant un peu plus, grâce à « One More Night ». Oh y’a des dents qui grinçent, restez zen les progeux !
C’est pas si mal Genesis… essayons des albums plus vieux… Invisible Touch..moui bof, je préfère We Can’t Dance… Duke …wow c’est bizarre comme musique ca ressemble pas à Phil Collins…mais bien…A Trick Of The Tail… nan trop bizarre…quoique..si en fin de compte…Mama… ah ça j’adore ! « Home By The Sea » c’est épique !
Par contre les albums ou c’est l’autre là qui chante « Peter Gabriel », bof non j’ai pas envie c’est nul…
Jusqu’à ce que j’écoute une vieille cassette audio de mon père : « Seconds Out Part Two ». « I Know What I Like », quelle énergie ! il me faut le CD !… « Seconds Out » en CD : plus de 200 F, c’est un double. Pas grave j’économise pour me le payer enfin… je le déballe réligieusement… « Supper’s Ready » ca dure 24 minutes ! c’est quoi ce truc, une erreur sur la jaquette ?
Inutile de dire qu’après plusieurs écoutes, Invisible Touch me paraissait encore plus fade à côté. Foxtrot fut mon achat suivant. J’accrochais pas encore à la voix de l’autre chanteur là, Gabriel…
Tout celà pour essayer de montrer à quel point Genesis et surtout Phil Collins a une place à part dans mes goûts musicaux. C’est grâce à lui que j’ai découvert le progressif, Peter Gabriel, Mark Knopfler (Montserrat 96), Mike Oldfield (Crises), le jazz (Buddie Rich)… ca ouvre pas mal de portes ça non ?
Mais, alors que mes goûts musicaux évoluaient, Phil Collins sortait Tarzan…bon OK, à la limite, y’a de super mélodies la dedans… puis Testify.
Ah non.
Là non.
Plus possible.
Des chansons nettes, sans âme ((c) Lazuli…), pas de vrais instruments, c’est plus gnan gnan que tout ce qu’il a pu faire, et pourtant il en a fait des roses et des sucrées. Et passage à la Star Ac’. Stop.
Depuis j’écoute rarement Genesis, période Peter Gabriel ou Steve Hackett, et quasiment jamais période trio.
L’annonce de cette reformation, c’était pour moi trop tard de quelques années. Mes goûts musicaux ont évolués. Et à voir ce que Phil Collins fait maintenant, ca me paraisait un peu ridicule de reformer Genesis, même si comme ils le prétendaient durant la conférence de presse, c’était « juste pour le fun »…
Mais par nostalgie, j’ai pris deux places, et pas données en plus.

Quand j’ai vu les titres joués en répétitions et lors des premiers concerts, une certaine impatience s’est faite ressentir. Etrange non ? je n’écoute plus ça depuis des années mais je suis prêt à débourser 200 € pour aller les voir dans un stade.
Oui.
Mais ils vont jouer « In The Cage ». Et « Firth Of The Fifth ». Et « Los Endos », « Afterglow »… que de souvenirs.
J’attendais ce concert avec un mélange d’impatience et d’appréhension.

C’est bon vous pouvez lire à partir d’ici, je ferme ma parenthèse narcissique.

Pour ceux qui ne sont jamais allés à un concert au Parc des Princes: partez tôt, même si vous êtes placés: en arrivant à 19h à la porte de Saint Cloud, après m’avoir déposé à 20h, Leslie a encore tourné jusque 21h15 avant de pouvoir se garer, elle a loupé 45 min de concert.
Arrivé à ma place, j’admire le stade, la pelouse est noire de monde, et la scène est impressionante. Une sorte d’écran-vague sert de fond, c’est vraiment très esthétique.
Le concert débute par un instrumental « Behind The Lines ». Etrange de voir de « vieux amis » comme Mike Rutherford, Daryl Stuermer et Chester Thompson. Tony Banks aussi, mais ca a jamais été mon pote, il a pas l’air marrant comme gars…
Quand Phil Collins entre sur scène, ca me fait une drôle d’impression: celle de connaître quelqu’un, de savoir qu’on aurait pu etre de supers amis mais nos chemins se sont séparés à une époque et on s’est perdus de vue.
Le son est atroce, c’est de la bouillie sonore. Les claviers sont noyés dans la basse, les batteries de Chester et Phil sonnent mal. Ca commence mal.

« Turn It On Again »: décidément j’ai tourné la page. De la pop, sans étincelles, qui sonne années 80 qui plus est, bof. Je m’ennuie. Le son s’est amélioré, ils ont du faire les réglages qui s’imposaient. Phil chante bien, pas aussi bien qu’il y a 20 ans, mais ils en sont tous là non ?
Mike Rutherford joue de la guitare, oui, mais autant être honnête, ca n’a jamais été un Guitar Hero, loin s’en faut. Daryl Stuermer est là pour ça, même si son look de marin jovial ne le laisse pas paraître. Tony Banks fait la tronche, c’est un pléonasme. Heureusement que c’est une tournée pour le fun…. Il jouerait de l’orgue à un enterrement il ferait la même tête. Chester Thompson est un grand batteur, on y reviendra.
« No Son Of Mine » : ca continue dans la même veine, mais ça a moins vieilli. Ca s’écoute oui, ca rappelle des souvenirs aussi.
« Land Of Confusion » : bon je commence vraiment à m’ennuyer.
Le morceau suivant éveille ma curiosité… mais oui… il semblerait bien que ca ressemble à « In The Cage »… quelle ligne de basse/batterie… ça devient intéressant…Phil n’a plus la fougue qu’il y mettait en 82 et encore moins celle que Gabriel mettait en 75, mais ça donne bien… l’écran géant diffuse des images qu’on qualifiera de kitsch sous peu.
Enchainement sans coupure sur ce qui ressemble bien à « The Cinema Show ». Le duo de batterie sur « Seconds Out » m’impressionnait à chaque fois. Ici aussi… Chester et Phil font des merveilles, ce sont deux immenses batteurs, quel dommage que des trucs du genre Testify viennent occulter ça aux yeux et aux oreilles du grand public… Seul bémol (haha) : soit les claviers de Tony délirent, soit il a changé le solo, mais ca sonne pas pareil.
Enchaînement sur un autre morceau moins antique mais toujours instrumental, « Duke’s Travels », Phil Collins est toujours à la batterie, qu’il finit par délaisser lorsque les musiciens se calment et jouent le sublime « Afterglow », « Chant du Cygne » du groupe: dernier morceau du dernier album avec Steve Hackett en 77. Phil n’a plus les tripes ou le coffre pour chanter ce morceau comme avant, mais que c’est beau.

Je serai pas en train de m’émouvoir sur du Genesis moi ? Si. On dirait que je replonge.

« Hold On my Heart » me fait redescendre sur terre. Du gnan gnan dans tout sa miévrerie. Phil Collins assis sur un tabouret de bar pour faire style… Très ennuyeux, mais nos voisins dans le public semblent apprécier beaucoup plus que ce qu’il y avait avant. Le syndrome de Genesis.
Phil fait le clown en français en présentant le prochain morceau… « Home By The Sea »… les premieres notes retentissent, la mélodie coule toute seule, la basse vrombit… flashback… je me revois un mercredi matin après les cours, en train d’arracher le plastique autour du CD « Mama » chez mes grands parents pour lire les paroles avant de pouvoir l’écouter chez moi. Eté fin de seconde, le dernier été d’insoucience. Vautré dans mon lit sous le velux de mon ancienne chambre, en train de lire du Stephen King en écoutant « Home By The Sea ». Là c’est foutu, j’ai les larmes aux yeux. L’interprétation est magistrale. Alors oui, c’est QUE du Genesis, oui ca date de 83, en plein dans le période « commercialeuh », non c’est pas du prog même si ca dure 10 minutes…m’en fout, j’ai pris mon pied. Peu importe le flacon…

« Follow You, Follow Me ». Entendu 15 000 fois quand j’écoutais encore la radio des parents. Rien de nouveau , mais les projections sur l’écran sont excellentes: le bonhomme de la pochette de « Duke » est dessiné dans le genre du dessin animé « La Ligne »: il marche dans un couloir avec des portes (32 ?), y croise le père et l’enfant de « We Can’t Dance » mais aussi les jeunes joueuses de croquet glauque de « Nursery Cryme » – diantre ca date de 71! -, le tondeur de pelouse de « Selling England » ou encore le Squonk… beaux clin d’oeil qui aident à faire passer la pillule.
Pour le morceau suivant, Phil repasse à la batterie, et commence le morceau seul, rejoint par les autres… et quel morceau… l’un des plus impressionnants concernant le jeu de batterie, mais aussi – et surtout – de guitare… C’est en partie grâce au jeu inimitable de Steve Hackett sur le chef d’oeuvre « Firth of Fith » que je me suis mis à la guitare… Chester et Phil au sommet de leur art, Tony fait ses plus beaux arpèges et Daryl Stuermer… reprend le solo que jouait Steve Hackett.
Je n’ai rien contre Daryl Stuermer, qui par certains côtés à été plus impressionnant que Steve Hackett : il joue un nombre incalculable de notes à la seconde, en brodant des variations partout. C’est bluffant, joli même. Mais ca n’a pas l’âme et la puissance du même solo tout en bend par M. Hackett. Néanmoins un grand moment, salué par le public, surtout par la pelouse, nos voisins attendant le prochain tube.
L’enchaînement se fait sur « I Know What I Like », qui sans être un tube, était ce qui s’en rapprochait le plus de l’ère Gabriel. Des photos du groupe de l’époque passent sur l’écran, on y voit les deux grands absents de ce soir: Peter Gabriel, qui a décidé qu’il avait mieux à faire (il est excusé) et Steve Hackett, qui n’a pas été invité étant donné que Gabriel ne venait pas…
Phil Collins fait le clown en jouant du tambourin avec les coudes, le crâne, les genoux, les pieds… le contraste avec Tony Banks juste à côté est saisissant.
Puis vient le fameux « Mama » qui convient déjà plus à nos voisins avides de tubes, et je dois dire que j’ai vraiment trouvé ça excellent. C’était puissant, c’est de la pop – c’est pas écrit dédaigneusement – mais de la très bonne, avec le petit quelque chose qui fait que ca marche.
Phil nous présente le prochain morceau, le public s’attend à un tube, et c’est… « Ripples » ! Un morceau qu’ils n’ont joué que quelques fois en 1980, et c’est loin d’être un tube formaté FM… l’ambiance est très « romantisme en campagne anglaise ». L’écran représente une peinture de forêt dans les tons vert turquoise, la scène s’éclaire de jaune, la nuit tombe, Phil s’applique beaucoup sur le chant, Daryl joue de la 12 cordes électrique… que demander de plus ?
On repart sur du bon tube avec « Throwing It All Away ». J’ai pas écouté la chanson ni regardé les musiciens, l’idée de génie de filmer le public et de retransmettre sur l’écran géant, c’est pas mal. Le Barry Williams Show de 2003 n’est pas loin… mais c’est marrant. Certains montrent leur joie, d’autres rougissent et se cachent, d’autres sont étonnés, d’autres se lèvent en levant les bas et du coup deviennent hors champ… un bon moment !
M. le showman joue avec le public en introduction du morceau suivant et nous explique – en anglais – le principe du domino. En éclairant diverses zones du stades et provoquant ainsi le déchainement desdites zones, Phil à bien entretenu l’ambiance.
« Domino », un autre morceau d’une dizaine de minutes perdu au milieu de l’usine à tubes qu’est « Invisible Touch ». Une construction progressive, plusieus passages différents, une seconde partie bien péchue avec Daryl Stuermer à la basse. C’est pas mal, mais ca n’atteint pas la puissance et la beauté d’un « Home By The Sea », mais c’est très subjectif (moi? jamais…) et je compare ce qui est comparable, « Supper’s Ready » n’a rien à faire ici.

Attention grand moment : le fameux duo de batterie. Chester Thompson et Phil Collins sont des maîtres en la matière. Imaginez un joueur de batterie. Il joue un rythme banal d’accompagnement. Désynchroniser le mouvement des bras et des jambes, faut déjà le faire. Maintenant imaginez un batteur en improvisation ou en solo, c’est a dire qu’il fait ce qu’il veut de ses toms, caisses claires ou grosses, cymbales etc mais faut que ce soit joli, pas seulement technique. C’est déjà quelque chose. Maintenant imaginez ce même batteur à côté d’un autre, et il doivent être en rythme ensemble. Là c’est la classe, la maîtrise de l’instrument. Et en fait, Chester et Phil ne commençent pas à la batterie, mais façe à… des tabourets de comptoir. Les baguettes tapent le coussin, le dossier, créent des rythmes, s’en éloignent, brodent… Phil s’écarte peu à peu et taquine ses cymbales, ses toms, fini par s’asseoir aux commandes… et ca cogne. Chester s’assied de son côté, et c’est du grand Art. On ne différencie pas qui fait quoi, qui a dit qu’un solo de batterie c’est ch… ? Ca s’accélère, et ça finit avec les fameuses quadruples salves de « Los Endos »… eh oui ça sent la fin… Mais en beauté.
Mais alors enchaîner avec « Tonight, Tonight, Tonight », ça casse tout. La chanson insupportable par excellence, qui a bien marché à l’époque mais pas suffisament pour qu’on s’en souvienne aujourd’hui. Pénible.
« Invisible Touch ». C’est gai, le public aime. Ok. Pas moi et de toutes façons j’ai jamais aimé ce morceau. Je m’occupe en essayant de faire un panoramique de la scène et de la pelouse.

Faux rappel, il repartent en coulisses et reviennent pour LE tube « I Can’t Dance ». J’ai bien changé depuis l’époque ou je cherchais cette chanson – si vous avez zappé le paragraphe en haut laissez tomber… – mais c’est toujours efficace. J’aime bien. C’est marrant avec la danse style fresque égyptienne, Mike Rutherford et Daryl Stuermer suivant Phil Collins. Ce dernier fait toujours des pitreries et des grimaces atroces qui vont plaire aux anti-collinsiens.
Et pour le dernier morceau de la soirée, ils jouent un morceau qui leur tiennent particulièrement à coeur… « The Carpet Crawlers », choix étonnant pour un rappel, mais je ne vais certainement pas m’en plaindre, surtout que les 5 sur scène s’appliquent baucoup, c’est beau, très beau, il manque juste Peter Gabriel pour que ce soit parfait. Mais quelle fin !
C’est le salut rituel, même si quelque chose me dérange quand Chester et Daryl se mettent sur le côté pour que les trois vieux saluent seuls…
Après nous avoir confié qu’on a été un public particulièrement bon, et Phil nous dit « au revoir »… je croyais que c’était une tournée d’adieu ?

Verdict : je me suis réconcilié avec Genesis. Pas tout loin de là, mais je me souviens avoir aimé certaines choses, et que j’ai pris plaisir à réécouter là, en live, devant mes idoles d’adolescent. Et quand on réfléchit, le fan du vieux Genesis qui tolère Phil Collins est plutôt bien gâté étant donné la configuration du lieu, la promo etc : on s’attend à n’entendre que du Genesis tubesque avec un petit medley pour faire plaisir aux vieux ronchons. Mais non. 8 morceaux époque « age d’or » jusqu’au départ de Steve Hackett, dont 5 époque Gabriel. Face à ça 9 tubes qui ont plus ou moins bien vieilli et qui ont ce petit quelque chose qui font que ça s’écoute très bien…ou pas et 3-4 morceaux moins connus du grand public mais qu’ils doivent aimer jouer en live. Ca aurait pu être pire non ?
Maintenant je ne vais pas écouter réveusement Testify, mais ce qui était bien avant l’est toujours, même si mes goûts musicaux ont bien évolués depuis, j’ai pris plus de plaisir que j’aurais cru ce soir en voyant et en écoutant ces légendes – ou ces stars, selon le point de vue – en live.
A quand une tournée de reformation complète… ?

Un merci spécial à ma chérie, sans qui je n’aurais pas vu ce concert…

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Nous sommes arrivés à Bercy à 20h50… soit 20 minutes après le début du concert d’après le billet. Etant partis de Roubaix à 17h30, nous avons eu droit aux embouteillages à Lille et à Paris. Le temps de trouver le parking, de traverser tout le parc de Bercy, on monte jusqu’aux gradins O (sans aucune fouille, je suis rentré avec un reflex ! si j’avais su j’aurais précipité l’achat d’un téléobjectif…) au son de «In The Flesh».
Pas le «In The Flesh» studio en attendant le début du concert, non. C’était déjà commencé !

Le temps qu’on s’assoie, nous étions au milieu de «Mother», le deuxième titre. Je déteste arriver en retard, quel que soit le rendez-vous. Là c’était assez frustrant.
On est moyennement bien placés, environ au milieu des gradins près de la scène. Avec ma myopie ça change pas grand chose d’être là ou au fond de la salle, Mais Leslie a pu admirer son idole, et après tout on était là pour elle c’était son cadeau de Noël.
«Mother» se termine, je ne suis pas encore dans le concert, et un grand classique commence «Set The Controls For The Heart Of the Sun». Des films sont projetés derrière la scène, et c’est excellent. C’est logique aussi, Waters a été l’un des premiers à utiliser ce genre d’artifices en concert dès la fin des années 60. On voit pas mal de plans de Syd Barrett, décédé en juillet dernier. C’était le premier guitariste, compositeur et chanteur de Pink Floyd avant qu’il ne sombre dans la folie en 1968.

Le son est très bon, c’est Bercy, mais c’est nickel. Il y a beaucoup de monde sur scène, et du beau monde. Waters est très exigeant pour qu’on interprète sa Musique, si bien qu’il sait s’entourer des meilleurs. Tous ensemble, ils cumulent les concerts ou les albums avec des noms comme Clapton, Harrisson, Van Morrisson, Hendrix, ELP, The Who, Satriani, Asia, Oldfield, The Beach Boys, Jeff Beck, Tina Turner, Elton John, Bowie, Crosby Stils Nash & Young… et Pink Floyd ! Et j’en passe. La Dream Team est composée de :
- Snowy White aux guitares électriques Gibson. Peut copier Gilmour sans l’imiter.
- Dave Kilminster aux guitares électriques Fender et au chant.
- Andy Fairweather Low aux guitares et aux chœurs, toujours occupé à jouer avec une pointure depuis 1969..
- Graham Broad à la batterie, un tueur qui tape vite, fort et bien. Nick Mason – batteur de Pink Floyd – ne manque pas vraiment sur les titres repris hier soir, au contraire…
- Jon Carin aux claviers et au chant, qui bosse à mi-temps pour Waters et l’autre mi-temps pour Gilmour.
- Harry Waters, fils de vous-devinez-qui à l’orgue Hammond.
- Katie Kissoon, choriste de Waters depuis le début de sa carrière solo.
- Carol Kenyon, choriste qui a assuré avec brio l’incroyable partie vocale de The Great Gig In the Sky.
- Et Enfin, cerise sur le gâteau, PP Arnold, choriste de renommée intergalactique sans qui la musique de Waters ne serait pas la même.

On l’aura compris, il y a une pléiade de professionnels aguerris sur scène, et ça s’entend.
Quand les premiers arpèges de «Shine On You Crazy Diamond» sont joués, le public applaudit à tout rompre. Sur les écrans défilent des images de Syd Barrett, pour qui la chanson a été écrite en 1974. Snowy White et Dave Kilminster font oublier la guitare de Gilmour, et vous n’imaginez pas à quel point ça fait me mal d’écrire ça. Par contre le chant de Jon Carin, même s’il est très bon, ne remplace pas celui de Gilmour à mes oreilles.
C’est néanmoins une expérience unique, une chance de voir ce chef d’œuvre en Live pour des gens comme moi ou Leslie, qui avons découvert ce monument de la Musique qu’est Pink Floyd 30 ans trop tard. Des larmes ont coulé sur ses joues, et je crois que sur les miennes aussi.
L’enchaînement sur «Have A Cigar» me fait redescendre sur terre, je n’ai jamais accroché à ce titre et ça n’a pas changé hier soir.
Le morceau suivant, c’est une autre histoire. Sur l’écran, un plan fixe sur une main sur un accoudoir et un tourne disque, pendant que Snowy White joue les premières notes de «Wish You Were Here» sur une guitare 12 cordes, bientôt doublé par Dave Kilminster, même si sur ce coup là, ils n’ont pas le touché de Gilmour (l’honneur est sauf). Ecrite pour Syd devenu fou, cette chanson a pris une dimension émotionnelle de plus en juillet dernier avec sa mort, et le public qui chante en même temps que Waters nous fait ressentir une communion, une sensation d’osmose qu’on atteint rarement en concert («Biko» de Peter Gabriel par exemple).

A ce stade du concert je ne regrette pas d’être venu, et je me dis que même s’il est cynique, parfois odieux, ce Waters c’est vraiment l’âme de Pink Floyd, et à le voir sur scène, il est fier et heureux de communier cette musique avec nous. D’ailleurs sa période «crachage sur le public» est bel et bien terminée, rassurez vous. Au contraire, rarement un artiste de son calibre (40 ans de carrière, riche au point de pouvoir être en retraite depuis longtemps, renommée quasi religieuse) m’a paru aussi proche de son public, régulièrement en bord de scène, sur les côtés, chantant hors micro avec son public les parties chantées par Kilminster ou Carin, il se fait limite spectateur de son œuvre. Superbe à voir.

Waters, c’est l’écriture, le fond en plus de la forme. Après la suite logique «Syd», il part sur ce terrain risqué pour un artiste : la politique.
Profondément marqué par l’absence de son père mort pendant la seconde guerre mondiale alors qu’il avait 2 ans, toute l’œuvre de Waters est empreinte de messages anti-guerre, sans le côté mièvre du Flower-Power qu’on associe trop souvent à tort à Pink Floyd.
«Southampton Dock» parle du retour des soldats en 1945, et surtout de ceux qui ne sont pas revenus. Sur l’écran derrière, Bush & Blair ont succédé à Bush & Tatcher. Autre décennie, mais c’est toujours d’actualité.
«The Fletcher Memorial Home» va plus loin avec son texte au vitriol qui dit qu’on devrait mettre tout ces dirigeants tyrans dans une maison et leur appliquer la solution finale… Bush est évidemment une fois de plus la star sur l’écran. Musicalement, ce morceau présente l’un des points faibles de la soirée : Roger n’a plus la voix qu’il avait dans les années 80 et ne peut plus forcer autant dessus, et est donc doublé en playback par sa propre voix préenregistrée. Ce n’est pas plus gênant que cela, mais bon, il faut bien trouver des défauts alors je fais ce que je peux.
S’ensuit le meilleur moment de la soirée selon moi, et c’est ironiquement l’un des deux titres de Waters en solo. «Perfect Sense». La voix de HAL 9000 résonne dans Bercy pendant qu’un cosmonaute part du milieu de la salle pour atterrir sur la scène. Bush fils n’a rien inventé, cette chanson écrite pendant la Guerre du Golfe dit :

«Can’t you see? It all makes perfect sense. Expressed in dollars and cents, pounds, shillings, and pence.»

La magistrale PP Arnold chante à pleins poumons ce morceau tout simplement génial, la complainte d’un soldat qu’il réalise qu’il ne sait pas pourquoi il fait la guerre au nom de son pays.

«And the Germans kill the Jews
And the Jews kill the Arabs
And the Arabs kill the hostages
And that is the news»

La seconde partie de la chanson reprise par le public est à couper le souffle. La aussi y’a une larmichette qui a coulé.

Roger marque une petite pause pour nous parler, moitié en anglais, moitié en très bon français, et nous explique que le prochain titre, «Leaving Beirut» raconte une histoire qu’il a vécu au Liban, lorsqu’il avait 17 ans et qu’il était parti à l’aventure au Moyen Orient, sa voiture est tombé en panne, et il a été recueilli par une famille qui lui a offert son lit pour la nuit. Il n’a pas oublié l’hospitalité et l’humanité de ces gens lorsque Tony Blair a apporté son soutien à George Bush pour bombarder leurs semblables au nom des Anglais.
C’est un très beau morceau, long, l’histoire est raconté sous forme de BD à la Sin City sur l’écran, mais je préférais personnellement la démo qui circule sur le net depuis 3 ans, beaucoup plus calme, plus intimiste, et sans solis de guitares tout à fait dispensables.
Dernier morceau de la première partie, avec «Sheep» qui parle de comment des citoyens peuvent bêtement suivre un leader quoi qu’il fasse.

Le légendaire cochon gonflable de Pink Floyd part du côté de la scène et se balade dans Bercy pendant la chanson. Il est couvert de tags «Stop Bush», «Habeas Corpus», «What an asshole Dick Cheney», «Le 10 Août 1789»…
Inutile de dire que l’ambiance devait être tendue lors de la tournée américaine.
Par contre gros reproche sur cette chanson : encore une fois le playback, sauf que sur celle ci, ça fait très moche !

C’est l’entracte pendant un petit quart d’heure, et l’écran a changé de forme, il est désormais circulaire… Lorsque les lumières s’éteignent et que des battements de cœur sourds se font entendre, on sait qu’on est parti pour entendre le clou du spectacle : l’intégralité de l’album historique «Dark Side Of the Moon».
Parfait.
C’est le mot qui me vient à l’esprit, et je ne dirais pas grand chose de plus sur ces 40 minutes. Un «On The Run» halluciné et assourdissant, un «Breathe» magnifique, un solo de batterie et un jeu de guitare anthologiques sur «Time», un «Great Gig In The Sky» avec une Carole Kenyon surpuissante, un «Money» somme toutes assez classique (et la voix de Gilmour manque) et surtout un final «Brain Damage / Eclipse» grandiose avec des effets spéciaux à ne plus savoir ou donner de la tête. Tout ça avec un son incroyable, le fameux rire fou parcourt Bercy, la caisse enregistreuse est partout, et si vous vous demandiez ce que ça ferait d’être dans une horloge de la taille de Bercy, vous auriez du venir écouter «Time».
J’aimais bien «Dark Side Of The Moon» avant ça, mais c’était loin d’être mon album préféré du Floyd. J’ai compris hier soir pourquoi c’est considéré comme leur chef d’œuvre.

Le groupe salue après ce morceau de bravoure, le temps d’une courte pause et de revenir pour LE tube de Pink Floyd : «Another Brick in The Wall». Même si d’un côté je ne supporte plus cette chanson à cause de l’image qu’elle donne de Pink Floyd au grand public et particulièrement aux nouvelles générations, force est de reconnaître que de crier «Hey Teachers, Leave The Kids Alone !» avec Roger Waters, ça le fait.
Ils enchaînent dans la nouvelle suite logique qu’est «The Wall» avec un titre pour le moins surprenant : «Vera» ! Un morceau tout calme, 100 % Waters, qui n’a rien de génial, sauf quand il est suivi de «Bring The Boys Back Home» et vu le titre, vous devinez qu’on revient beaucoup sur le message anti-guerre…
Des sons d’hélicoptère se font entendre, je frémis à l’idée de voir LE morceau de rock, de musique, qu’est «Comfortably Numb». Quiconque ne connaît qu’ «Another Brick In The Wall» doit entendre ce titre pour comprendre à quel point les Pink Floyd ont apporté à la musique.
Roger est pris entre deux murs de lumières entre la scène et le public, Dave Kilminster et Snowy White font un duel Fender vs Gibson (pour moi c’est Gibson qui gagne), Le public savoure ce dernier morceau, qui ne m’a pas déçu malgré l’absence de Gilmour…

Hier soir j’ai vu presque Pink Floyd en concert. Il faudrait que je voie l’autre presque Pink Floyd pour pouvoir dire lequel est le mieux, mais tout ce que je peux dire pour l’instant c’est que ceux qui ont des préjugés en faveur de Gilmour doivent voir Waters en Live, personnellement je n’ai pas été déçu.
Loin de l’image d’égocentrique qu’il s’est donné, je n’ai jamais vu un leader s’effacer autant au profit de son groupe. Il a plus souvent été proche du public que de son micro. Alors même si oui, il triche sur 2 titres parce que sa voix n’est plus la même, ce n’est pas une raison pour le bouder parce qu’il se débrouille toujours très bien, et un timbre comme le sien, il n’y en a pas deux.
La musique de Pink Floyd est intemporelle, surtout quand elle est interprétée avec autant de vigueur, de rigueur et de passion. Roger Waters a de quoi être fier de ce qu’il a fait.

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So where do I start…

Après un accueil des plus chaleureux par la Doctor Jones Family et une après midi à Liège en compagnie d’autres membres de PG-FR très sympathiques (LaTortue, Patrick, Naminanu et Steam pour ne pas les nommer…), j’ai eu la chance d’assister à un concert au Spirit Of 66.
Celle salle a une excellente réputation, d’une part pour sa programmation riche et de qualité, mais aussi et surtout pour le cadre de la salle elle-même : il s’agit d’un grand café (capacité maximum 350 places) aménagé en salle de concert, avec une fosse et un balcon, le tout dans une déco USA des années 70.

Ce soir j’ai donc vu IQ au Spirit of 66. IQ est un groupe de rock progressif « soft », dans la même veine que Genesis ou Yes dans les années 70. Il n’y a pas vraiment de définition officielle pour « rock progressif », mais pour les néophytes, disons qu’il s’agit de rock, sans le côté « commercial » qui veut que les morceaux aient tous un rythme binaire et durent 3 minutes 30 pour passer à la radio.
Dans le progressif, tous les musiciens sont virtuoses, tous ont droit d’être mis en avant, aucun instrument ne prédomine l’autre (sauf dans un certain groupe mais ce n’est pas le sujet…).

IQ a débuté dans les années 80, et fête au Spirit ses 25 ans de carrière. Il est composé des musiciens suivants :

- le chanteur, Peter Nicholls, une voix étrange, parfois monotone mais souvent évocatrice. Le genre de voix qu’on aime ou qu’on n’aime pas. Personnellement j’adore.
S’est énervé parce qu’aucun de ses micros ne marchait en début de concert.
- le guitariste, Mike Holmes, virtuose de la canette de bière et de la Strato, échangeant l’une pour l’autre entre les morceaux, et qui fait régulièrement le clown sur scène.
Nous a fait promettre de foutre le camp après le 5ème rappel.
- le bassiste, John Jowitt, un autre virtuose, comme toujours c’est en live qu’on se rend le mieux compte du travail qu’il fait sur les morceaux d’IQ.
Prenait sa douche lors du dernier rappel, est arrivé sur scène en retard, une serviette autour de la taille pour jouer de la pédale basse.
- le batteur, Andy Edwards, un surdoué qui tape très fort, un jeu très puissant, mais il faut bien ça pour porter la musique d’IQ
A un chien en peluche tout mignon qui contraste bien avec la déco de sa batterie.
- l’homme de l’ombre, le claviériste Martin Offord, qu’on a pas beaucoup vu, caché entre les claviers et une casquette très tendance… mais qu’on a entendu ! Entre les ambiances et les soli à la Wakeman, Offord est sans doute la pièce maîtresse de IQ

Le concert était annoncé à 18h30 au Spirit of 66, mais suite à une erreur d’affichage, le concert n’a pas pu commencer avant 20h. L’attente fut longue, mais nous étions en bonne compagnie, les pgfriens susnommés rejoints par Samsagace et Bignou, juste devant la scène, c’est donc resté supportable.

A 20h00 ; le groupe entre sur scène et commence à jouer. Le son est excellent, mais le mixage perfectible ; on entend très bien la batterie, la basse et les claviers, mais la guitare est sous mixée et on n’entend pas du tout Peter, qui fait ce qu’il peut pour régler son micro, mais rien n’en sort. Changement de micro : guère concluant. Le roadie revient avec le micro de départ, et on entend enfin le chant.Le groupe commence donc en enchaînant deux morceaux rythmés, « Breathtaker » et « Wurensh », que je ne connaissais malheureusement pas.
Ils poursuivent avec « Sacred Sound » issu du dernier album, et je me retrouve en terrain connu. Je regrette beaucoup de ne pas avoir mieux potassé la discographie du groupe, j’aurais sans doute apprécié encore mieux chaque morceau. Celui-ci est excellent, 10 minutes d’ambiance portée par les claviers, avec un pont ou Mike et John s’en donnent à cœur joie. Du fond de la scène, Andy, très concentré, emmène le groupe d’un bon rythme. Je regrette juste que le mixage n’ait pas plus mis en avant la guitare et la voix.
Peter s’adresse à son public à la fin du morceau, moitié en français moitié en anglais. On sent le groupe à l’aise, et à voir le public, c’est comme si IQ était à la maison : quelques T-shirts Genesis, The Musical Box, Peter Gabriel (même une veste Peter Gabriel, très jolie mais j’en connais un qui n’a pas du avoir froid dans la salle ;-)) mais surtout beaucoup de T-Shirts IQ : le fan club est là en masse.
Ils annoncent qu’ils vont jouer une nouvelle chanson qui s’appelle « Frequency ». Curieusement, je ne la connaissais pas (normal) mais j’ai beaucoup aimé, alors que les premiers titres ne m’ont pas marqués. Un rythme très lourd, le duo batterie basse est plus que jamais présent. Vivement le prochain album.

Peter Nicholls explique qu’ils fêtent leurs 25 ans de carrière, mais aussi l’anniversaire de Dene, un des membres de l’équipe. Il est invité à aller sur scène et à jouer du tambourin sur le morceau suivant : « It All Stops Here ». Encore une fois je ne connaissais pas, donc je n’ai pas profité pleinement du morceau mais il avait l’air de plaire beaucoup aux fans.
Mike râle ensuite, prétextant qu’une corde est abîmée ou cassée. Il amuse la galerie pendant qu’un roadie lui apporte une guitare de secours. Au final la strato marche très bien et Mike a totalement snobé le pauvre roadie.
Vient ensuite LE morceau que je voulais, le titre que je préfère sur l’album The Seventh House : « Erosion ». Une ambiance toute calme mais qui a le mérite de planter un décor, le premier couplet chanté à la perfection par Peter, et le groupe qui prend le train en marche au refrain : magnifique. Très court, mais un des grands moments pour moi.
Les premières notes de « Leap Of Faith » se font entendre. Une superbe chanson, surtout au niveau du chant de Peter Nicholls, tour à tour joyeux et inquiétant. Martin nous livre un final digne de Wakeman, en duo avec Mike qui nous gratifie d’un superbe solo.
Ils jouent une autre nouvelle chanson « Already Gone », pas aussi impressionnante que « Frequency », beaucoup plus calme, sans solo, limite single. Mais bon ça reste IQ.
Un autre titre que j’espérais secrètement : le magistral « The Seventh House ». Les musiciens ont fait une interprétation parfaite, Peter Nicholls interpréte avec son cœur l’histoire de ce soldat de la première guerre mondiale, pendant que défilent des diapositives de cette guerre en arrière plan. Superbe mise en scène, un très grand moment de musique, très intense.
Sans répit, ils enchaînent sur « Human Nature », un autre standard du groupe à voir les fans, mais qui m’est inconnu également. Un bon titre en live, la complicité entre les membres du groupe fait plaisir à voir, Mike ne tient plus en place, en revanche il tient très bien l’alcool et il fait tout le temps le clown. Très bonne ambiance.

Enchaînement sur ce qui a été la surprise de la soirée : « The Enemy Smacks ». Un morceau qui m’était totalement inconnu. Peter commence à jouer avec une corde d’une trentaine de centimètres, et se fait un garrot à hauteur du coude. Il mime une séance de défonce en simulant la piqûre avec son doigt. Un sentiment de malaise s’installe. Je regarde Peter, hypnotisé par sa performance scénique, devenir de plus en plus incontrôlable. Il s’éclipse en coulisses. Mike et John en profitent pour faire un petit duo, toujours dans l’ambiance plutôt sombre de la chanson.
Et Peter revient sur scène, portant un masque blanc sur son visage. Les lumières ont encore baissé. Il avance, voûté, scrutant le public. Il s’agenouille au centre de la scène, et se penche au dessus de nous. Il agrippe Patrick sous le menton, comme pour l’embrasser, puis se recule en hurlant hors micro. Il avance vers nous, Leslie n’est pas rassurée, mais c’est la Tortue qui prend, il est agrippé à son tour pour le baiser de la mort. Peter retourne sur scène, agenouillé. Les lumières deviennent stroboscopiques pendant qu’il se convulse, la tête entre ses mains. Il retourne en coulisses, et revient une dernière fois sur scène après un autre solo, cette fois vétu d’une tunique à capuche noire, toujours avec son masque blanc. La mort est sur scène, et ça en jette. Le morceau se termine sur la mort, shootée, qui se meurt. Les fans étant habitués, ça n’a pas du les surprendre, mais moi qui ignorait totalement cet aspect du groupe, qui plus est après plus d’une heure de concert sans mise en scène particulière, j’ai été agréablement surpris.Et c’est terminé, ou du moins ils veulent nous le laisser croire. Ils saluent, tous sourires jusqu’au oreilles. Mike traîne un peu mais ils finissent par tous aller en coulisses.
Pas pour longtemps puisqu’ils reviennent pour jouer « Subterranea »: très bon, joué à la perfection malgré un manque de sérieux évident du groupe sur scène.
Deuxième rappel avec « The Wake », tiré de l’album du même nom, mais dans une version plus punchy.

Et de trois avec le superbe « Cinema Sh… euh non Widow‘s Peak » une des plus belles chanson de leur premier album, ou Andy s’en donne a cœur joie avec les variations de rythmes : calme au début, martial ensuite. Impressionnant.
Et les IQ repartent en coulisses.Mais le public n’en a pas encore assez, et les musiciens reviennent avec Dene (plus à l’aise qu’en début de concert) pour jouer « No Love Lost », là encore un morceau très rythmé, mais je ne peux pas comparer avec l’original. A noter que John était déjà parti pour la douche puisqu’il est revenu sur scène en caleçon !
Ils saluent une fois de plus et retournent encore en coulisses.
Aidés par Dene du côté de la scène, le public réclame le groupe…qui revient même si l’attente est plus longue ! Mike, une canette à la main, prend le micro et nous dit en substance « Encore une et après… allez vous faire f… ». Seul John manque à l’appel lorsqu’il commençent à jouer un passage de « Last Human Gateway ». Il les rejoint vêtu d’une serviette de bain pour jouer de la pédale basse !

Le concert se termine donc dans le délire le plus total, ils saluent une dernière fois, le public est ravi et tient sa promesse, 5 rappels c’est déjà très généreux de leur part !La foule se disperse dans la salle, la plupart du côté du bar, et on ne tarde pas a voir Mike descendre dans la salle pour se prêter au jeu des séances photos et autographes (une fois que les téméraires fans avaient réussi à retirer le cellophane du DVD ;) ). Andy descend à son tour, fait présent de ses baguettes à un fan, suivi par l’exubérant John qui a affiché son sourire sur quasiment toutes les photos prises après le concert. Peter est descendu à son tour. Une très bonne ambiance règne dans la salle, mais on ne s’attarde pas trop : le concert ayant commencé en retard, il nous faut encore faire 2 heures de route pour rentrer sur Lille, et je travaillais le lendemain !

Le concert valait le déplacement, et c’est sans compter sur la rencontre des membres de PGFR après 3 ans de forum, la ballade dans liège et la découverte de cette magnifique salle !
Une chose est sûre : on reviendra…pour IQ ou autre ;-) !
Merci à Doctor Jones pour l’accueil, les pâtes épicées, les laquements et la bonne Musique !
Merci aussi à Steam & Samsagace pour la setlist !
–> La Galerie de Photos du concert

–> Quelques moments en video :

IQ – Extrait de Sacred Sound

IQ – Extrait de Sacred Sound

IQ – Extrait de Erosion

IQ – Extrait de Widow’s Peak

IQ – Extrait de Last Human Gateway

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